Kultowe polskie słodycze zamienione w dzieła sztuki. Zobacz spektakularną wystawę Malwiny Konopackiej w Warszawie
Czy kultowe słodycze mogą być inspiracją dla ceramicznych dzieł sztuki? Malwina Konopacka, jedna z najbardziej cenionych polskich projektantek, udowadnia, że jest to możliwe. Tak powstały autorskie projekty nawiązujące do ikonicznych produktów marki E.Wedel. Wystawa ,,Forma smaku” zabiera nas do wnętrza gigantycznej bombonierki, zapewniając unikalne doznania wizualne. Zobaczyć ją można już od 12 maja.
Projekt Malwiny Konopackiej ,,Forma smaku” to opowieść o świecie marki E.Wedel widzianym przez pryzmat formy, koloru i struktury. Jej autorska interpretacja świata czekolady to sentymentalna podróż przez wspomnienia z dzieciństwa, zapisana w formie unikatowych obiektów. Artystka dekonstruuje kultowe opakowania i przekłada je na język współczesnej rzeźby oraz ceramiki. Już sama forma staje się tu nośnikiem smaku, a czekolada punktem wyjścia dla kształtu i detalu. Ekspozycja bazuje na grze z percepcją widza. Znane słodycze czekoladowe zostały przetworzone w abstrakcyjne obiekty przestrzenne. Obok znanych już wazonów z kolekcji OKO czy pater pojawią się totemy – specjalnie zaprojektowane dla muzeum Fabryka Czekolady E.Wedel. To obiekty z pogranicza sztuk wizualnych i designu, które balansują między rzeźbą a użytkową formą, zachęcając do zabawy skalą, kolorem i perspektywą. Współczesność zakorzeniona w tradycji Artystka czerpie z historii polskiego wzornictwa i opakowań tworzonych dla marki E.Wedel, nawiązując do ducha projektów Zofii Stryjeńskiej czy Karola Śliwki. To, co zachwyca, to kunszt wykonania obiektów. Konopacka sięgnęła po technikę sgraffito, czyli wymagający proces nakładania barwionych warstw gliny i ich ręcznego zdrapywania w celu stworzenia wzoru. To bezpośredni ukłon w stronę tradycji produkcji Torcików Wedlowskich, w których każdy ornament od lat tworzony jest ręcznie z taką samą pasją i precyzją. W kolorystyce wazonów projektantka również zawarła DNA marki. Wykorzystała barwy najbardziej rozpoznawalnych opakowań: od szlachetnego kobaltu, przez czerwień charakterystyczną dla tabliczek czekolady Jedyna i pianek Ptasie Mleczko®, aż po delikatne tony beżu i ecru. Dzięki ręcznemu szkliwieniu obiekty zyskują głębię, stając się przestrzenną interpretacją graficznej historii marki E.Wedel. Bombonierka w skali XXL Dopełnieniem ekspozycji jest spektakularna instalacja Bombonierka, stworzona z autorskich płytek ceramicznych Pastele, które Malwina Konopacka zaprojektowała dla marki Tubądzin. Z daleka projekt przypomina gigantyczne pudełko czekoladek. Wewnątrz instalacji znajdują się ceramiczne formy do złudzenia przypominające słodkie praliny. Kryją one w sobie niezwykle osobisty wątek. Artystka nazywa swoje prace imionami bliskich osób, stąd na wystawie spotkamy paterę ANIELA czy wazon IRENA. Współczesny design w dialogu z marką Wystawa dzieł Malwiny Konopackiej to kolejna odsłona dialogu, jaki muzeum Fabryka Czekolady E.Wedel prowadzi z współczesnymi artystami. Do tej pory prezentowane były projekty takich twórców, jak Paweł Bownik czy Mirella von Chrupek. Co istotne, wszystkie dzieła powstają na zlecenie muzeum i trafiają do kolekcji marki E.Wedel. Tym samym tworzony jest unikatowy, autorski zbiór polskiego designu i sztuki współczesnej. Wystawa będzie dostępna do końca sierpnia. Zobaczyć ją można w ramach zwiedzania wystawy stałej muzeum Fabryka Czekolady E.Wedel lub na specjalnych oprowadzanych z udziałem artystki, kuratorki wystawy lub dyrektora muzeum. View Gallery on the source website
24 prezenty na Dzień Matki. Wybrałyśmy przedmioty, które ją zachwycą
Dzień Matki to jedno z tych świąt, w których prezent nie powinien być rutyną. Bukiet kwiatów zwiędnie po tygodniu, bombonierka zniknie jeszcze tego samego dnia, a zdawkowa kartka z pewnością nie odda tego, co naprawdę chcielibyśmy powiedzieć.
W tegorocznym przewodniku zebrałyśmy 24 propozycje, które łączą światowe ikony dizajnu z propozycjami polskich pracowni i marek. Znajdą się tutaj zarówno klasyki, jak i nowoczesne odsłony rzemiosła, biżuterii czy kosmetyków. To lista prezentów dla Mamy estetki, podróżniczki, miłośniczki dizajnu, kawoszki czy kolekcjonerki drobnych skarbów. Filiżanka kawowa "Maria En Vogue Mint", Rosenthal Filiżanka „Maria En Vogue Mint" to spotkanie ponad stuletniej tradycji Rosenthala z nowoczesną, pastelową paletą. Delikatna mięta nadaje klasycznej formie lekkości i sprawi, że poranna kawa stanie się małą celebracją. Torebka pleciona, Bimba y Lola Pleciona torebka z rafii w odcieniu orzecha włoskiego to esencja śródziemnomorskiego stylu. Naturalny splot, skórzane detale i pojemny rozmiar sprawiają, że to wybór równie praktyczny, co modowy. Idealny dla Mamy ceniącej letnią elegancję bez wysiłku. Krzesło Panton, NAP Krzesło Panton od Vitry to ikona dizajnu, która od dekad zachwyca odważną, organiczną formą. Zaprojektowane przez Vernera Pantona, w roku jego setnych urodzin powraca jako manifest wiary w to, że meble potrafią poruszać zmysły i budować nastrój wnętrza. Znakomity prezent dla Mamy estetki. Zegarek, Longines Zegarki z kolekcji Longines DolceVita to ucieleśnienie włoskiej dolce vita w jej najbardziej wyrafinowanej odsłonie. Charakterystyczna prostokątna koperta inspirowana modelem z lat dwudziestych, tarcza ze wzorem „flinqué" i pasek z aligatora sprawiają, że to nie tylko zegarek, ale ponadczasowy akcent garderoby. Wersja klasyczna i mniejsza Mini DolceVita pozwalają dobrać projekt idealnie dopasowany do osobowości Mamy. Zawieszka MAMA, Apart Złota zawieszka „Mama" z Apartu to subtelna biżuteryjna deklaracja, którą można nosić blisko serca każdego dnia. Delikatna forma i ponadczasowy materiał sprawiają, że to prezent, który nie zna sezonowości, a swoją wartość zyskuje z każdym mijającym rokiem. Lampa zapachowa "Lolita", Maison Berger Paris Lampa zapachowa „Lolita" Maison Berger Paris to efekt wyjątkowej współpracy z projektantką Lolitą Lempicką. Po raz pierwszy w historii kultowe perfumy zostały precyzyjnie odtworzone jako esencja zapachowa do wnętrz, co czyni ten prezent gratką dla Mam ceniących oryginalne detale w domu. Lniane kimono, NAP Kimono NAP uszyte z wysokiej jakości belgijskiego lnu to propozycja dla Mam, które cenią codzienny komfort w stylowym wydaniu. Starannie wykończona lamówka i praktyczne kieszenie sprawiają, że to projekt równie ponadczasowy, co przemyślany w każdym detalu. Zapach do wnętrz Rituals, The Ritual of Ayurveda Luksusowy zapach do wnętrz to zaproszenie do domowego rytuału wellness, który pomoże Mamie odnaleźć wewnętrzny spokój. Dzięki harmonijnemu połączeniu róży indyjskiej oraz olejku ze słodkich migdałów, już jedno rozpylenie wprowadza do domu kojącą atmosferę i pomaga przywrócić równowagę między ciałem a umysłem. Puzderko Talizman Twoich uczuć, Lilou Puzderko Lilou w kształcie serca to biżuteryjny talizman, który nosi w sobie najpiękniejsze wspomnienia. Otwierane wnętrze można wypełnić zdjęciem, liścikiem lub drobną pamiątką, a osobisty grawer „Kocham Cię Mamo" zamienia ten projekt w symbol wyjątkowej więzi. Świeczki Art de Vivre, Guerlain Personalizowana świeca z wosku pszczelego to prezent, który łączy delikatność zapachu z osobistym akcentem. Możliwość wyboru słoika, aromatu i własnego graweru sprawia, że każda kompozycja staje się unikatowym detalem i ciepłym gestem dla Mamy. Zegarek Integral, RADO Damski zegarek Rado z kolekcji Integral to mistrzowskie połączenie stali szlachetnej z hi-tech ceramiką, z której marka słynie od dekad. Czarna tarcza, szkło szafirowe i bransoleta z ceramicznymi ogniwami zakończona zapięciem motylkowym sprawiają, że to projekt równie elegancki, co technologicznie zaawansowany. Lampa przenośna "Firefly", Lladró Przenośna lampka „Firefly" hiszpańskiej manufaktury Lladró to dowód na to, że rzemiosło wciąż potrafi zachwycać formą i detalem. Produkowana w jedynej fabryce marki w Walencji, sprawdzi się zarówno na nocnej szafce, jak i na tarasie podczas letnich wieczorów. Klamra do włosów, Balmain Klamerka Balmain Hair Couture to ten typ dodatku, który ratuje fryzurę w pięć sekund i wygląda przy tym świetnie. To prezent, po który Mama będzie sięgać codziennie, do niedbałego koka, półupięcia i swobodnie rozpuszczonych włosów, za każdym razem z odrobiną paryskiego luzu. Okulary przeciwsłoneczne, IziPizi Okulary przeciwsłoneczne Izipizi to klasyczne, lubiane fasony w odświeżonym wydaniu. Lekkie, wygodne i pełne charakteru, sprawdzą się jako codzienny towarzysz wiosennych i letnich stylizacji. Pierścionek MAMA, TOUS Pierścionek TOUS Mama to subtelna biżuteryjna deklaracja w charakterystycznym dla marki stylu. Delikatna forma i czytelny napis sprawiają, że to projekt, który Mama może nosić każdego dnia, niezależnie od okazji i stylizacji. Jedwabna chusta Kwiaty Nocy, W.KRUK Jedwabna chusta „Kwiaty Nocy Wiśnia" W.KRUK to małe dzieło sztuki utkane z ręcznie malowanego motywu kwitnącej wiśni w pastelowych odcieniach różu. Wykonana ze 100% jedwabiu w legendarnej manufakturze, łączy ponadczasową elegancję z artystyczną finezją. Ramka na zdjęcie, TK MAXX Ozdobna ramka na zdjęcie z TK Maxx to drobny prezent o dużej sile sentymentu. Wystarczy wybrać wspólne, ulubione ujęcie, by stworzyć podarunek, który stanie na komodzie czy biurku Mamy i każdego dnia będzie przypominał o bliskości. Pomadka Kiss Kiss, Guerlin Pomadki Kiss Kiss od Guerlain, zamknięte w jubilerskich etui w kształcie plastra miodu, to klasyk, który łączy makijaż z luksusowym akcesorium. Możliwość uzupełniania wkładów i personalizacji graweru sprawia, że to prezent osobisty i ponadczasowy zarazem. Apaszka jedwabna, Apart Jedwabna apaszka „Portofino Red" z Apartu to klasyk, który w jednej chwili odmienia każdą stylizację. Format daje swobodę noszenia, na szyi, we włosach, przy torebce, a soczysta czerwień dodaje energii i śródziemnomorskiego szyku. Dyfuzor I CAN STILL SMELL YOU, Galilu Dyfuzor zapachowy od Galilu to prezent idealny, zwłaszcza jeśli mowa o wariancie I CAN STILL SMELL YOU, który powstał ze współpracy luksusowej marki L'OBJET z południowoafrykańskim artystą Ruanem Hoffmannem. Ceramiczną formę zdobi charakterystyczne oko podkreślone ręcznie nakładaną linią z 24-karatowego złota, a wewnątrz kryje się olejek zapachowy o suchym, drzewnym cieple wetiweru. Bransoleta Galaxy, TOUS Bransoleta TOUS Galaxy ze stali w kolorze złota łączy elegancki połysk z ciepłem szylkretowej żywicy. Motyw kwiatu nadaje projektowi lekkości i kobiecego charakteru, dzięki czemu bransoleta pięknie odnajdzie się zarówno w codziennych, jak i wieczorowych stylizacjach. Kolczyki Czułość, W. KRUK Złote kolczyki z kolekcji Czułość W.KRUK to filigranowa biżuteria, w której romantyczny motyw połączonych serc spotyka się z nowoczesną asymetrią. Lekkie, ażurowe i pełne osobistego znaczenia, sprawdzą się jako codzienny talizman, który Mama z chęcią założy zarówno do pracy, jak i na wyjątkowe okazje. Torebka z muszelkami, TK MAXX Torebka zdobiona muszelkami z TK Maxx to letni akcent, który natychmiast przenosi w wakacyjny klimat. Idealna na spacery nad wodą i wieczory w kawiarnianym ogródku, doda stylizacji lekkości i radosnego charakteru. Podstawka na biżuterię, Boski Bajzel Ceramiczna podstawka na biżuterię od polskiej pracowni Boski Bajzel to drobiazg, który zmienia codzienny rytuał. Rzeźbiarska, organiczna forma z ręcznie malowanymi detalami sama w sobie jest dekoracją komody, a przy okazji porządkuje chaos pierścionków, kolczyków i łańcuszków. Książka o polskim dizajnie „Mistrzynie. Eseje o polskich artystkach" Dagmary Budzbon-Szymańskiej to książka, która zabiera czytelniczkę w podróż przez losy najwybitniejszych polskich malarek i rzeźbiarek, od Boznańskiej i Stryjeńskiej po Abakanowicz i Kozyrę. Autorka splata biografie pełne przeciwności z opowieścią o historii sztuki, emancypacji i kobiecej sile, dzięki czemu to lektura, która zostaje z czytelniczką na długo.
Postindustrialne wnętrze przy Barskiej zmieniło się w wielką instalację. To jedna z najciekawszych wystaw tego roku
Już od 16 do 29 maja Warszawa stanie się sceną jednego z najbardziej ambitnych projektów wystawienniczych tego roku. “OŚWIECENIE” to pierwsza w Polsce monograficzna wystawa tej skali poświęcona Markowi Bimerowi - artyście multidyscyplinarnemu, uznawanego za jednego z najważniejszych polskich twórców działających na styku współczesnej rzeźby i designu kolekcjonerskiego.
Ekspozycja prezentuje szerokie spektrum twórczości artysty - od najnowszych, monumentalnych realizacji powstałych w ostatnich latach, po wcześniejsze prace, które ewoluowały na przestrzeni ponad czterech dekad jego działalności. W centrum znajdą się rozbudowane instalacje świetlne oraz charakterystyczne obiekty, w których rzeźbiarska forma spotyka się ze światłem wewnętrznym, nadając dziełom nowy wymiar percepcyjny. Twórcze eksperymenty “Jestem rzeźbiarzem. W dziedzinie, która porusza się na granicy sztuki i funkcji użytkowej, moim punktem wyjścia zawsze była sztuka czysta. Obiekty świetlne są odnogą, którą zbudowałem, wychodząc z formy rzeźbiarskiej.” – mówi Marek Bimer. W swoich najnowszych realizacjach Bimer intensywnie eksperymentuje z materią i patyną, wydobywając z materiałów bogactwo barw, faktur i struktur. Podświetlona żywica, zestawiana z elementami patynowanego brązu, kamienia, aluminium, drewna czy stali, tworzy sugestywne, niemal organiczne formy. Artysta buduje instalacje przywodzące na myśl ławice ryb czy skłębione chmury, operując światłem i cieniem w sposób, który redefiniuje doświadczenie odbiorcy. ”To nie będzie wystawa artysty działającego konsekwentnie, według planu, ale takiego, który ciągle szuka nowych kierunków i wrażeń. I absolutnie niczego nie podsumowuje” - dodaje artysta, podkreślając, że jeszcze wiele możemy się od niego spodziewać. Wyjątkowe miejsce Wystawa zajmie ponad 1200 m2 postindustrialnej przestrzeni dawnej hurtowni farmaceutycznej przy ulicy Barskiej. Cztery kondygnacje pomieszczą ponad 100 obiektów, tworząc wielowarstwową narrację, w której architektura, światło i scenografia stanowią integralną całość. Surowy, industrialny charakter miejsca staje się naturalnym tłem dla prezentowanych prac, umożliwiając zarówno intymny kontakt z pojedynczymi obiektami, jak i doświadczenie spektakularnych, wielowymiarowych instalacji. Ekspozycja została zaprojektowana jako immersyjne doświadczenie, angażujące zmysły i emocje odbiorców. Różnorodne zabiegi scenograficzne, dźwiękowe i świetlne prowadzą widza przez kolejne warstwy znaczeń, poszerzając jego wrażliwość na relacje między sztuką a designem. Kuratorską opiekę nad wystawą objęła córka rzeźbiarza, Natalia Bimer, która zaprasza do odkrywania twórczości artysty w nowym, rozszerzonym kontekście. “Granica między sztuką a designem jest oczywista tylko dla tych, którzy boją się ją przekroczyć, którzy kurczowo trzymają się przyjętych społecznie kategorii, tym samym zamykając się na nowe, wciąż nieodkryte przestrzenie i połączenia. Ta wystawa jest zaprzeczeniem banalnej tezy, że w sztuce wszystko już było.” - mówi Natalia. “Collectible design to sztuka, a sztuka nie jest pustą dekoracją. Jeśli nią jest, to znaczy, że coś poszło nie tak. To nie są tylko obiekty. To sytuacje, w które wchodzisz, i które coś z Tobą robią. Jeśli oczekujesz wyłącznie pięknych i łatwych rzeczy, to nie jest dobre miejsce. Warto patrzeć szerzej, słuchać wyraźniej i wchodzić głębiej. Najważniejsze rzeczy w tej przestrzeni nie mają kształtu, a najlepszy moment jest wtedy, gdy coś przestaje być ładne, a zaczyna być ważne.” - dodaje.
Karim Rashid o premierze dla polskiej marki LOOPE. Projektant wyjaśnia, jak stworzył meble o nieskończonym cyklu życia
To nie jest zwykła targowa prezentacja, a manifest przyszłości projektowania. Podczas mediolańskich targów Salone del Mobile odbywa się oficjalna premiera trzech kolekcji marki LOOPE stworzonych we współpracy z Karimem Rashidem – jednym z najbardziej rozpoznawalnych projektantów na świecie.
Te organiczne, zmysłowe formy udowadniają, że meble zero waste mogą być wyrafinowane, uwodzicielskie i pozbawione jakichkolwiek kompromisów estetycznych. W wywiadzie dla Elle Decoration Karim Rashid opowiada o kulisach tej wyjątkowej współpracy, rezygnacji z tymczasowości oraz o meblach z „duszą”, które dzięki nieskończonemu cyklowi życia materiału nigdy nie staną się odpadem. Świat designu stoi u progu wielkiej zmiany – szukamy materiałów, które będą odpowiedzią na wyzwania klimatyczne, nie rezygnując przy tym z wysokiej estetyki. Twoja kolekcja dla LOOPE udowadnia, że nowoczesne tworzywa mogą posiadać 'animę', duszę. Czy uważasz, że przyszłość ekologicznego projektowania leży w materiałach, które dzięki swojej plastyczności pozwalają projektantowi na niemal biologiczną, rzeźbiarską ekspresję, pozostając jednocześnie w nieskończonym obiegu? KR: Tak. Wierzę, że przyszłość zrównoważonego designu musi być emocjonalna, zmysłowa i inteligentna. Zrównoważony rozwój nie może wyglądać jak wyrzeczenie. W LOOPE materiał ma „animę”, nie jest martwą materią. Jest żywy, bo może się odradzać, być przekształcany i kształtowany na nowo w nieskończoność. Jako twórcy daje mi wolność kreowania biologicznych, rzeźbiarskich, ludzkich form, przy jednoczesnej świadomości, że materiał trwa w cyrkulacyjnym obiegu. To jest właśnie przyszłość: piękno, technologia, odpowiedzialność i emocja jako jeden spójny system. Hasłem LOOPE jest Endless circular craft. W świecie zdominowanym przez tymczasowość, Ty proponujesz obiekty, których życie nigdy się nie kończy, bo materiał po prostu zmienia swoją formę. Co w Twojej osobistej hierarchii wartości projektowych jest najważniejsze w idei obiegu zamkniętego? Czy to poczucie odpowiedzialności za przyszłość produktu, czy może wolność, jaką daje świadomość, że materiał jest wieczny? KR: Dla mnie cyrkularność to jednocześnie odpowiedzialność i wolność. Odpowiedzialność oznacza, że muszę myśleć o pełnym procesie życia przedmiotu, nie tylko o momencie jego powstania. Ale wolność jest równie ważna. Kiedy materiał może wrócić i stać się czymś nowym, projektowanie nabiera głębszego sensu, to już nie tylko estetyka, ale zobowiązanie. Przedmiot nie czeka w zapomnieniu. Jest materią w ciągłym ruchu. Jest wiecznym potencjałem. Współpracujesz z markami, które kształtują globalne trendy. Co sprawiło, że zdecydowałeś się połączyć siły właśnie z polskim LOOPE? KR: Dołączyłem do marki LOOPE, bo poczułem autentyczność. Nie używają zrównoważonego rozwoju jako hasła marketingowego, ale budują prawdziwy, cyrkularny system: od materiału, przez produkt, po zwrot i powstanie czegoś nowego. Uwielbiam pracować z firmami, które mają odwagę. Polska posiada silną kulturę produkcji, a LOOPE ma ambicję tworzenia czegoś globalnego, inteligentnego i emocjonalnego. To właśnie ta kombinacja mnie zainspirowała. Twoje nowe kolekcje – Anima, Sway i Rise – to formy bardzo sensualne, organiczne, niemal hipnotyzujące. Czy wierzysz, że to właśnie poprzez piękno i emocjonalny design najskuteczniej edukujemy użytkownika w kwestii ekologii? Czy tak wyrazisty design może sprawić, że zaczniemy traktować przedmioty wokół nas nie jako towary, ale jako cenny zasób, o który chcemy dbać? KR: Absolutnie. Piękno jest najpotężniejszym edukatorem. Ludzie nie zakochują się w statystykach. Zakochują się w formie, kolorze, komforcie i emocji. Jeśli przedmiot jest piękny, zmysłowy i ma dla nich znaczenie, ludzie trzymają go dłużej, bardziej go szanują i rozumieją jego wartość. Kolekcje ANIMA, SWAY i RISE to nie tylko meble. To optymistyczne ikony nowej kultury materialnej – świata, w którym produkty nie są rzeczami jednorazowego użytku, lecz cennymi zasobami pozostającymi w ciągłym obiegu. Tegoroczny Mediolan szuka autentyczności. Na stoisku LOOPE pokazujecie pełną drogę materiału – od ziarna granulatu po gotową ikonę designu. Jakie to uczucie widzieć, że branża z taką fascynacją reaguje na projekt, który nie tylko świetnie wygląda, ale niesie ze sobą realną obietnicę braku odpadów? KR: To bardzo poruszające, bo Mediolan potrafi być bardzo nakierowany na wizerunek, a ten projekt ma prawdziwą głębię. Na stoisku LOOPE ludzie widzą całą historię: surowy granulat, proces, gotowy obiekt i obietnicę, że wszystko to może wrócić do ponownego obiegu. Ta transparentność jest potężna. Udowadnia, że meble powstałe w idei zero waste nie muszą wyglądać prymitywnie ani jak kompromis estetyczny. Mogą być uwodzicielskie, wyrafinowane, kolorowe i pełne życia. Taka jest właśnie przyszłość, w którą zawsze wierzyłem, że design powinien tworzyć.
AGD może być dziełem sztuki! ASKO na Milan Design Week z wystawą w Brera i stoiskiem na EuroCucina
W dniach 20–26 kwietnia Mediolan stał się sceną dla opowieści o tym, jak może wyglądać współczesny dom: świadomy, piękny i zaprojektowany z niezwykłą precyzją. Bohaterem tej historii była bez wątpienia marka ASKO!
Skandynawska marka AGD zajęła dwa adresy jednocześnie. Były to pop-up showroom w Brera Design District oraz stoisko na EuroCucina 2026 w Salone del Mobile, i w obu miejscach konsekwentnie trzymała się tej samej idei: precyzja, trwałość oraz skandynawskie rzemiosło w wydaniu premium. Spójna wizja marki premium ASKO, marka o ponad 75-letniej historii, konsekwentnie rozwija swoje portfolio w oparciu o skandynawskie dziedzictwo projektowe, łącząc minimalizm, funkcjonalność i trwałość. Obecność podczas Milan Design Week 2026 podkreśla jej pozycję w segmencie premium oraz zdolność do tworzenia rozwiązań odpowiadających na potrzeby współczesnego użytkownika. Sami zobaczcie, jak marka zaprezentowała się na najważniejszych targach designu w Europie. Gdy pralka staje się eksponatem Przy Via A. Manzoni 39 marka ASKO otworzyła tymczasowy showroom, w którym przez cały tydzień Fuorisalone gościła wystawa „Art, Inside Out.". Projekt powstał we współpracy z duetem projektowym Draga & Aurel. Wystawa łączyła funkcjonalność z artystyczną ekspresją, ukazując, jak techniczna precyzja urządzeń AGD może współgrać z głębią sztuki. Draga & Aurel wykorzystali żywicę do transformacji urządzeń, w tym nagrodzony system Scandinavian Laundry Care 2.0, w ponadczasowe dzieła. Dzięki temu domowa przestrzeń zamieniła się w galerię. W tym samym miejscu odbyły się dwa panele dyskusyjne w ramach cyklu Design Talks. Rozmowy skupiły się na dwóch tematach: relacji między sztuką a technologią w projektowaniu oraz ponadczasowych zasadach skandynawskiego wzornictwa. W dyskusjach wzięli udział m.in. Draga Obradović, Aurel Basedow, Lara Bohinc i Chen Min. EuroCucina 2026 w praktyce Z kolei podczas EuroCucina 2026 ASKO zaprezentowało swoją ofertę pod hasłem „Precision Matters”. W tym ujęciu precyzja stanowi kluczowy element wpływający na trwałość produktów, efektywność energetyczną oraz komfort użytkowania. Ma to odzwierciedlenie w kluczowych innowacjach ASKO w kuchni i pralni, a ich rezultatem są piekarniki Celsius Elements, zmywarki DW60 czy chłodziarki Nordic Fresh 2.0. Piekarniki Celsius Elements wyróżniają się w pełni szklanym frontem w odcieniach Pearl Black i Pearl Grey oraz zintegrowaną funkcją kalibracji, która utrzymuje temperaturę z dokładnością do +/- 1°C. Zmywarki DW60 mieszczą 17 kompletów naczyń, pracują na poziomie 37–38 dB(A) i wyposażone są w opatentowany tryb UV Cleanse™, eliminujący bakterie. Konstrukcja 8 Steel™ była testowana na równowartość 20 lat użytkowania. Chłodziarki Nordic Fresh 2.0 korzystają z technologii OptiFlow i Auto Humidity Control, a aplikacja ConnectLife umożliwia zdalne zarządzanie urządzeniem. View Gallery on the source website Na stoisku ASKO nie zabrakło też programu kulinarnego. Szef kuchni Wilfrid Hocquet, wyróżniony tytułem Michelin Guide Opening of the Year 2026, oraz chef marki Tim Delissen gotowali na urządzeniach ASKO, pokazując, jak precyzja sprzętu przekłada się na pracę w kuchni. Matej i Luka Zaro, twórcy Orange Wine Festival, demonstrowali znaczenie temperatury i wilgotności w przechowywaniu wina z użyciem chłodziarki do wina ASKO. Marka potwierdziła przy tej okazji partnerstwo z FIFA World Cup™, w ramach którego ASKO występuje jako oficjalny sponsor lodówek na najbliższy Mundial.
Wystawa "Złoty Szept" w Warszawie. Malarstwo olejne Joanny Sarapaty połączone z porcelanową biżuterią Romany Bieleckiej
W Maison d'Art Gallery przy Wilczej 60 w Warszawie trwa właśnie wystawa, która trzeba koniecznie zobaczyć. "Złoty Szept" to kolekcja prac, w której malarstwo olejne spotyka się z porcelanową biżuterią pokrytą złotem i platyną. To twórczy dialog dwóch artystek: Joanny Sarapaty oraz Romany Bieleckiej.
To nie tylko kadry zatrzymane na płótnie. Wystarczy podejść bliżej i przyjrzeć się, by zobaczyć że na powierzchni malarskiego dzieła jest coś więcej. To drobny, przestrzenny detal, który wyrasta z obrazu jak szept, który ktoś zostawił w połowie zdania. Porcelanowa forma pokryta 24-karatowym złotem lub platyną jest integralną częścią twórczego dialogu dwóch artystek. Dwie artystki, jeden język Joanna Sarapata, malarka od lat badająca granice między figurą a emocją, prezentuje swoją najnowszą kolekcję prac, po raz pierwszy wprowadzając do swoich płócien elementy rzeczywistej biżuterii. Ich autorką jest Romana Bielecka - artystka, której porcelanowe formy łączą precyzję rzemiosła z wrażliwością rzeźby. W spotkaniu tych dwóch światów przestrzenne detale żyją w symbiozie. Są niczym delikatny szept, który przyciąga uwagę i nadaje obrazowi tajemniczy, hipnotyzujący charakter. Twórczy dialog Kolekcja "Złoty Szept" to rozmowa prowadzona na kilku poziomach jednocześnie. Między materią płótna a blaskiem złota. Między gestem malarki a ciszą, którą ten gest pozostawia. Między tym, co widzi oko, a tym, co czuje się dopiero po chwili. Artystki zapraszają do świata, w którym kobiecość nie jest tematem obrazu. Jest jego językiem.
Next Design Summit 2026 ogłasza program i prelegentów. Konferencja dla architektów i projektantów już w maju
Znamy program i patronów majowego Next Design Summit – biletowanej konferencji dla projektantów. Połowa biletów jest już sprzedana.
Druga edycja konferencji Next Design Summit, zaplanowana na 29 maja 2026 w Muzeum Historii Polski w Warszawie, w tym roku odbywa się z bardziej rozbudowanym programem merytorycznym, mocnymi nazwiskami prelegentów oraz rozszerzoną, wieczorną częścią networkingową, w tym wydłużonym wieczornym spotkaniem branży. Ogłoszono program i listę prelegentów, a agenda - wypracowana przez Radę Programową złożoną z praktyków rynku - odpowiada na wyzwania, z jakimi mierzą się dziś architekci. Branża projektowania wnętrz nie potrzebuje kolejnej rozmowy o trendach. Potrzebuje rozmowy o pieniądzach, standardach i szacunku do pracy projektanta. View Gallery on the source website Drugą edycję Next Design Summit wspierają partnerzy biznesowi z branży wyposażenia wnętrz oraz czołowe media, w tym partner strategiczny GQ Poland, co potwierdza rangę wydarzenia jako jednego z najważniejszych spotkań branży w Polsce. To ostatni moment na zakup biletów przez projektantów. Skala i środowisko, które definiuje rozmowę Next Design Summit od początku budowany jest jako wydarzenie dla osób decyzyjnych - właścicieli pracowni, liderów zespołów i projektantów, którzy odpowiadają nie tylko za estetykę, ale również za wynik finansowy, zespół i rozwój swoich firm. W pierwszej edycji udział wzięli przedstawiciele czołowych polskich pracowni, m.in.: NOKE Architects, Tremend, MIXED, Bajer Sokół, Sikora Interiors, Kres Architekci, Dash Interiors, Hanna Pietras Architects, Naboo Studio, Studio Anna Koszela, Artewizjon, Zajdel Interiors oraz wielu innych projektantów aktywnie działających w segmencie residential, hospitality i commercial. Struktura uczestników edycji 2025 pokazała dojrzałość rynku – 30% stanowiły osoby z doświadczeniem 10–20 lat, 37% z doświadczeniem 6–10 lat, a 19% z doświadczeniem 3–6 lat. Znaczną część uczestników stanowili właściciele i założyciele biur projektowych. W grupie dominowali architekci wnętrz (80%), natomiast architekci kubaturowi stanowili 20%. Program odpowiadający na wyzwania branży Next Design Summit powstał jako odpowiedź na zmieniającą się rzeczywistość zawodu projektanta. Rynek, który przez lata koncentrował się głównie na estetyce i inspiracji, dziś coraz wyraźniej potrzebuje rozmowy o procesach, wycenie pracy, relacjach z klientem oraz organizacji własnego biznesu. To właśnie te obszary – często pomijane w komunikacji branżowej – stanowią oś programu wydarzenia. Organizatorzy nie ukrywają, że intencją konferencji jest wyjście poza bezpieczny język trendów i produktów. Nie chodzi również o naukę projektowania, lecz o rozmowę o tym, co w praktyce decyduje o stabilności i przyszłości pracowni projektowej. 29 maja poruszone zostaną tematy, których większość wydarzeń branżowych unika: prowizje i relacje z dostawcami, wycena pracy oraz techniki sprzedaży. Wśród innych zagadnień znajdą się m.in. przywództwo, budowanie marki projektanta, wykorzystanie AI w wizualizacjach, a także neuromarketing i akustyka. To program o tym, co realnie wpływa na: – poziom wynagrodzeń projektantów, – jakość współpracy z klientem i jego decyzje, – skalowanie pracowni oraz poszerzanie portfolio usług, – odzyskanie kontroli nad procesem projektowym. Uczestnicy dowiedzą się, jak budować silny zespół, rozwijać kompetencje liderskie oraz tworzyć strukturę, która realnie wspiera rozwój firmy w momencie, gdy pracownia wchodzi na kolejny etap rozwoju. Na scenie pojawią się m.in.: Joanna Jo Jurga PhD, Dagmara Brzezińska czy Paweł Pilarczyk. Na koniec Paweł Tkaczyk zajmie się pytaniem, które boli najbardziej: dlaczego zawód architekta wnętrz stracił rangę i jak ją odbudować. Siła partnerów i kontekst wydarzenia Rangę wydarzenia podkreśla obecność partnerów biznesowych oraz mediów, z którymi projektanci będą mieli okazję porozmawiać podczas przerw networkingowych. Partnerem strategicznym jest GQ Poland – polska edycja magazynu poświęconego modzie, kulturze, sztuce i stylowi życia. Wśród patronów branżowych znajdują się magazyny: Architektura i Biznes, Elle Decoration, Design Alive, WhiteMAD, Weranda, Biznes Meble, Design Doc, Dom Wprost, Czas na Wnętrze, Dom i Wnętrze, F5, Archinsob, Bryła, Cztery Kąty a także instytucje – Stowarzyszenie Architektów Polskich (SARP) oraz Stowarzyszenie Architektów i Projektantów Wnętrz Polskich (APWP) – oraz uczelnie: Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu (UAP) i Polsko-Japońska Akademia Technik Komputerowych (PJATK). Konferencję poprowadzi Olivier Janiak, redaktor naczelny magazynu GQ Poland, który nada wydarzeniu narrację łączącą świat designu z kulturą i biznesem. Jego obecność to sygnał symboliczny: design przestał być tylko branżą, a stał się językiem, którym posługuje się cały rynek premium. W wydarzenie zaangażowane są także wiodące marki branży wnętrzarskiej, m.in. Laufen, Modular/Pan i Pani od Światła, Łazienka + jako Partnerzy Strategiczni, Maxfliz, Miele, Egger, Jeger, Blum jako Partnerzy Główni, a także Rehau, Jung Polska, Oakcent czy Skjur jako Partnerzy wydarzenia. Za kształt merytoryczny wydarzenia odpowiada Rada Programowa – zespół praktyków, którzy na co dzień prowadzą własne pracownie i wiedzą, z jakimi wyzwaniami mierzy się branża. Więcej niż konferencja Wydarzenie odbywa się w godz. 11-19 w wyjątkowych przestrzeniach Muzeum Historii Warszawy, co dodatkowo podkreśla jego charakter. Uczestnicy mają również możliwość tworzenia atrakcyjnych treści dzięki inspirującym wnętrzom oraz specjalnie przygotowanej ściance instagramowej. Całość uzupełniają konkursy oraz gift-bagi, które stanowią dodatkowy element doświadczenia eventu. Next Design Summit to nie tylko prelekcje na scenie, ale także trzy okazje networkingowe – przerwa lunchowa, przerwa kawowa oraz wieczorny networking w godz. 19-22. Dzięki temu uczestnicy zyskują przestrzeń do swobodnej wymiany doświadczeń, budowania relacji i rozmów, które często przekładają się na realną, przyszłą współpracę. Dla projektantów, którzy zakupili bilet, dostępne będą nagrania konferencji. To materiał, do którego można wracać w dowolnym momencie – przy planowaniu strategii pracowni, wycenie projektu, rozmowach z inwestorem czy wdrażaniu wspólników. Technologia i przyszłość zarządzania projektem Organizatorem Next Design Summit jest Deccore – firma rozwijająca rozwiązania technologiczne dla branży projektowej w Polsce. W dniu wydarzenia odbędzie się premiera aplikacji Deccore – narzędzia do zarządzania projektami wnętrzarskimi, obejmującego cały cykl życia realizacji: od koncepcji po finalizację. Łączy ono funkcje systemu operacyjnego dla projektantów z marketplace’em i ekosystemem branżowym, skupiającym inwestorów, architektów i projektantów wnętrz, specjalistów, producentów oraz dostawców. Wszystkie strony procesu inwestycyjnego mogą działać w jednym środowisku – przejrzyście, efektywnie i z pełną kontrolą nad projektem. Dla partnerów biznesowych oznacza to również możliwość obecności w aplikacji, a więc wejście do środowiska, które będzie naturalnym miejscem pracy projektantów. To dostęp do relacji i procesów na etapie, na którym zapadają decyzje - nie tylko o estetyce, ale o konkretnych rozwiązaniach, materiałach i współpracach. To projektant decyduje Next Design Summit nie jest wydarzeniem „do posłuchania”. To dzień, który dla wielu projektantów staje się punktem zwrotnym - momentem, w którym zaczynają inaczej myśleć o swojej pracy, klientach i modelu biznesowym. To chwila, w której udział przestaje być „opcją”, a staje się świadomą decyzją: czy rozwijać swoją pracownię strategicznie - czy dalej działać intuicyjnie. Jeśli prowadzisz pracownię i czujesz, że kolejnym krokiem jest uporządkowanie procesów, wyceny i relacji z klientami - ten program powstał z myślą o Tobie. Jeśli pracujesz dużo, a efekty nie są proporcjonalne do włożonego wysiłku, klienci przeciągają decyzje, a projekty wymykają się spod kontroli - to jest dzień, który może to zmienić. View Gallery on the source website Bo zmiana w tej branży już się dzieje. I właśnie dlatego majowa edycja została rozszerzona o wieczorny networking - naturalne przedłużenie rozmów, które zaczynają się na scenie, a realnego znaczenia nabierają w kuluarach. To tam zapadają decyzje, rodzą się współprace i pojawiają się pomysły, które trudno wypracować w pojedynkę. W przestrzeni Muzeum Historii Polski, przy lampce wina i w otoczeniu ludzi, którzy mierzą się z podobnymi wyzwaniami, powstaje coś więcej niż relacje - powstaje wspólny kierunek dla całej branży. 📅 29 maja 2026 📍 Muzeum Historii Polski, Warszawa Bilety dla architektów dostępne w sprzedaży: tutaj
Polka współtworzy jedną z najbardziej kultowych kolekcji IKEA PS 2026. Te produkty znikną ze sklepów błyskawicznie!
IKEA oficjalnie prezentuje dziś dziesiątą edycję kolekcji IKEA PS 2026. Trzydzieści jeden lat po debiucie w Mediolanie kultowa linia wraca z trzema projektami, które trudno zignorować.
Zaprezentowane nowości to już nie tylko funkcjonalne meble w skandynawskim stylu. Tym razem chodzi o coś więcej: o emocje, lekkość i odrobinę zaskoczenia. W rolach głównych: dmuchany fotel, obrotowa lampa i bujana ławka polskiej projektantki. IKEA PS 2026 Czy kolekcja IKEA PS 2026 stanie się hitem? Wszystko na to wskazuje. IKEA PS 2026 już teraz wzbudza emocje, bo pokazuje coś świeżego i nieoczywistego. To propozycja dla tych, którzy szukają we wnętrzach czegoś więcej niż tylko funkcji; chcą też odrobiny charakteru, luzu i kreatywności. Dziesiąta edycja koncentruje się wokół „zabawnej funkcjonalności", której rezultatem są przedmioty użyteczne i dobrze zaprojektowane, ale z nieoczekiwanym elementem, który sprawia, że trudno przejść obok nich obojętnie. W serii IKEA PS 2026 znajdują się dmuchany fotel Mikaela Axelssona, bujana ławka Marty Krupińskiej oraz trójkierunkowa lampa od projektanta Lexa Potta . Produkty trafią do sklepów stacjonarnych już jutro, 14 maja. W pozostałych kanałach sprzedaży od 12 czerwca. Dmuchany fotel Hitem kolekcji jest fotel. Solidny, wygodny i… dmuchany! IKEA próbowała zaprojektować mebel tego typu już latach 90., ale wszystkie próby kończyły się fiaskiem. Do teraz. Mikael Axelsson przetestował 20 prototypów, używając nawet opony od traktora, by finalnie twórczy eksperyment zakończył się sukcesem. Bo dwie oddzielne, regulowane komory powietrzne otulone soczystą, zieloną tkaniną i zamknięte w chromowanej, rurowej ramie nie tylko wyglądają atrakcyjne, ale i gwarantują komfort siedzenia. Fotel ma zwartą sylwetkę, przeszedł wszystkie standardowe testy wytrzymałościowe IKEA (nawet pazurki czworonożnych pupilów mu nie straszne! i dostarczany jest w płaskim opakowaniu z pompką nożną w zestawie. Brzmi nieprawdopodobnie? A jednak! Przetestowałyśmy to na własne oczy. Pobujaj się! Wśród projektów zaprezentowanych w kolekcji IKEA PS 2026 znajduje się też bujana ławka polskiej projektantki. Pomysł jest prosty, ale radość, jaką daje ogromna! Sosnowa, solidna konstrukcja osadzona jest na zakrzywionych płozach, dzięki czemu można na niej nie tylko siedzieć, ale bujać się. A z uwagi, że ławka pomieści dwie osoby, można bujać się razem, zachęcając tym samym innych od zabawy. Zmienny charakter lampy Trzeci projekt to trójkierunkowa lampa podłogowa holenderskiego projektanta Lexa Potta. Punkt wyjścia do tego projektu: co się stanie, gdy przetnie się stalowy cylinder pod kątem 45 stopni? Efektem jest lampa multifunkcyjna, która w zależności od ustawania odegra we wnętrzu inną rolę. Jej praktyczna strona zawiera się w geometrii, a pozbawienie opatentowanej konstrukcji przełączników czy dodatkowych mechanizmów dodaje jej tylko wizualnej atrakcyjności. Model dostępny jest trzech wersjach kolorystycznych: żółto-limonkowym, burgundowym i kobaltowym. Co jeszcze zawiera IKEA PS2026? Wśród nowości królują meble „do zadań specjalnych” – od mobilnych stolików na kółkach i składanych siedzisk, po sprytne systemy przechowywania, które rosną wraz z potrzebami użytkownika. IKEA PS 2026 mocno akcentuje też dbałość o planetę, wprowadzając produkty wykonane z surowców wtórnych, jak chociażby charakterystyczne szkło z odzysku czy tekstylia z recyklingu, które łączą domową przytulność z nowoczesnym sznytem. Całość tworzy spójną, energetyczną wizję wnętrza, które jest gotowe na każdą zmianę, przeprowadzkę czy spontaniczną wizytę gości, udowadniając, że dobry design może być jednocześnie ekologiczny, przystępny cenowo i niesamowicie efektowny.
Tajemnica ściętej głowy. Co naprawdę kryje się za najsłynniejszym ceramicznym symbolem Sycylii?
Andrzej Kareński-Tschurl kontynuuje swoją podróż po porcelanowym świecie. Tym razem zatrzymuje się na sycylijskim balkonie, gdzie od wieków stoi głowa Maura. Czy wiecie, co naprawdę kryje się za najsłynniejszą legendą Sycylii?
Tekst: Andrzej Kareński-Tschurl Wiele zachwycających artystycznych wytworów powstało w wyniku cierpienia, obsesji czy tragicznych wydarzeń. Piękno bowiem często niestety skrywa mroczne historie. Mroczne sekrety Ciemne lochy bez dopływu świeżego powietrza i katorżnicza praca przy rozżarzonych piecach, a co najgorsze, brak najmniejszych perspektyw na poprawę losu. Robotników traktowano jak niewolników i pilnowano z obawy o zdradę tajemnic pozwalających na produkcję „białego złota”. To obraz daleko odbiegający od opowieści o subtelnych figurkach tancerek, biskwitowych aniołkach czy filiżankach z cienkiej porcelany. Recepturę na produkcję tej cennej materii odkryto w Europie ponad 300 lat temu w Miśni. Niebawem powstały konkurencyjne manufaktury w Wiedniu, Sèvres pod Paryżem, Berlinie i Kopenhadze, a rywalizacja między nimi to opowieść o szpiegostwie, zdradach i ludzkim cierpieniu. Sycylijskie legendy Historie o kruchym pięknie często budzą grozę, podobnie jak opowieść związana z sycylijską ceramiką, która przybiera formę głowy Maura. Jest wiele wersji legendy opowiadającej o romansie pięknej mieszkanki Palermo, która podobno zakochała się w obcym, ciemnoskórym przybyszu. Wybuchł skandal i oboje zostali ścięci, a ich głowy wystawiono jako donice na balkonie domu jej arystokratycznej rodziny. Inna wersja mówi o zemście zdradzonej Sycylijki, która nie zamierzała darować swemu kochankowi porzucenia jej i decyzji o powrocie do rodzinnego domu oraz żony i dzieci. Postanowiła zatrzymać go na zawsze, ścinając mu głowę, a w niej jak w donicy posadziła bazylię rosnącą najbujniej na całej wyspie. Niezależnie od wersji tej historii, która wciąż fascynuje rzemieślników i artystów, Testa di Moro jest symbolem namiętności, zemsty oraz wiecznej pamięci o ukochanej osobie i nieodzownym elementem sycylijskiego dziedzictwa. Głowy Maura i Kobiety to jedne z najbardziej popularnych pamiątek przywożonych z włoskiej wyspy. Ich tajemnicze piękno wciąż odmienia balkony, ogrody i tarasy w różnych zakątkach świata.
Polscy artyści, którzy podbili Paryż. Wystawa „École de Paris" w Warszawie tylko do 14 maja
Tylko do 14 maja w DESA Unicum będzie można zobaczyć wystawę „École de Paris". To ekspozycja poświęcona polskim artystom, którzy na przełomie XIX i XX wieku tworzyli w Paryżu obok największych mistrzów swoich czasów. Na zwiedzających czeka 54 dzieł. Wstęp bezpłatny.
École de Paris nie była instytucją w tradycyjnym rozumieniu. To nieformalne środowisko artystów, którzy przybyli do Paryża z Europy Środkowo-Wschodniej i znaleźli w nim przestrzeń do tworzenia na własnych zasadach. Stolica Francji przyciągała malarzy, rzeźbiarzy i poetów, dając im wolność, kontakt z awangardą i możliwość wystawiania obok Picassa czy Chagalla. W tym kręgu znaczącą rolę odegrali także Polacy. Okrągłe jubileusze Tegoroczna wystawa powstała z okazji trzech ważnych rocznic. W 2025 roku przypada 150. rocznica urodzin Meli Muter, 130. rocznica urodzin Zygmunta Menkesa oraz 100 lat od śmierci Eugeniusza Zaka. Każde z nich to osobna, fascynująca historia. Mela Muter – właściwie Maria Melania Mutermilch – była jedną z niewielu kobiet, które zdobyły w ówczesnym Paryżu prawdziwe uznanie. Wynajęła pracownię na Montparnassie tuż obok atelier Olgi Boznańskiej, kształciła się w Académie de la Grande Chaumière i wypracowała własny, rozpoznawalny styl. Malowała bezpośrednio na surowym, niezagruntowanym płótnie, często sięgając po tematy macierzyństwa i portretu. Na wystawie można zobaczyć trzy jej prace, w tym dwa obrazy dwustronne. Zygmunt Menkes przybył do Paryża w 1923 roku ze Lwowa, gdzie jako student zarabiał na życie, odnawiając kościoły. W stolicy Francji szybko zwrócił na siebie uwagę krytyka E. Tériade'a – tego samego, który promował Chagalla. Przed wybuchem II wojny światowej wyjechał do Nowego Jorku, gdzie wszedł w krąg polskiej emigracji i zaprzyjaźnił się z Tuwimem, Lechoniem i Wierzyńskim. Jego prace trafiły ostatecznie do Metropolitan Museum of Art i Whitney Museum. Na wystawie prezentowane są cztery jego dzieła. Eugeniusz Zak przyjechał do Paryża mając zaledwie 17 lat. Dziesięć lat później miał już za sobą indywidualną wystawę w prestiżowej Galerie Drouet. Przyjaźnił się z Muter, mieszkał z Menkesem i Chagallem, należał do Stowarzyszenia Artystów Polskich „Rytm". Jego malarstwo – spokojne, zamyślone, balansujące między rzeczywistością a marzeniem – przyciągało uwagę krytyków i kolekcjonerów. Zmarł nagle na atak serca w wieku 41 lat. Na wystawie można zobaczyć dwie jego charakterystyczne prace: „Matkę z dzieckiem" oraz „Chłopca na tle krajobrazu". 54 dzieła Ekspozycja jest imponująca. Obok prac trzech głównych bohaterów wystawy ekspozycja prezentuje również dzieła innych artystów związanych z École de Paris – Mojżesza Kislinga, Henryka Haydena, Tadeusza Makowskiego, Szymona Mondzaina czy Olgi Słomczyńskiej. Łącznie na zwiedzających czeka 54 prace. Dzisiaj twórczość polskich artystów z tamtego okresu stanowi fundament najważniejszych prywatnych zbiorów budowanych w latach 80. i 90., a kolekcjonerzy przywracają im należne miejsce w historii sztuki, czego przykładem była niedawna wystawa w Musée de Montmartre, prezentująca prace z kolekcji Marka Roeflera. Do 14 maja publiczność ma okazję zobaczyć aż 54 prace artystów podczas wystawy „École de Paris” w DESA Unicum, przy ul. Pięknej 1A w Warszawie. Wstęp bezpłatny.