Zamiast wielkiej rezydencji stworzyli niewielki i przytulny dom w stylu farmhouse
Małgorzata i Andrzej Bacikowie z MM Architekci postawili na styl farmhouse. Choć to kierunek, który ma wiejskie korzenie, to nie jest przaśny. Stanowi hybrydę sielskości i przytulności, która powoduje, że we wnętrzach urządzonych pod jego dyktando chce się po prostu zostać dłużej. Znajdziemy tu sporo rustykalnej prostoty i szczypta nowoczesności.
Ten nieduży dom ma zaledwie 100 m2. Inwestorzy wymarzyli sobie, aby architekci Małgorzata i Andrzej Bacikowie wykreowali dla nich przesyconą przestrzeń wypełnioną światłem i połączeniem nowoczesności z elegancją. Efekt? Parter wysoki na prawie sześć metrów, otwarty po sam dach salon, klimatyczna kuchnia, której daleko do „babcinej” oraz stylowo wyposażone wnętrza. Dom w stylu farmhouse i materiały Budżet był ograniczony, ale baza musiała być solidna, bo przecież domek miał posłużyć właścicielom przez lata. Liczyły się dobrej jakości materiały wykończeniowe, takie jak drewniana podłoga, której deski oznaczają nie tylko trwałość, lecz także dzięki szlachetnym rysunkom i sękom nadadzą wnętrzu upragniony wiejski klimat. Architekci wykorzystali też elementy nurtu vintage. Część mebli i dekoracji, jak antyczna szafeczka, kandelabr czy zegar na kominku, to rodzinne pamiątki właścicieli. Towarzyszą im wyszperane w antykwariacie rozwiązania, takie jak stolik ze szklanym blatem na metalowej podstawie. View Burdaffi on the source website View Burdaffi on the source website W centrum części dziennej stoi kominek, które obudowa urzeka ciekawym sznytem. Zdobią go białe płytki o subtelnym, reliefowym wzorze, które zaprojektowane są przez Patricię Urquiolę. To kolekcja “Déchirer” Muttiny. Kuchnia rustykalna Kuchnia ma kształt litery L, a jej dodatkowym elementem jest półwysep. By uniknąć wrażenie „babcinej” stylizacji, architektka wzbogaciła przestrzeń o nowoczesne akcenty w czarnym odcieniu. Tuby okapu i lamp nad wyspą, ramki frontu witryny, stylizowany piekarnik Smeg “Coloniale” czy nogi hokerów specjalizującego się w art déco antykwariusza z Mińska Mazowieckiego dodają przestrzeni wyrazistości. W klimacie art déco utrzymany jest również stół, którego właściciele znaleźli w antykwariacie w Chorzowie. Architektka dodała do niego biedermeierowskie krzesła, a ich tapicerkę wymieniła na bardziej współczesną w odcieniu ciepłej szarości. View Burdaffi on the source website Wnętrza i klimat mix&match W części prywatnej domu znajdują się trzy pokoje i łazienka, które wypełnia eklektyczny miks wpływów uhonorowanym pięknem przedmiotów z historią. W sypialni królują kwiaty, a właściwie floralny motyw na tapecie szwedzkiej marki Boras Tapeter. Przestrzeń uzupełnia thonetowski regalik, który podkreśla nostalgiczny klimat. W gabinecie bohaterem jest artdekowskie biurko, a jego tłem jest zaprojektowany przez Małgorzatę biblioteczny regał. View Burdaffi on the source website Punktem wyjścia do aranżacji salonu stały się wiszące pomiędzy nimi dwa olejne obrazy nieżyjącego już tarnowskiego malarza Stanisława Westwalewicza. Mają piękną kolorystykę, zieleń, brąz, ametystowy fiolet – mówi Małgorzata
Powrót klasyki w wielkim stylu. Miele Guard jako nowy bohater współczesnych wnętrz
Jeszcze do niedawna urządzenia do sprzątania były w domach koniecznością, którą chętnie ukrywaliśmy w schowkach. Dziś, w świecie świadomego designu i życia w rytmie slow luxury, także odkurzacz może się wpisywać w estetykę wnętrza oraz styl życia jego mieszkańców. Nowa seria workowych odkurzaczy Miele Guard doskonale oddaje tę zmianę, łącząc ponadczasową formę, zaawansowaną technologię i komfort użytkowania, który odczuwamy na co dzień, nie tylko podczas sprzątania.
Wnętrza premium rządzą się własnymi zasadami. Liczy się harmonia, spójność materiałów i kolorów, a także przedmioty, które są nie tylko funkcjonalne, ale i piękne. Miele Guard został zaprojektowany właśnie z myślą o takich przestrzeniach. Stonowane lub bardziej wyraziste warianty kolorystyczne współgrają z nowoczesnymi mieszkaniami, domami w duchu modern classic czy eklektycznymi loftami. Teksturowane powierzchnie, boczne panele pokryte wysokiej jakości tkaninami oraz subtelne metalowe aplikacje w odcieniach różowego złota czy miedzi sprawiają, że Guard wygląda bardziej jak element wyposażenia wnętrza niż typowe urządzenie AGD. To design, który nie dominuje przestrzeni, lecz ją dopełnia. Odkurzacz może stać w zasięgu wzroku – i nie zaburza estetyki salonu czy garderoby. Wręcz przeciwnie, podkreśla dbałość domowników o detale i jakość. Komfort sprzątania w nowoczesnym wydaniu Miele Guard to jednak nie tylko piękna forma. To przede wszystkim inteligentne podejście do codziennych czynności. Sprzątanie – zamiast być przykrym obowiązkiem – staje się czynnością szybszą, cichszą i bardziej intuicyjną. Klasyczny odkurzacz workowy wraca tu w nowej odsłonie: z wysoką mocą, lekką konstrukcją i niezawodnością, którą doceni każdy, kto nie chce martwić się o żywotność baterii czy przerwy w pracy. Kluczowym elementem jest innowacyjny system ComfortFit, który zapewnia całkowitą szczelność worka. Specjalny uchwyt ma idealnie dopasowany odpowiednik w urządzeniu, dzięki czemu kurz pozostaje tam, gdzie jego miejsce. To rozwiązanie docenią szczególnie alergicy i wszyscy, którzy cenią wysoki poziom higieny – filtracja na poziomie 99,9% robi realną różnicę w jakości powietrza w domu. Inteligentne wsparcie w codziennych obowiązkach Seria Guard pokazuje, że nawet klasyczny sprzęt może być „smart”. Wybrane modele oferują dostęp do aplikacji Miele, która pozwala monitorować stan urządzenia, otrzymywać powiadomienia czy korzystać z inteligentnych funkcji dopasowanych do stylu życia użytkownika. W modelu Guard L1 uwagę przyciąga duży, kolorowy wyświetlacz LCD – czytelny, elegancki i intuicyjny w obsłudze. To detal, który sprawia, że technologia staje się naturalnym przedłużeniem codziennych czynności, a nie ich komplikacją. Modele dopasowane do stylu życia Nowa linia obejmuje trzy modele, zaprojektowane z myślą o różnych przestrzeniach i potrzebach: Guard S1 to propozycja dla niewielkich przestrzeni, gdzie liczy się lekkość formy. Niewielki, ergonomiczny i niezwykle wydajny – idealny dla tych, którzy cenią prostotę i funkcjonalność. Guard M1 stanowi złoty środek między mocą a wygodą. Wbudowany schowek na akcesoria, podświetlane symbole LED, kabel zwijany jednym dotknięciem czy dostęp do aplikacji sprawiają, że codzienne sprzątanie przebiega płynnie i bez wysiłku. Guard L1 to najbardziej zaawansowany model w serii, wyznaczający nowe standardy czyszczenia. Dedykowany dużym domom i wymagającym użytkownikom, którzy oczekują pełnej kontroli, inteligentnych funkcji i najwyższego komfortu. Jakość na lata W świecie premium prawdziwą wartością jest trwałość. Miele od lat słynie z niezawodności, a seria Guard nie jest wyjątkiem – urządzenia testowane są na 20 lat użytkowania. To deklaracja, która idealnie wpisuje się w ideę świadomej konsumpcji: mniej, ale lepiej. Jeden doskonały przedmiot zamiast wielu kompromisów. Harmonia technologii i domowej elegancji Miele Guard udowadnia, że luksus nie musi krzyczeć. Może objawiać się w ciszy pracy, w miękkim ruchu zwrotnego urządzenia, w pewności, że sprzątanie jest dokładne, higieniczne i komfortowe. To sprzęt, który wspiera codzienność, nie zakłócając domowej harmonii. Współczesne wnętrza potrzebują rozwiązań, które są równie piękne, co funkcjonalne. Seria Miele Guard odpowiada na tę potrzebę, stając się naturalnym elementem stylu życia – tam, gdzie design spotyka się z technologią, a komfort z ponadczasową elegancją. Materiał promocyjny marki Miele.
25-lecie ELLE Decoration: Święto polskiego designu i kreatywnych talentów
Jubileusz 25-lecia ELLE Decoration świętowaliśmy w przestrzeni, która doskonale podkreśliła rangę wydarzenia – w Teatrze Wielkim – Operze Narodowej w Warszawie. To właśnie tutaj, 25 listopada, tradycja spotkała się z nowoczesnością, podobnie jak w magazynie przez ostatnie ćwierć wieku.
ELLE Decoration to marka, którą zna każdy miłośnik designu. To jeden z najbardziej rozpoznawalnych magazynów wnętrzarskich na świecie, który od lat wyznacza standardy i język, w jakim opowiadamy o designie, architekturze i stylu życia. Potwierdzeniem tego jest również jubileuszowa okładka autorstwa Kasi Kmity, którą mogliśmy tego wieczoru podziwiać na żywo. Artystka wykorzystała tradycyjną technikę kodry, by stworzyć unikalną wizualną opowieść, która w formie kolorowego kolażu przedstawia ikony współczesnego polskiego wzornictwa. Wśród wyróżnionych projektów znalazły się lampy Pani Jurek, stołek Plopp autorstwa Oskara Zięty, ceramiczny wazon "Oko" Malwiny Konopackiej oraz fotel FULU marki Nobonobo. Uroczysty wieczór poprowadziła Anna Chwalińska – naczelna ELLE Decoration, która na wydarzenie dotarła w wyjątkowej oprawie dzięki partnerowi tego jubileuszu, marce BMW – oraz Marcin Prokop. Na samym początku ze sceny usłyszeliśmy podziękowania dla ludzi, którzy tworzą ten niezwykły magazyn: redaktorek i redaktorów, grafików, stylistów, producentów i dystrybutorów. Szczególne podziękowania, naczelna skierowała do obecnego zespołu redakcyjnego: Magdy, Eli, Kseni, Judyty, Beaty i Kasi Kołakowskiej. ELLE Decoration to niezwykły zespół, pełen energii, poczucia humoru, kreatywności. To też magazyn, który ma wielu przyjaciół – projektantów, architektów, twórców, którzy inspirują i sprawiają, że świat ELLE Decoration jest jeszcze piękniejszy. Ten jubileusz to święto ich wszystkich. Redakcja podsumowała również najważniejsze artystyczne współprace jubileuszowego roku: z Olą Żeromską, autorką styczniowego manifestu o tworzeniu; z Kasią Kmitą, z którą powstała okładka jubileuszowego numeru; oraz z Olą Niepsuj, autorką grafiki przygotowanej specjalnie na galę. Następnie ogłoszono laureata konkursu ELLE Decoration – Młodzi na Start. To już 14. edycja tego projektu, jednego z najważniejszych w Polsce programów wspierających studentów i młodych twórców. Temat tegorocznej edycji – "Twórczy dialog z ikoną lub ikonami XX wieku" – pozwolił uczestnikom zmierzyć się z klasykami designu i sztuki w bardzo osobisty sposób. W składzie jury znaleźli się eksperci od lat kształtujący kierunki polskiego wzornictwa. Po zaprezentowaniu dziesięciu finałowych projektów poznaliśmy laureatkę – Magdalenę Szkutnik, absolwentkę Państwowego Liceum Sztuk Plastycznych w Nałęczowie, która została nagrodzona za projekt Konstrukcja Labilna. Jury doceniło dojrzałość pracy, jej techniczną precyzję oraz dialog z tradycją awangardy XX wieku. Nagroda – dyplom oraz wyjazd na EDIDA – zostały wręczone na scenie. Wszystkie prace biorące udział mogliśmy podziwiać na wystawie w trakcie wydarzenia. Kolejną częścią gali było ogłoszenie pierwszego w historii polskiej edycji tytułu Projektanta 25-lecia ELLE Decoration. Redakcja wytypowała 25 projektantów i studiów, których dorobek na przestrzeni ćwierćwiecza wyróżnia się jakością, konsekwencją i obecnością na łamach magazynu. Jednak ostateczny wybór należał do czytelników oraz użytkowników portalu – niemal 10 tysięcy osób oddało swoje głosy. Zwycięzcy – duet Kabo&Pydo otrzymali figurkę Soul Rider, którą dla marki Lladro zaprojektował hiszpański artysta Dulk. Zaprezentował ją Andrzej Kareński, wieloletni przyjaciel redakcji i przedstawiciel marek Rosenthal i Lladró. Nagrodę dopełnił voucher na wyjazd na targi Messe Frankfurt, wręczony przez przedstawicielkę i przedstawiciela targów Ambiente i Christmasworld – Yvonne Engelmann, Dyrektorkę targów Ambiente w Messe Frankfurt oraz Stefana Schoppa, Dyrektora targów Christmasworld w Messe Frankfurt. Na koniec mogliśmy usłyszeć największe hity muzyczne w wykonaniu duetu BEMY, a także przenieść się do rozmów w kuluarach, gdzie czekali m.in. przedstawiciele partnerów wydarzenia. Marka ASKO zaprezentowała swoje urządzenia w teatralny sposób, łącząc nowoczesność ze scenicznymi strojami. Nie zabrakło także miejsca, gdzie mogliśmy poznać bliżej ideę targów Christmasworld w Messe Frankfurt. A na miłośników aromatów czekała strefa perfumerii Galilou, gdzie mogliśmy zanurzyć się w wyjątkowych aromatach perfum do wnętrz. Ten wieczór doskonale potwierdził, że ELLE Decoration ma wielu przyjaciół, których bardzo ceni. Serdecznym rozmowom nie było końca. Przed nami (mamy nadzieję) kolejne 25 lat!
Design, który porusza. Technologia, która rozumie piękno i przekłada je na doświadczenie
Podczas 25. urodzin „ELLE Decoration” świętowano nie tylko przeszłość i przyszłość polskiego designu, ale również partnerstwo z marką, która doskonale rozumie jego znaczenie. BMW iX3, w pełni elektryczny SAV nowej generacji, udowadnia, że piękna forma może iść w parze z zaawansowaną technologią – i to z rozmachem godnym jubileuszu.
Obchody 25-lecia „ELLE Decoration” miały w sobie wszystko, co najważniejsze: emocje, nagrody i odważne wizje. Wydarzenie stało się okazją do rozstrzygnięcia kolejnej edycji konkursu „Młodzi na Start”, który od lat wspiera debiutantów w świecie projektowania, oraz plebiscytu na „Projektanta 25-lecia ELLE Decoration”, czyli symbolicznego podsumowania ćwierćwiecza polskiego designu. Partnerem wydarzenia była marka BMW, obecna tam nieprzypadkowo. Nowe BMW iX3 wpisuje się bowiem idealnie w rozmowę o przyszłości projektowania, łącząc radykalnie nową estetykę z bezkompromisową technologią. Ten model, choć swoją premierę będzie miał dopiero wiosną 2026 roku, już teraz inspiruje wizją, którą uosabia: ponadczasowy design w służbie użytkownika. Nowa stylistyka – redukcja do esencji formy Nowe BMW iX3 stanowi początek zupełnie nowej ery dla marki – nie tylko technologicznie, ale przede wszystkim stylistycznie. To pierwszy seryjnie produkowany model Neue Klasse i zarazem premiera całkowicie nowego języka projektowania, który został objęty kompleksową ochroną. Purystyczna forma i mocno zarysowany charakter nadwozia to odpowiedź na aktualne trendy w projektowaniu: mniej znaczy więcej. Redukcja detali nie oznacza jednak nudy. Wręcz przeciwnie – precyzyjnie poprowadzone linie, duże i czyste powierzchnie oraz wyjątkowo niski współczynnik oporu powietrza (Cd 0,24) nadają sylwetce lekkość i nowoczesną elegancję. W pionowym przodzie dominuje nowa interpretacja klasycznej atrapy chłodnicy BMW oraz podwójne reflektory, którym towarzyszy zupełnie nowa sygnatura świetlna zastępująca tradycyjne chromowane detale. Wyraźnie zaznaczone nadkola i zlicowane powierzchnie szyb oraz klamek wzmacniają wrażenie rzeźbiarskiej bryły, a tylne lampy sięgające daleko do środka nawiązują w poziomym układzie do charakterystycznego dla BMW kształtu litery L. Wnętrze jak nowoczesna przestrzeń mieszkalna Design kabiny nowego BMW iX3 to prawdziwa rewolucja w aranżacji wnętrz samochodowych – zupełnie nowy poziom estetyki, przestronności i cyfrowych doświadczeń. Projekt deski rozdzielczej sprawia wrażenie zawieszonej w powietrzu, a jej linie płynnie przechodzą w panele drzwi, tworząc efekt otulenia. Wnętrze zostało zaprojektowane z myślą o maksymalnym komforcie i przejrzystości – zarówno pod względem funkcjonalnym, jak i wizualnym. Duże przeszklenia oraz panoramiczny dach z filtracją promieni UV pozwalają światłu przenikać do środka, tworząc przepełnioną światłem aurę. Tapicerka pokryta tkaniną Econeer, wykonaną w 100% z przetworzonych butelek PET, to element standardowej konfiguracji wnętrza Essential w kolorze Vivid Grey. Użyte materiały i kolorystyka, inspirowane nowoczesnym wystrojem wnętrz oraz technologią Neue Klasse, harmonijnie współgrają i podkreślają komfort wnętrza. Alternatywą są m.in. materiały Veganza lub luksusowe połączenia skóry Merino i materiału PerformTex w subtelnych, dopracowanych kolorystykach. Nowy wymiar cyfrowych doświadczeń System BMW Panoramic iDrive w modelu iX3 to nie tylko funkcjonalność – to również design najwyższej próby i całkowicie nowy standard cyfrowych doświadczeń. To właśnie BMW iX3 jako pierwszy seryjnie produkowany model oferuje ten innowacyjny system, który redefiniuje sposób interakcji z pojazdem i przenosi intuicyjność obsługi na zupełnie nowy poziom. Całość tworzy przemyślaną kompozycję światła, form i brzmienia, które można personalizować według własnych potrzeb. Elementy fizyczne i cyfrowe zostały zbalansowane tak, aby zachować intuicyjność obsługi i estetyczną czystość formy. Wyświetlacz BMW Panoramic Vision biegnie przez całą szerokość przedniej szyby, a jego treść można dostosowywać według preferencji kierowcy i pasażera. Unikalny ekran centralny z podświetleniem matrycowym oraz nowa wielofunkcyjna kierownica tworzą spójną i dopracowaną wizualnie całość. Efekt? Doświadczenie, które nie tylko odpowiada na potrzeby współczesnych kierowców, ale i wyznacza kierunek przyszłości użytkowej estetyki. Estetyka w służbie zrównoważonego luksusu Nowe BMW iX3 to przykład, jak odpowiedzialność środowiskowa może iść w parze z najwyższej klasy wzornictwem. Redukcja śladu węglowego aż o 34% w całym cyklu życia pojazdu to efekt kompleksowego podejścia: od projektowania, przez dobór materiałów, aż po proces produkcji. Wnętrze zostało zaprojektowane z myślą o zrównoważonym rozwoju – przędza wykorzystana do produkcji tapicerki siedzeń Econeer w 100% pochodzi z tworzywa PET z recyklingu, a ta użyta w podsufitce i dywanikach podłogowych w całości z materiałów wtórnych. Dopełnieniem tej filozofii są również obręcze kół zawierające 70% surowców wtórnych oraz wykorzystanie aluminium wtórnego w komponentach układu jezdnego. W efekcie powstał pojazd, który nie tylko zachwyca designem, ale też realnie przyczynia się do zmniejszenia wpływu na środowisko. Design wsparty technologią nowej ery Choć stylistyka BMW iX3 odgrywa ogromną rolę, warto zaznaczyć, że stoi za nią zaawansowana technologia. Ten w pełni elektryczny SAV nowej generacji oferuje zasięg do 805 km, a jego akumulator można naładować od 10 do 80 procent w zaledwie 21 minut. Na stacji szybkiego ładowania prądem stałym o napięciu 800 V wystarczy 10 minut, by zwiększyć zasięg nawet o 372 km. Nowa architektura z czterema superkomputerami i system „Heart of Joy” odpowiada za precyzję prowadzenia, płynność jazdy i personalizację doznań, a wszystko to jest zamknięte w eleganckiej, ponadczasowej bryle, która redefiniuje, czym dziś może być samochód klasy premium. Zarówno z zewnątrz, jak i wewnątrz, nowe BMW iX3 prezentuje świeżą jakość projektowania w motoryzacji – przemyślaną, odpowiedzialną i jednocześnie oddziaływującą na wiele zmysłów. To model, który doskonale odnalazłby się nie tylko na ulicach dużych miast, ale i na kartach magazynu o designie. Trudno o lepsze podsumowanie idei, które przyświecały obchodom 25-lecia „Elle Decoration”. Materiał promocyjny marki BMW
Projektują, lepią i wypalają. Poznaj piątkę polskich mistrzów ceramiki
Ceramika ma różne oblicza. Bywa bliska rzeźbom albo naturze. Bywa surowa w wyrazie albo łagodna. Zawsze zdradza umiejętności twórcy. W czwartej już odsłonie naszego jubileuszowego cyklu prezentujemy znakomitych artystów, którzy w kruchej materii osiągają wcale nie kruche szczyty.
Marek Cecuła Ceramika od lat chłopięcych była częścią jego życia. Stała się pasją i pracą. Dała mu międzynarodowe uznanie w różnych obszarach związanych z kruchą materią. Bo Marek Cecuła w ceramice osiągnął wszystko. Jest samoukiem z tytułem profesora. Światowej sławy artystą i cenionym projektantem form użytkowych. Z Polski wyjechał jako nastolatek, mieszkał w Izraelu, potem w Brazylii. Ponad 30 lat spędził w Nowym Jorku. Tam, w SoHo, założył wszechstronną pracownię ceramiczną Modus Design. Jego projekty i pomysły przyniosly mu ogromne uznanie. Jednocześnie Cecuła był dziekanem Wydziału Ceramiki w prestiżowej Parsons School of Design. Do Polski przyjechał pod koniec lat 90. XX wieku, aby na przemysłową skalę produkować w fabrykach porcelany swoje projekty cieszące się ogromnym zainteresowaniem za oceanem. Polska, niespełna dekadę po przemianie ustrojowej, wydała mu się miejscem pełnym wyzwań i perspektyw. Wszechstronny artysta dzięki swojej niezrównanej wiedzy uczestniczył w zmianach świata polskiej porcelany, będąc nawigatorem części z nich. Ćmielów Design Studio, najmłodsza marka w Polskiej Grupie Porcelanowej, powstała dzięki współpracy z artystą. Znakomite awangardowe projekty ĆDS są dziełem Modus Design, którego projektantami są Marek Cecuła i Edyta Cieloch. Monika Patuszyńska „Przyzwyczailiśmy się myśleć o porcelanie jako o gładkiej i grzecznej, bo taka przez wieki pasowała do stołów i wyobrażeń o panowaniu nad światem i ujarzmieniu żywiołów. A porcelana jest niepokorna”, mówi artystka. I dodaje: „Niepokorność to jej najpiękniejsza cecha. Nie walczę z nią ani jej sobie nie podporządkowuję”. Bo Monika Patuszyńska rozumie naturę porcelany. Odkształca ją, deformuje, nadaje faktury i kształty pełne dynamiki. To zrozumienie materii jest w przypadku artystki imponujące, ukazuje jej wrażliwość, talent i wpływa na siłę przekazu jej prac. Spośród wielu realizacji warto wspomnieć choćby projekt „Genealogia” – zamkniętą w porcelanie osobistą i jednocześnie uniwersalną opowieść o relacjach międzyludzkich. O pamięci, dopasowywaniu, uwieraniu i sztuce zachowania równowagi. Z kolei ideą przewodnią wieloelementowego i poruszającego wizualnie projektu Bastards & Orphans było badanie tego, co pozostało w sferze materialnej oraz intelektualnej po zamkniętych fabrykach. Monika zapytana o sukcesy mówi niewiele, choć prestiżowych wystaw i nagród w kraju i za granicą ma na koncie mnóstwo. Przyznaje, iż przyjemna jest dla niej myśl, że pary zaręczające się w słynnym salonie Tiffany'ego w Nowym Jorku robią to, mając za „towarzystwo” jej porcelanowe formy. Monika Dąbrowska-Picewicz Myślała o malarstwie, ale ceramika zawładnęła nią w chwili, gdy jako nastolatka zetknęła się z tą materią na warsztatach. Studia na ASP we Wrocławiu na kierunku ceramika stały się dla niej naturalnym wyborem. Jej nagrodzony dyplom – łączący ceramikę i malarstwo – był zwiastunem podejścia Moniki do kruchej materii. Bo i malarskość, i rzeźbiarskość charakteryzują wszystkie jej projekty. Jej prace, istniejące pomiędzy abstrakcyjnymi rzeźbami a formami naczyniowymi, przywodzą na myśl nieznane dzieła natury. Pracownia artystki znajduje w pobliżu lasu i rzeki, a ona spacerując, przygląda się naturze z wielką wnikliwością – fotografuje fragmenty krajobrazu albo rysuje. Szkicownik jest jej nieodłącznym towarzyszem. Ale główną częścią procesu twórczego jest badanie możliwości materiałów i ich połączeń. Każdy projekt poprzedza wiele prób i drobnych modeli. Artystka dopasowuje technikę do pomysłów. Czasem cierpliwie lepi z wałeczków albo z płatów. Innym razem toczy na kole garncarskim. Pracuje też z formami. Do materiału dodaje (spalające się lub przeciwnie) dodatkowe składniki, jak papier, keramzyt, kawałki metalu czy szkło. Tak wpływa na tworzywo. Efekty są zjawiskowe. Jej ceramika porusza w odbiorcach wrażliwą strunę, zatrzymuje wzrok, jak przyroda, która jest dla artystki ogromną inspiracją. Prace Moniki są nagradzane, biorą udział w prestiżowych wystawach w Polsce i za granicą. Alicja Patanowska Zaczynała jako garncarka – zafascynowana materialnością gliny i ruchem koła. Czuła, że ten materiał – będący dosłownie częścią ziemi – pozwalał jej opowiadać o sprawach znacznie szerszych niż forma czy funkcja. Jej praktyka opiera się na szacunku do materiału i procesu twórczego. Pracuje w ciszy. Codziennie. Sama, choć coraz częściej potężna skala jej realizacji wymaga pracy zespołowej. Artystka poprzez kruchą materię opowiada o człowieku, jego relacjach z naturą, sztuką. Opowiada o niebezpiecznej władzy technologii i wadze ekologii. Przekazuje idee, które poruszają odbiorców z różnych stron świata. Ale Alicja nie myśli o swej pracy przez pryzmat dokonań, choć te są imponujące. Jej prace są nagradzane i doceniane w kraju i za granicą. Tylko we wrześniu jej instalacje pojawiły się w Londynie w V&A Museum oraz w Korei podczas Cheongju Biennale. W jej życiu zawodowym każdy projekt, rzeźba, wystawa płynnie przechodzą w kolejne realizacje. I to właśnie ciągłość, i bycie uważnym ma dla niej ogromne znaczenie. „To z uważności, nie z olśnienia pojawiają się pomysły”, mówi artystka. Niezwykle istotna jest dla niej troska. „Nadzieję dają mi ci, którzy traktują sztukę jako narzędzie oporu i troski”, dodaje. Marcin Kuberna W ciszy pandemii pojawiła się w jego życiu ceramika. Zafascynowała go, wręcz pochłonęła. „To było dla mnie tak naturalne, jakby zawsze we mnie istniało, tylko nigdy wcześniej nie miało przestrzeni, żeby się ujawnić”. Bez żadnej strategii, na własnych zasadach stworzył pracownię GRÔPK, której nazwa po kaszubsku oznacza „garnek”. A Marcin z Kaszub pochodzi, do czego jeszcze wrócimy. Szybko ukazał swój talent. Szybko przyszło uznanie z kraju i z zagranicy, a jego prace wzięły udział w kilku prestiżowych wystawach. To rzeczy minimalistyczne i zarazem rzeźbiarskie. Marcin tworzy je ręcznie, pracuje w technice wałka. Lubi ten proces, w którym ma jednocześnie kontrolę nad gliną i może pozwolić sobie na spontaniczne decyzje – wpłynąć na kształt, zmienić fakturę. W jego naczyniach widać wrażliwość twórcy i jego wyczucie, a także wpływ zainteresowań archeologią. Subtelne i jednocześnie niemal pierwotne w odbiorze naczynia Marcina zdają się istnieć niejako poza albo ponad czasem. Tak jak wyjątkowo bliski jego sercu projekt „Zemia”. Powstał jako hołd dla rodziców Marcina i Kaszub, gdzie wychował się twórca. To hołd dla ziemi w dosłownym i symbolicznym sensie, opowieść o korzeniach zamknięta w kruchym materiale. Osobista, szczera i poruszająca.
Białe ściany są już passé. Architekci radzą: ten kolor wynosi wnętrze na wyższy poziom
Koniec z białymi ścianami. Historia lubi zataczać koło i panujący przez lata kolor, jako świetna baza we wnętrzach, ustąpił miejsca beżom. Beżom, które kiedyś kojarzyły się wyłącznie z aranżacyjną nudą!
Te piękne tonacje, w nowej odsłonie, już na dobre goszczą w naszych mieszkaniach. Tak jak w przypadku szarości, są fantastycznym tłem do wykreowania niezwykle ciekawych przestrzeni przyjaznych do życia. O tym, jak stworzyć beżowe wnętrza radzą architektki z FUGA Architektura Wnętrz – Katarzyna Burak i Antonina Sadurska. W połączeniu z ciepłym kolorem drewna stworzą przytulną krainę łagodności. Z wyrazistymi dodatkami zbudują dynamiczną kompozycję, a z pastelami spotęgują harmonię. Jedno jest pewne: w towarzystwie beżów, czyli kolorów ciepła, każdy poczuje się przyjemnie i miło! Beżowy monochromatyzm Nawet jeśli beżowy we wnętrzach wykorzystywany jest solo, nie miejsca na nudę! Monochromatyczne beżowe aranżacje, dzięki różnym fakturom i materiałom, nigdy nie będą pozbawione wyrazu. Jak łączyć beż z… beżem? View Burdaffi on the source website Katarzyna Burak i Antonina Sadurska mają kilka pomysłów: po pierwsze: mieszanka wykończenia połysku i głębokiego matu – taka kombinacja sprawi, że wnętrze zrobi się ciekawsze. I tutaj można pomyśleć o takich zastosowaniach w płytkach w łazience – matowe płytki na podłodze, a na ścianie połysk w postaci drobnej mozaiki. Na kuchennym podwórku schemat działa jest podobny: blat matowy, a rękaw roboczy połyskujący. I voila: doskonały efekt gwarantowany! Kolejnym ważnym elementem we wnętrzu są tkaniny, które nie tylko działają akustycznie czy dodają komfortu. Beżowe bogactwo odcieni, splotów, gramatury pozwala na tworzenie wnętrza, które wzbogaca przestrzeń, powoduje, że chce się dotknąć faktury czy poznać jej miękkość. – podkreśla Katarzyna Burak Beżowe tynki strukturalne na ścianę Obecnie panuje silny trend na wykończenie ścian w tynkach strukturalnych, które proponują pełen wachlarz głównie odcieni beżów. Antonina Sadurska wyjaśnia, że mikrocement również przoduje w tym kolorze, a dodatkowo ciekawym rozwiązaniem są tapety o rysunku tkanin, które pięknie się prezentują w łagodnych barwach kawy z mlekiem czy Koloru Roku 2025: Mocha Mousse. View Burdaffi on the source website Beże kontra style wnętrzarskie Beże są ciekawym kolorem, jeśli chodzi o zastosowanie w kontekście stylów wnętrzarskich. W zasadzie w każdym kierunku stylistycznym znajdą dla siebie zastosowanie, dzięki temu, że tak dobrze współgrają z innymi kolorami. Beż króluje w estetyce boho, japandi, nurtach rustykalnym, modern classic czy klasycznym. Sprawdza się także w takich stylach jak hampton, vintage czy również w nieoczywistym loftowym kierunku, który jest dosyć zimny. Beżowy akcent złagodzi jego chłodny charakter. O czym pamiętać, gdy urządzasz beżowe wnętrza? Czy istnieją jakieś beżowe pułapki? Katarzyna Burak wyjaśnia, że nie jest to łatwy kolor, ponieważ, inaczej niż szarość, nie jest rozbieloną barwą czerni. Dodaje, że „to mieszanka różnych pigmentów. Znajdują się w nim żółcie, pomarańcze, brązy, czy też, jak w przypadku chłodniejszych odcieni beżu, domieszki fioletów czy szarości. To dlatego kluczem do sukcesu beżowego wnętrza jest praca na próbkach.” Dwa różne kolory beżu mogą na siebie oddziaływać z niepożądanym efektem. To oznacza, że jeden dominujący wariant może negatywnie wpłynąć na odbiór drugiego. Dlatego też przed wyborem odpowiedniej tonacji, najlepiej sprawdzić ją w docelowych płaszczyznach, przy różnym oświetleniu. W ten sposób uda się uniknąć kosztownych pomyłek. – radzi architektka Antonina Sadurska. View Burdaffi on the source website
Wystawa „Regeneracja” w Domu Noti. Design jako przestrzeń dialogu
Wystawa „Regeneracja” zorganizowana w Domu Noti została zainspirowana prezentacją designu, która odbyła się w budynkach Rady Unii Europejskiej i Parlamentu Europejskiego w Brukseli oraz w Parlamencie Europejskim w Strasburgu.
Wydarzenia te zorganizowane zostały przez Instytut Adama Mickiewicza w ramach zagranicznego programu kulturalnego polskiej Prezydencji w Radzie Unii Europejskiej finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego. „Regeneracja”, będąca częścią pierwotnej ekspozycji, będzie dostępna dla odwiedzających w Domu Noti do końca listopada. „Regeneracja” w Domu Noti Prezentowana za granicą „Regeneracja” stanowiła twórczy głos Polski w dialogu europejskim. Kuratorką oraz autorką hasła „Regeneracja” jest Aleksandra Kędziorek, zaś za projekt aranżacji odpowiadała architektka wnętrz Katarzyna Baumiller. Będąca częścią pierwotnej ekspozycji wystawa zaprezentowana jest w warszawskim Domu Noti, gdzie polski design zawsze pozostaje w centrum spotkań, prezentacji i dyskusji. Zorganizowanie tutaj wystawy pozwoliło przenieść ekspozycję ze Strasburga, uzupełnioną o obiekty twórców obecnych na wystawie w Brukseli. - Co ciekawe, układ pomieszczeń w Domu Noti na warszawskiej Sadybie okazał się niemal identyczny jak w siedzibie Europarlamentu. Dzięki temu aranżacja przestrzeni konferencyjnej i przylegającego do niej minisalonu mogła zostać wiernie przeniesiona do tej lokalizacji. Efektem jest wyjątkowa instalacja, zapraszająca do refleksji nad rolą designu we współczesnym świecie – komentuje Katarzyna Baumiller, kuratorka wystawy w Domu Noti Artyści i projektanci Wśród artystów i projektantów wystawy znaleźli się: AS Ćmielów / Fabryka Porcelany, BAAURA, Bimer light, BY HUMANS SPACE, DERIVE, FORMATE, Maciej Gąsienica Giewont, Gwiazda Studio, Malwina Konopacka, Piotr Kuchciński, Lines and Lines, MOST, Motyw Print, Mozi Studio, Pani Jurek, Alicja Patanowska, Monika Patuszyńska, Pawlak&Stawarski, Mati Sipora, Filomena Smoła, Speculo Studio, Magdalena Szmydtke, Arkadiusz Szwed, The Good Living & Co., Totem Studio, UAU Project, Paweł Zajiczek, Wanda Zawidzka-Manteuffel, Aleksandra Zawistowska. Wystawa jest otwarta od 11 września do 30 listopada br., od poniedziałku do piątku w godzinach 10:00–18:00.
O drewnie, które staje się sztuką. Kolejna odsłona cyklu "Mistrzowie materii" w ELLE Decoration
Nie ma dwóch identycznych drzew i nie ma dwóch takich samych kawałków drewna. Nie ma też dwóch artystów rzemieślników tak samo pracujących z tym materiałem.
W kolejnej odsłonie naszego jubileuszowego cyklu „Mistrzowie materii” prezentujemy pięcioro różnych twórców. Łączy ich talent i pasja. Do drewna podchodzą z wielką miłością i tworzą z niego wyjątkowe rzeczy CYRYL ZAKRZEWSKI Pierwsze krzesło, które stworzył, wciąż jest mu szczególnie bliskie. Model Dune, o którym mowa, powstał w trakcie współpracy Cyryla Zakrzewskiego z fundacją Nowy Model w technice, której twórca używa do dziś. Skleja ze sobą odpowiednio wycięte warstwy drewna i sklejki, a później rzeźbi. I nie ma tu zaskoczenia, jeśli się wie, że Zakrzewski studiował rzeźbę. Drewno zawsze go fascynowało jako materiał naturalny, a jednocześnie stwarzający ogromne możliwości nadawania mu wyjątkowych kształtów. Formy, które tworzy, łączą dizajn, naturę i sztukę. W niezwykły sposób wydają się splatać nawiązania do przeszłości i wyobrażenia przyszłości z inspiracjami fantastycznych kształtów, jakie można napotkać w przyrodzie. Zanim jednak powstaną te biomorficzne, kunsztowne meble i przedmioty, Cyryl Zakrzewski rysuje starannie swoje pomysły. Jego idee materializują się po wielu dniach intensywnej pracy z materiałem. Stale rozwija się i doskonali warsztat, w każdym nowym projekcie osiągając kolejny poziom mistrzostwa. Jego talent i kunszt zostały docenione w kraju i za granicą. Można je znależć w słynnej galerii Rossany Orlandi. AGNIESZKA ŚNIADEWICZ-ŚWICA Tato Agnieszki pracował jako snycerz przy rekonstrukcji Zamku Królewskiego. Później rodzice założyli pracownię konserwatorską, której tradycje dziś kontynuuje Agnieszka. Oprócz konserwacji cennych mebli i dzieł sztuki Square Drop współpracuje z projektantami i pomaga im zrealizować pomysły wymagające kunsztownego rzemiosła. Manufaktura tworzy też własne, oryginalne projekty w duchu idei „Future Antiques”. Splatają się w nich współczesne trendy ze świata dizajnu z najznakomitszymi tradycjami rzemiosła artystycznego. To rzeczy o niepowtarzalnych, niebanalnych formach, wykonane tak misternie, że nie ma wątpliwości, iż przetrwają długie dziesięciolecia. Goszczą na wystawach i targach w Polsce i za granicą, czasem nie wracając już z cudzoziemskich wojaży. Ławka Minimal Empire autorstwa Agnieszki prezentowana podczas paryskich targów Maison&Objet trafiła do apartamentu nieopodal katedry Notre-Dame, meble z kolekcji Oddity do Londynu i Nowego Jorku. Warto też dodać, że prestiżowy przewodnik Homo Faber Guide, poleca Square Drop, a my mu wtórujemy! TOM BENSARI Gdy jego dzieci były małe, zaczął tworzyć dla nich meble i zabawki z drewna. Jego kariera zawodowa rozwijała się świetnie (pracował jako CEO w dużych firmach), ale najpierw hobbystycznie, a jednak bardzo sumiennie i metodycznie, zaczął zgłębiać tajniki stolarstwa. Zapragnął tworzyć finezyjne, eleganckie meble wymagające rzemiosła niezwykle wysokiej jakości. Pomysł na markę i manufakturę Bensari Ébénistes zrodził się naturalnie. Każdy obiekt o eleganckich proporcjach, który opuszcza pracownię, jest niczym hołd złożony kunsztownemu rzemiosłu i materiałom – wielka miłość do drewna jest tu widoczna i w ogóle, i w szczególe. „Dostrzegam melancholijną naturę drewna” – mówi Tom Bensari. Meble z manufaktury trafiają do różnych zakątków świata także dzięki temu, że Bensari Ébénistes jest reprezentowane przez prestiżową galerię StudioTwentySeven. Sukces dodał Tomowi skrzydeł. Jego plany zaczęły wykraczać poza tworzenie wyjątkowych mebli. Tom powołał bowiem do życia Bensari Workshop, aby szkolić w mistrzowskim rzemiośle, które jest fundamentem istnienia jego manufaktury. A to dopiero początek, bo w planach jest także założenie pierwszej w Polsce profesjonalnej szkoły Designer-Maker o profilu stolarskim. ALEKSANDER ONISZH Jego przygoda z drewnem zaczęła się kilkanaście lat temu od stworzenia prostej szafy na potrzeby scenografii teatralnej. Studiował architekturę, ale wtedy w teatrze zrozumiał, że praca z drewnem, przy projektach o skali, jaką mają meble, a nie budynki, daje mu więcej satysfakcji. Dziś tworzy autorskie meble. Działa organicznie – z impulsów, intuicji, obserwacji i refleksji rodzą się pomysły. Rysuje je szybko, ale czasem odkłada na dłużej, by dojrzały. Pracuje w technice, którą ktoś nazwał „szkicowaniem w drewnie”. W istocie jego praca – na wielu etapach czasochłonna i wymagająca – bliższa jest rzeźbieniu. Najpierw starannie buduje z desek bryłę, a później, używając piły taśmowej, odejmuje zeń tyle, ile trzeba. Z tego spotkania człowieka z maszyną – z rozumienia przez twórcę jej tempa, mocy, nacisku, drgań – powstają rzeczy niepowtarzalne. Nawiązują subtelnie do przeszłości, ale są realizowane w sposób nowoczesny i z nowatorskim zacięciem. Z większej odległości sylwetki mebli Olka Oniszha wydają się proste, niemal pierwotne. Te pozory znikają przy bliższym spotkaniu i dotknięciu. Przyciągają fakturą, ukazują zamknięte w nich liczne idee i odkrywają wielki kunszt, uważność i wrażliwość autora na każdy detal. MACIEJ GĄSIENICA-GIEWONT Pochodzi z Zakopanego, w jego rodzinie tradycje stolarskie sięgają kilku pokoleń. On też wybrał drewno, ale obrał inną drogę. Pragnął mieć własną pracownię i wpływ na cały proces twórczy. Miał 18 lat, gdy obejrzał katalog wystawy amerykańskich tokarzy, i wiedział już, że tą ścieżką chce podążać. Ale w Polsce nie było nikogo, kto robiłby to, co go zafascynowało, w sposób, na jakim mu zależało. Uczył się sam, swój warsztat szlifował eksperymentując i tak dochodził do najlepszych rozwiązań. Pracuje na tokarce i używa ręcznych narzędzi. Do fascynujących wizualnie efektów, które Maciej Gąsienica-Giewont osiąga w swych pracach, prowadzi długa droga. Najwięcej czasu zajmuje wytaczanie środka i nacinanie cienkich rowków. Za najprzyjemniejszy moment twórca uważa ten, w którym nadaje drewnu kształt. Od 15 lat mieszka i tworzy w Warszawie. Od 30 jest wierny obranej drodze. Praca jest jego wielką pasją, a natura największą inspiracją. Oddaje jej część praw autorskich, nazywając współautorką. „To kawałek drewna podpowiada mi, jaka będzie ostateczna forma” – mówi Maciej Gąsienica-Giewont. O tym, że rozumie podszepty natury, świadczą misterne, oryginalne i fascynujące formy, które tworzy.
25 lat i Wielka 25-tka. Poznaj nominowanych w plebiscycie z okazji jubileuszu ELLE Decoration
Od 25 lat razem z nimi odkrywamy siłę, znaczenie i potencjał polskiego wzornictwa. Dlatego z dumą prezentujemy 25 projektantów i studiów projektowych, których praca i wizje ukształtowały krajobraz rodzimego designu.
Z okazji naszego jubileuszu ogłaszamy plebiscyt na Projektanta 25-lecia ELLE Decoration – wyjątkowe wyróżnienie dla twórców, którzy w ciągu ostatniego ćwierćwiecza mieli realny wpływ na rozwój polskiego designu i nadali mu międzynarodowy wymiar. Każdy z nominowanych twórców mówi własnym językiem formy, myślenia i wyobraźni. Inspiruje kolejne pokolenia i łączy piękno z funkcją. Do 16 listopada możecie oddawać głosy na swojego kandydata - do czego Was gorąco zachęcamy. Jan Ankiersztajn Jan Ankiersztajn, projektant, rzeźbiarz, który przyciągnął światową uwagę dzięki swojemu surowemu, minimalistycznemu podejściu do aluminium i niezwykle manualnemu warsztatowi. Surowe, ręcznie formowane meble i obiekty tworzone są jego autorską techniką, łącząc brutalizm z czułością na dźwięk i detal. Jego kolekcje pokazywano w Mediolanie w galerii Rossana Orlandi, a wystawa Body of Work w Galerii Objekt utwierdziła go jako twórcę balansującego między dizajnem a rzeźbą. Skupia się na własnej pracy, unikając związków z wielkimi koncernami, choć zdarzyło mu się projektować dla firmy Electrolux. Obecnie działa niezależnie w Poznaniu, tworząc limitowane serie kolekcjonerskie. Tomasz Augustyniak Tomasz Augustyniak, jeden z najważniejszych polskich projektantów wzornictwa przemysłowego, od ponad dwóch dekad współpracujący z markami takimi jak Noti, Profim, Marbet Style czy Balma. Tworzy meble do domu, biur i przestrzeni publicznych, łącząc estetykę z funkcjonalnością – jego projekty trafiły m.in. do stałej ekspozycji Galerii Wzornictwa Polskiego w Muzeum Narodowym w Warszawie. Jako założyciel Tomasz Augustyniak Studio, znany jest z kompleksowego podejścia do projektowania, od pojedynczych mebli po całe kolekcje i strategie marek – a jego doświadczenie czyni go jedną z najbardziej wpływowych postaci współczesnego polskiego dizajnu. Marek Cecuła Marek Cecuła to mistrz ceramiki, który potrafi sprawić, że codzienność nabiera artystycznego smaku, który łączy ceramiczną sztukę z codzienną elegancją. Jego projekty nie są tylko piękną zastawą — to emocje i opowieści zaklęte w porcelanie. Jego kolekcje, takie jak geometryczny Qubus, dynamiczny zestaw Ergo czy elegancka seria Touch of Blue dla Ćmielów Dizajn Studio, pokazują, że codzienne przedmioty mogą mieć rzeźbiarski charakter i głębię. Projektował dla DESA Home i Modus Dizajn, a świat docenił za harmonijne połączenie użytkowej porcelany ze sztuką, pełne konceptualnego ładunku i refleksji nad pamięcią kulturową i formą przedmiotu użytkowego oraz umiejętność dodania sztuce użytkowej prawdziwego charakteru. Maja Ganszyniec Maja Ganszyniec, najbardziej utytułowana polska projektantka, założycielka Studio Ganszyniec, która od 2020 pełni też funkcję dyrektorki kreatywnej producenta Profim. Kieruje się zasadą „do no harm”, tworzy meble i akcesoria przyjazne zarówno użytkownikom, jak i środowisku naturalnemu. Zasłynęła wieloma kultowymi projektami, m.in. modułową kolekcją SONA, ekologicznym krzesłem Normo, ceramicznymi stołami Oka, czy realizacjami dla IKEA. Z jej portfolio pochodzi także ceramiczna kolekcja Modernizm, która łączy rzeźbiarską formę z cyrkularnymi rozwiązaniami. Współpracuje z takimi markami jak Duka, Comforty, Noti, Paradyż, a także prowadzi własną markę Nurt. Paweł Grobelny Paweł Grobelny, projektant, który zamienia miejskie przestrzenie w miejsca odpoczynku, spotkań i dobrego nastroju. Jego realizacje takie jak skwer na Chwaliszewie w Poznaniu, panoramiczna promenada nad Jeziorem Słupeckim, czy miejskie platformy w paryskiej La Défense zdobywają międzynarodowe nagrody i uznanie za subtelność, funkcjonalność i wyjątkowe wyczucie kontekstu. Współpracował z wieloma firmami m.in. z Balmą i Noti, a jego znakiem rozpoznawczym jest minimalistyczna forma, która nie dominuje, lecz zaprasza do odpoczynku, refleksji oraz bycia tu i teraz. Grobelny projektuje przestrzeń miejską jak dobrą scenografię do życia. Nie jest nachalnie nowoczesny, nie rzuca się w oczy, ale sprawia, że miejskie chwile wśród natury smakują lepiej. Marta Niemywska Grynasz i Dawid Grynasz/Grynasz Studio Marta Niemywska-Grynasz i Dawid Grynasz to założyciele multidyscyplinarnego Grynasz Studio. Ten duet łączy produktowe wzornictwo, scenografię i instalacje miejskie. Znani z realizacji m.in.: modułowego zestawu Modulor, interaktywnego Sieciiska czy praktycznego mebla‑zabawki Ssstolik. Ich realizacje często wykorzystują naturalne lub materiały z recyklingu i trafiają do przestrzeni publicznych, festiwali oraz wystaw. Studio współpracuje z markami i instytucjami takimi, jak Kaspa, Bizzarto, Instytut Wzornictwa Przemysłowego, Narodowy Instytut Audiowizualny, Polska Akcja Humanitarna oraz Wrocław Dizajn Festival, co sprawia, że ich projekty funkcjonują na pograniczu dizajnu, architektury i społecznej interwencji. Szymon Hanczar Szymon Hanczar, mistrz prostoty, który udowadnia, że mniej naprawdę znaczy więcej. Jego lekkie, funkcjonalne i minimalne projekty idealnie wpisują się w styl życia oparty na harmonii i wygodzie. Tworzy proste, acz sprytne i pełne wdzięku przedmioty, w których każdy detal ma swoją funkcję i cel. Współpracuje z markami takimi jak take me HOME (krzesła Honza), Barlinek czy Geberit, a jego wnętrza – od slow mieszkań po nowoczesne przychodnie – zawsze łączą estetykę z codziennym komfortem. Hańczar potrafi z pozornie zwyczajnych elementów stworzyć przestrzenie, w których po prostu dobrze się żyje w codziennym komforcie bez zbędnego przepychu. Jadwiga Husarska-Sobina Jadwiga Husarska-Sobina, projektantka i założycielka krakowskiego studia Husarska Dizajn, znana łączenia nowoczesnego wzornictwa z odpowiedzialnością środowiskową. Do jej najważniejszych projektów należą krzesło ALDO, lekkie, gięte z jednego kawałka drewna i prezentowane w Mediolanie, kolekcja dziecięcych mebli Hoppa oraz eksperymentalny materiał ze słomy konopnej, który ma szansę zastąpić drewno w produkcji. Świat dostrzegł w jej pracy odwagę innowacji i realne zaangażowanie w zrównoważony rozwój. Współpracuje z polskimi markami takimi jak Paged Meble, Bellamy, Nowy Styl, Sanswiss czy EgzoTech. Projektuje rzeczy ładne, funkcjonalne i przyszłościowe, z myślą o tym, jak naprawdę żyjemy. Maria Jeglińska-Adamczewska Urodzona we Francji Maria Jeglińska-Adamczewska to kolejna ważna postać polskiego dizajnu. Dziś pracuje w Warszawie, tworząc projekty, które łączą rzemieślniczą precyzję z lekką, graficzną ekspresją. Jej najważniejsze realizacje to kolekcja porcelany Nathalie & George, mobilny zestaw donic i siedzisk The Portable Landscape oraz stół Circles i siedzisko Goodie. Świat docenił jej wyczucie formy i materiału oraz połączenie skandynawskiej prostoty z emocją rysunku. Jeglińską wyróżnia subtelność, dbałość o materiały i wyraziste wzornictwo pozbawione zbędnego ornamentu. W Polsce współpracuje z markami Kristoff i MDD, dla których stworzyła porcelanowe i miejskie kolekcje – zawsze dopracowane w detalu, a przy tym pełne lekkości i charakteru. Kabo & Pydo Studio KABO & PYDO to duet Katarzyny Borkowskiej i Tomasza Pydo, który za cel postawił sobie rozwiązywanie codziennych niedogodności z kreatywną lekkością. Projektują ceramikę (kubki Twiggy, Modern, Woody, Flux dla AVANT), funkcjonalne doniczki OXY dla Opeko, narzędzia ogrodnicze dla Cellfast i eleganckie meble we współpracy z Nobonobo/Miloni – wszystko zawsze z myślą o tym, żeby było pięknie i praktycznie. Ich projekty charakteryzują się minimalistyczną formą, innowacyjną ergonomią (np. kabel-regulator lampy Owijka czy modułowe naczynia i talerze jak puzzle) oraz ogromną dbałością o detale. Swoimi projektami Studio KABO & PYDO starają się trafić w sedno potrzeb użytkownika, promując jednocześnie harmonię i prostotę w życiu. Jan Kochański Jan Kochański to polski projektant, którego pasja do projektowania sięga dzieciństwa spędzonego w pracowni ojca rzeźbiarza i matki architektki. Absolwent ASP w Warszawie i Politecnico di Milano, ma także za sobą doświadczenia w pracowni Karima Rashida. W swoich realizacjach łączy matematyczną precyzję z elegancką prostotą form. Jego projekty to m.in. innowacyjna szczotka i szufelka, kolekcji szkła Primitivo dla Krosno D’sign, czy systema modułowych sof i stolików dla Comforty. Współpracuje z takimi polskimi markami jak Comforty, BanQ, Krosno D’Sign i Menu, tworząc przedmioty codziennego użytku, które zachwycają funkcjonalnością, estetyką i świadomością materiału. Malwina Konopacka Malwina Konopacka, warszawska projektantka i ilustratorka , która stworzyła kultową ceramiczną kolekcję OKO, czyli ręcznie malowane wazony, które balansują pomiędzy sztuką a dizajnem. Do jej najważniejszych projektów należą inspirowane roślinnością serie oraz rzeźbiarskie formy jak instalacja Fontanna, czy totemiczne wazony z kolekcji POP, stanowiące pomost między użytkowym wzornictwem a sztuką. Jej prace wyróżnia ilustracyjna lekkość, wyrazisty kolor i autorski styl, który zamienia użytkowe naczynia w artystyczne manifesty. Malwina współpracuje z polskimi markami i instytucjami, takimi jak Porcelanowa, MAMSAM, Slavia Kolektiv, Puro Hotels, a także tworzy autorskie limitowane kolekcje i instalacje we współpracy z instytucjami kultury i markami premium. Zawsze projektuje z humorem, lekkością i charakterem, nadając przedmiotom codziennego użytku artystyczny impuls. Krystian Kowalski Krystian Kowalski to uznany polski projektant produktów, wykształcony w Royal College of Art i na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dziś prowadzi własną pracownię Krystian Kowalski Industrial Dizajn. Znany przede wszystkim z organicznych, rzeźbiarskich foteli takich jak Woo dla IWC Home czy Loop dla Bizzarto, które wyróżnione były prestiżową nagrodą Red Dot w 2025 roku. Współpracuje z polskimi i zagranicznymi markami, takimi jak Noti (Prism, Nordic), Comforty (Anvil), MDD (Grace, Fat Frank), Tylko (Type 02) tworząc przemyślane kolekcje łączące estetykę, komfort i innowacyjne technologie. Dorota Koziara Dorota Koziara to projektantka i kuratorka, która swoją karierę rozpoczęła od stażu u legendy włoskiego dizajnu, Alessandro Mendiniego. Z jego atelier czerpała inspiracje przez blisko dekadę, zanim założyła własne studio w Mediolanie. Najbardziej znana jest z realizacji takich projektów jak instalacja „12 Angeli”, świeczniki Wind of Salento (zamówione przez Diora), oraz stylowe wnętrza dla marek Alessi, Swatch, Bisazza i Comforty. W Polsce współpracowała m.in. z Grupą Tubądzin (kolekcja „Kolory Polski”, Cielo e Terra), Manufakturą w Bolesławcu i marką Comforty, a także z Tatuum, kiedy połączyła ludowe inspiracje z nowoczesnym minimalizmem w kolekcji NeoFolk. Piotr Kuchciński Piotr Kuchciński, wybitny polski projektant o architektonicznym wykształceniu, znany przede wszystkim z mebli-kameleonów, które dopasowują się do różnych wnętrz, zachowując przy tym czystą, geometryczną formę i uniwersalny charakter. Współpracuje od lat z czołowymi markami takimi jak NOTI (kolekcje Clapp, Trefle, Manta, Rotor), VOX (4 YOU) i Balma (H2), zbierając prestiżowe nagrody, na przykład tytuł Dizajnera Roku 2012 przyznany przez Instytut Wzornictwa Przemysłowego. Jego projekty wyróżniają się nowatorską funkcjonalnością i ponadczasowym minimalizmem, to użytkowe wzornictwo, które idealnie wpasowuje się w nowoczesny styl życia. Robert Majkut Robert Majkut to jeden z najbardziej wyrazistych polskich twórców, którego styl można rozpozbać po zmysłowych formach, odważnym stosowaniu barw i typowym futurystycznym sznycie. Projektował dla Alior Banku, Moliera 2 czy Tonsilu, tworząc przestrzenie, które łączą technologiczne rozwiązania z organicznymi formami, przez co jego projekty są żywe i zmysłowe, pełne dramaturgii, co wywołuje zaskakujące emocje, ale zawsze z myślą o komforcie i emocjach użytkownika. W jego dorobku są zarówno spektakularne wnętrza Multikina w Złotych Tarasach, jak i luksusowa rezydencja Oasis House, każdy z tych projektów pokazuje, że wnętrza mogą być jednocześnie funkcjonalne, odważne i po prostu piękne. Alicja Patanowska Alicja Patanowska to wrocławska artystka ceramiczka, garncarka i projektantka, która łączy tradycyjne rzemiosło z ekologicznym podejściem do tworzenia. Najbardziej znana jest z instalacji Plantacja, która powstała z zebranego z ulicy szkła, które wykorzystała jako naczynia do hydroponicznej uprawy roślin i skłania do refleksji nad nadmierną konsumpcją i dystrybucją zasobów. Warto też wspomnieć o kolekcji Stratum, łączącej ręcznie formowane szkło i porcelanę, czy cyklu Infinity, z abstrakcyjnymi formami powstałymi na kole garncarskim. Jej prace wielokrotnie zdobywały nagrody (Must Have, Mazda Dizajn Award) oraz trafiały do takich kolekcji placówek takich jak Muzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Regionalne w Stalowej Woli oraz w kolekcji sztuki Hotelu Europejskiego w Warszawie. Jest pierwszą Polką, której instalacja trafiła do Victoria and Albert Museum („The Ripple Effect” z 2025 roku). W ramach London Design Festival. Pawlak & Stawarski Studio Pawlak & Stawarski to dynamiczne, poznańskie duo projektantów, Bartłomieja Pawlaka i Łukasza Stawarskiego, które łączy artystyczną wrażliwość z funkcjonalnym, ponadczasowym podejściem do wzornictwa, z lekkością tworząc eleganckie projekty w nowoczesnym wydaniu. Ich krzesła Arch dla Fameg zachwyciły precyzją i miękką geometrią, ceramika Otok dla Bolesławca wniosła świeżość do tradycji, a modułowa lampa Star dla Eugenius to ukłon w stronę elastycznego dizajnu biurowego. Projektowali m.in. dla Fameg, Noti, Omnires i Zakładów Ceramicznych „Bolesławiec”, a wyróżnia ich dbałość o detal i umiejętność nadawania codziennym przedmiotom wyjątkowego nastroju. Marcin Rusak Marcin Rusak, projektant, który z lekkością i subtelnością wprowadza naturę do sztuki użytkowej. Jego flagowa seria Flora to meble, lampy i komody z żywicy, w której zatapia spęczniałe kwiaty. Jego prace to gotowa koncepcja zmienności natury i upływu czasu, która w efekcie przypomina holenderskie pejzaże kwiatowe, ale opowiedziane współczesnym językiem. Autorska technika przyniosła Rusakowi międzynarodowe uznanie, a w 2022 roku został pierwszym Polakiem wyróżnionym prestiżową nagrodą EDIDA jako Young Dizajn Talent of the Year przyznane przez redakcje całego Elle Decoration świata. Dziś współpracuje z Carpenters Workshop Gallery, tworząc projekty, które są jednocześnie piękne, nostalgiczne i pełne refleksji nad naturą i przemijaniem. Tomek Rygalik Tomek Rygalik to jeden z najbardziej rozpoznawalnych polskich projektantów – znany z realizacji, które są funkcjonalne, racjonalne i ponadczasowe. Współpracuje z takimi markami jak Comforty, Noti czy Paged, a jego projekty, przykładowo kultowe siedzisko Circula czy meble dla marki LOOPE wykonane z materiałów z recyklingu, podbijają nie tylko polską scenę, ale i międzynarodowe gusta. Rygalik, twórca Studio Rygalik oraz wykładowca, aktywnie współtworzy współczesną scenę polskiego dizajnu. Magdalena Hubka, Piotr Grzybowski / Swallow’s Tail Marka Swallow’s Tail Furniture została założona przez dwoje projektantów związanych z Wrocławską Akademią Sztuk Pięknych: Magdalenę Hubkę, absolwentkę wydziału Grafiki artystycznej i Piotra Grzybowskiego, który ukończył Architekturę wnętrz. Choć projektowaniem mebli zajmują się już od 1999 roku, to dopiero w 2012 roku rozpoczęli budowę własnego studia i manufaktury. Ich działalność łączy rzemiosło z projektowaniem — stawiają na wysoką jakość wykonania, autorskie wzornictwo oraz szlachetne materiały, tworząc meble o wyrazistym, ale ponadczasowym charakterze. Atutem studia atutem jest fakt, iż sami tworzą kolekcją i je produkują. Są odpowiedzialni za cały proces – od projektu po finalny wyrób, dzięki czemu sygnowane Swallow’s Tail Furniture produkty cechuje wysoka jakość, solidne wykonanie i dopracowane wzornictwo. Nikodem Szpunar Nikodem Szpunar to jeden z najciekawszych projektantów młodego pokolenia w Polsce. Poprzez odważne eksperymenty łączy lekką, minimalistyczną estetykę z praktyczną wielofunkcyjnością. Ma w sobie wrażliwość artysty, ale z funkcjonalnym podejściem do przedmiotów codziennego użytku. Tworzy dla marek takich jak Paged, Noti, Befame, Tylko czy Balagan, a jego projekty takie jak krzesła ICHO, kolekcja PROP czy lampa Mosquito zaskakują lekkością formy i dbałością o detal. Szpunar wyróżnia się umiejętnością balansowania pomiędzy wzornictwem użytkowym a konceptualnym, wyczuciem materiału i współczesnej estetyki. Tabanda Tabanda to gdańskie trio projektantów – Małgorzata Malinowska, Filip Ludka i Tomek Kempa – którzy z pasją łączą architektoniczne podejście z dziecięcą radością formy. Z zamiłowaniem do sklejki, stali i prostych form tworzą meble lekkie, pełne radości i charakteru. Ich krzesło Diago, inspirowane origami oraz modułowa półka Dynks pokazywane były na DMY Berlin i Milan Dizajn Week, zdobywając uznanie za funkcjonalność i świeże spojrzenie na dizajn. Projektowali dla Noti, VOX i LIKO-S, a wyróżnia ich swobodny, organiczny styl z nutą zabawy, lokalnym sznytem i dużą dawką sympatii do naturalnych materiałów. Każdy ich projekt kryje nutę organiczności: zakręt w formie, ukryty detal roślinny czy niebanalny kolor, jakby natura pukała do drzwi dizajnu. Oskar Zięta Samozwańczy projektant procesów i kowal własnego losu. Zięta to wizjoner i wynalazca, który całkowicie zmienił podejście do metalu. Jego autorska technologia FiDU, czyli formowanie stali pod wysokim ciśnieniem, jak sam mówi, narodziła się… z błędu produkcyjnego. Pozwala ona tworzyć formy, które są jednocześnie meblem, rzeźbą i… ikoną wzornictwa. Kultowy Plopp, pozornie lekki niczym balon, trwały jest jak stal. To on dał początek całej serii bestsellerów: od wersji mini do oryginalnego mebla, porzez ultralekkie krzesło Superlegger, po lustrzane „pączki z dziurą”, czyli efektowne Rondo. Zięta z finezją łączy świat sztuki, dizajnu i inżynierii, udowadniając, że metal może być zaskakująco lekki, funkcjonalny i pełen poezji formy. Aleksandra Żeromska Aleksandra Żeromska to polska projektantka i założycielka Studio w Walencji, znana z mistrzowskiego łączenia sztuki i dizajnu przez pryzmat emocji, marzeń i słowiańskich korzeni. Jej najbardziej rozpoznawalnym dziełem jest ceramiczny serwis Kawki dla hiszpańskiej marki Lladró; filiżanki, dzbanek i cukiernica w formie ptaków, które angażują wszystkie pięć zmysłów i tworzą baśniowy rytuał picia kawy. Wielkim sukcesem Żeromskiej była także kolekcja The Forest Spirits dla włoskiej marki Bosa: pełne uroku ceramiczne duchy lasu, które żyją w świecie folkloru i magii natury. Polka współpracuje z takimi markami jak Kaflarnia Karny, a dla marki Królik, gdzie pełni funkcję dyrektora kreatywnego. Jej prace znalazły się w międzynarodowych wystawach i prestiżowej liście AD100.
To już kolejna piątka w cyklu „25 na 25-lecie”. Tym razem przedstawiamy mistrzów metalu!
Metale są silnie przywiązane do swej formy i nie poddają się bez walki. Oni jednak nadają im niespotykane kształty – subtelne, rzeźbiarskie, bliskie naturze albo geometryczne i rytmiczne.
To kolejna już odsłona naszego jubileuszowego cyklu “25 na 25-lecie ELLE Decoration”, w której przedstawiamy utalentowanych twórców. Tym razem tych, którzy swoje sukcesy wykuwają w metalu. OSKAR ZIĘTA Jego sukcesu nie byłoby, gdyby nie błąd. On w błędzie dostrzegł potencjał. Tak powstała nowatorska i autorska technologia FIDU. To skrót od niemieckich słów oznaczających swobodne odkształcanie ciśnieniem wewnętrznym. Odpowiedź materiału, przez wielu specjalistów uważana za błąd produkcyjny, stała się fundamentem nowych kierunków rozwoju inżynierii. Zięta w nowej technologii FIDU stworzył stołek Plopp. Lekki, rzeźbiarski obiekt nie przypominał niczego, co dotąd powstało. Projekt przykuł uwagę świata wzornictwa i rozsławił swojego autora. Od premiery Ploppa minęło 17 lat, a w tym czasie Oskar Zięta stał się gwiazdą. Nie zatracił świeżości spojrzenia, a jednocześnie dysponuje dziś ogromną wiedzą i doświadczeniem. Z wielką swobodą splata światy: sztuki, dizajnu i inżynierii. Jest twórcą licznych mebli, lamp, rzeźb i instalacji. Jest autorem jednego z najlżejszych krzeseł na Ziemi – modelu Superleggera i wizualnie lekkich, a jednak gigantycznych „pączków” z dziurką – Rondo, które podbiły świat luksusowych wnętrz. Wydaje się, że wszystko przychodzi mu z lekkością. Jest bez wątpienia utalentowany, ale swój sukces wykuł w metalu tytaniczną pracą. Jest, o czym często wspomina, kowalem własnego losu. Z metalowych metafor nadalibyśmy mu jeszcze przydomek „złotousty”. Od lat z niesłabnącą pasją opowiada o swoich projektach. JAN GARNCAREK Jest absolwentem warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, studiował także na mediolańskiej politechnice. Pracował dla Towarzystwa Projektowego, a w 2017 roku otworzył własną pracownię. Dziś jego studio DyeHause mieści się w postindustrialnej przestrzeni byłej żyrardowskiej farbiarni tkanin. To właśnie tu powstają niezwykłe projekty, w których można odnaleźć dyskretne nawiązania do art déco, ale i niemal kosmiczne, futurystyczne formy. To przedmioty subtelne, a jednocześnie wyraźnie zaznaczające swą obecność w przestrzeni – rzeczy niczym rzeźby. Projektanta fascynują japońskie ogrody, dzieła Anselma Kiefera i Anisha Kapoora. W pracach Eweliny Mąkosy docenia jej postrzeganie relacji między człowiekiem a obiektem. Projektant przyznaje, że w swojej twórczości czerpie także z pasji do strzelectwa sportowego. Ta dyscyplina, tak jak i praca z metalem, wymaga ogromnej precyzji. Metal oznacza dla niego trwałość i jakość. To przekonanie wyniósł z rodzinnego domu, w którym metalowe przedmioty były synonimem luksusu i solidnego rzemiosła. On sam szczególnie ceni mosiądz, a my doceniamy nie tylko mosiężne, ale wszystkie jego projekty. JAN ANKIERSZTAJN Studiował na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu oraz na Design Academy Eindhoven. To tam wybrał metal i pozostaje mu wierny. Formy, które tworzy z aluminium, zachwycają rozmachem, ale i subtelną fakturą. Projektant do mistrzostwa doprowadził swój warsztat i technikę. Długo gromadził narzędzia, eksperymentował, zgłębiając różne techniki. Dziś używa szerokiego instrumentarium i autorskich metod. Młotkuje, kurczy i rozciąga aluminium. Perfekcyjnie opanował technikę spawania arkuszy tego metalu. Czyni – stawiający przecież opór – materiał plastycznym. „Moje projekty wydają się proste, ale stoi za nimi rozbudowany proces technologiczny, wymagający umiejętności. Doskonalenie techniki to jest moja główna inspiracja do działania” – powiedział w jednym z wywiadów. Jego aluminiowe obiekty są masywne, lecz zarazem mają pewną łagodność i wizualną miękkość. Są bez wątpienia efektowne, choć nigdy nie efekciarskie. Wszystkie spełniają swe funkcje, a w przestrzeni wyglądają niczym rzeźby. Meble i przedmioty jego autorstwa brały udział w prestiżowych wystawach w kraju i za granicą. Można je znaleźć w słynnej mediolańskiej galerii Rossany Orlandi i warszawskiej Objekt. MATI SIPIORA Z metalem zna się dobrze od dzieciństwa. Spędził mnóstwo czasu w zakładzie wyrobów metalowych swojego taty. Po studiach z projektowania zaczął łączyć tradycyjne rzemiosło z nowoczesnym myśleniem projektowym. Okazało się, że potrafi z metalu wykreować świetne meble, lampy i praktyczne drobiazgi o oryginalnych formach. Ale po kolei. Najpierw bowiem Mati Sipiora rysuje. Tak zaczyna się dla niego każda idea projektowa. A rysować uwielbia – to dla niego forma medytacji. Z rozrysowanym pomysłem przenosi się do zakładu i zaczyna pracę z metalem. Na etapie prototypowania weryfikuje i ulepsza, a sam materiał często podszeptuje mu rozwiązania. O tym, że okazują się doskonałe, przekonują dojrzałe projekty Sipiory. Gdy pokazał efekty pracy w social mediach, natychmiast wzbudziły duże zainteresowanie, a na żywo robią jeszcze większe wrażenie. Krzesło Poodle to nasz ulubieniec, ale dobrych i ciekawych rzeczy autorstwa Matiego Sipiory jest coraz więcej. Szybko założył autorską markę. Dziś ją rozwija i cieszy się, że jego projekty towarzyszą w codzienności ludziom z różnych zakątków świata. FORMSOPHY Są absolwentami krakowskiej ASP – Alicja Prussakowska ukończyła wzornictwo, a Jakub Kijowski rzeźbę. Aluminium fascynuje ich swoją plastycznością. Nie traktują go jednak jako materiału, który chcą w pełni kontrolować. Znają i cenią wartość tradycyjnych technik rzemieślniczych, ale najchętniej eksperymentują. „Srebrna, lustrzana tafla rozgrzanego aluminium to surrealistyczny widok. Możemy nadać jej dowolną formę i wyraz. A gdy zastygnie, staje się czymś nowym, określonym przez nas” – mówią, nie kryjąc pasji. Od niedawna mieszkają na wsi i czują się coraz silniej związani z ziemią. Rzeczne kamienie i meandrujące rzeki, skały smagane wiatrem i deszczem – ciekawi ich to, jak czas powoli je zmienia. Natura nadaje kierunek ich pracy – sięgają po kamienie czy minerały i łączą je z metalem. Tak kreują obiekty o surowym, niemal szorstkim rysie, a jednocześnie organiczne w wyrazie. Świadomie korzystają z naturalnych właściwości używanych surowców, nie próbując ich przekształcać wbrew naturze. I trzeba przyznać, że to podejście przynosi w ich wykonaniu zjawiskowe efekty. Choć duet Formsophy zadebiutował zaledwie dwa lata temu, jego rzeźbiarski stół Taru i ławka Runi od razu przykuły uwagę. O projektantach z Krakowa jest coraz głośniej. Warto im się przyglądać!