Elle.pl
type: channel
link: https://decoration.elle.pl
date: 2026-05-22T09:13:00.000Z
update period: hourly
update frequency: 1
update base: 2000-01-01T12:00+00:00
items: Kultowe polskie słodycze zamienione w dzieła sztuki. Zobacz spektakularną wystawę Malwiny Konopackiej w Warszawie
items: 24 prezenty na Dzień Matki. Wybrałyśmy przedmioty, które ją zachwycą
items: Postindustrialne wnętrze przy Barskiej zmieniło się w wielką instalację. To jedna z najciekawszych wystaw tego roku
items: Karim Rashid o premierze dla polskiej marki LOOPE. Projektant wyjaśnia, jak stworzył meble o nieskończonym cyklu życia
items: AGD może być dziełem sztuki! ASKO na Milan Design Week z wystawą w Brera i stoiskiem na EuroCucina
items: Wystawa "Złoty Szept" w Warszawie. Malarstwo olejne Joanny Sarapaty połączone z porcelanową biżuterią Romany Bieleckiej
items: Next Design Summit 2026 ogłasza program i prelegentów. Konferencja dla architektów i projektantów już w maju
items: Polka współtworzy jedną z najbardziej kultowych kolekcji IKEA PS 2026. Te produkty znikną ze sklepów błyskawicznie!
items: Tajemnica ściętej głowy. Co naprawdę kryje się za najsłynniejszym ceramicznym symbolem Sycylii?
items: Polscy artyści, którzy podbili Paryż. Wystawa „École de Paris" w Warszawie tylko do 14 maja

Kultowe polskie słodycze zamienione w dzieła sztuki. Zobacz spektakularną wystawę Malwiny Konopackiej w Warszawie
type: item
date: 2026-05-22T09:13:00.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: wystawy
description: Czy kultowe słodycze mogą być inspiracją dla ceramicznych dzieł sztuki? Malwina Konopacka, jedna z najbardziej cenionych polskich projektantek, udowadnia, że jest to możliwe. Tak powstały autorskie projekty nawiązujące do ikonicznych produktów marki E.Wedel. Wystawa ,,Forma smaku” zabiera nas do wnętrza gigantycznej bombonierki, zapewniając unikalne doznania wizualne. Zobaczyć ją można już od 12 maja.
encoded: Projekt Malwiny Konopackiej ,,Forma smaku” to opowieść o świecie marki E.Wedel widzianym przez pryzmat formy, koloru i struktury. Jej autorska interpretacja świata czekolady to sentymentalna podróż przez wspomnienia z dzieciństwa, zapisana w formie unikatowych obiektów. Artystka dekonstruuje kultowe opakowania i przekłada je na język współczesnej rzeźby oraz ceramiki. Już sama forma staje się tu nośnikiem smaku, a czekolada punktem wyjścia dla kształtu i detalu. Ekspozycja bazuje na grze z percepcją widza. Znane słodycze czekoladowe zostały przetworzone w abstrakcyjne obiekty przestrzenne. Obok znanych już wazonów z kolekcji OKO czy pater pojawią się totemy – specjalnie zaprojektowane dla muzeum Fabryka Czekolady E.Wedel. To obiekty z pogranicza sztuk wizualnych i designu, które balansują między rzeźbą a użytkową formą, zachęcając do zabawy skalą, kolorem i perspektywą. Współczesność zakorzeniona w tradycji Artystka czerpie z historii polskiego wzornictwa i opakowań tworzonych dla marki E.Wedel, nawiązując do ducha projektów Zofii Stryjeńskiej czy Karola Śliwki. To, co zachwyca, to kunszt wykonania obiektów. Konopacka sięgnęła po technikę sgraffito, czyli wymagający proces nakładania barwionych warstw gliny i ich ręcznego zdrapywania w celu stworzenia wzoru. To bezpośredni ukłon w stronę tradycji produkcji Torcików Wedlowskich, w których każdy ornament od lat tworzony jest ręcznie z taką samą pasją i precyzją. W kolorystyce wazonów projektantka również zawarła DNA marki. Wykorzystała barwy najbardziej rozpoznawalnych opakowań: od szlachetnego kobaltu, przez czerwień charakterystyczną dla tabliczek czekolady Jedyna i pianek Ptasie Mleczko®, aż po delikatne tony beżu i ecru. Dzięki ręcznemu szkliwieniu obiekty zyskują głębię, stając się przestrzenną interpretacją graficznej historii marki E.Wedel. Bombonierka w skali XXL Dopełnieniem ekspozycji jest spektakularna instalacja Bombonierka, stworzona z autorskich płytek ceramicznych Pastele, które Malwina Konopacka zaproj…

4-17a8d73.jpg
width: 2005
height: 3024

24 prezenty na Dzień Matki. Wybrałyśmy przedmioty, które ją zachwycą
type: item
date: 2026-05-21T12:20:11.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: prezenty
subject: prezenty dla mamy
description: Dzień Matki to jedno z tych świąt, w których prezent nie powinien być rutyną. Bukiet kwiatów zwiędnie po tygodniu, bombonierka zniknie jeszcze tego samego dnia, a zdawkowa kartka z pewnością nie odda tego, co naprawdę chcielibyśmy powiedzieć.
encoded: W tegorocznym przewodniku zebrałyśmy 24 propozycje, które łączą światowe ikony dizajnu z propozycjami polskich pracowni i marek. Znajdą się tutaj zarówno klasyki, jak i nowoczesne odsłony rzemiosła, biżuterii czy kosmetyków. To lista prezentów dla Mamy estetki, podróżniczki, miłośniczki dizajnu, kawoszki czy kolekcjonerki drobnych skarbów. Filiżanka kawowa "Maria En Vogue Mint", Rosenthal Filiżanka „Maria En Vogue Mint" to spotkanie ponad stuletniej tradycji Rosenthala z nowoczesną, pastelową paletą. Delikatna mięta nadaje klasycznej formie lekkości i sprawi, że poranna kawa stanie się małą celebracją. Torebka pleciona, Bimba y Lola Pleciona torebka z rafii w odcieniu orzecha włoskiego to esencja śródziemnomorskiego stylu. Naturalny splot, skórzane detale i pojemny rozmiar sprawiają, że to wybór równie praktyczny, co modowy. Idealny dla Mamy ceniącej letnią elegancję bez wysiłku. Krzesło Panton, NAP Krzesło Panton od Vitry to ikona dizajnu, która od dekad zachwyca odważną, organiczną formą. Zaprojektowane przez Vernera Pantona, w roku jego setnych urodzin powraca jako manifest wiary w to, że meble potrafią poruszać zmysły i budować nastrój wnętrza. Znakomity prezent dla Mamy estetki. Zegarek, Longines Zegarki z kolekcji Longines DolceVita to ucieleśnienie włoskiej dolce vita w jej najbardziej wyrafinowanej odsłonie. Charakterystyczna prostokątna koperta inspirowana modelem z lat dwudziestych, tarcza ze wzorem „flinqué" i pasek z aligatora sprawiają, że to nie tylko zegarek, ale ponadczasowy akcent garderoby. Wersja klasyczna i mniejsza Mini DolceVita pozwalają dobrać projekt idealnie dopasowany do osobowości Mamy. Zawieszka MAMA, Apart Złota zawieszka „Mama" z Apartu to subtelna biżuteryjna deklaracja, którą można nosić blisko serca każdego dnia. Delikatna forma i ponadczasowy materiał sprawiają, że to prezent, który nie zna sezonowości, a swoją wartość zyskuje z każdym mijającym rokiem. Lampa zapachowa "Lolita", Maison Berger Paris Lampa zapachowa „Lolita" Maison B…

micheile-henderson-Afjk-6oFzPE-unsplash-ea14d86.jpg
width: 3456
height: 5184

Postindustrialne wnętrze przy Barskiej zmieniło się w wielką instalację. To jedna z najciekawszych wystaw tego roku
type: item
date: 2026-05-19T14:00:36.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: wystawy
description: Już od 16 do 29 maja Warszawa stanie się sceną jednego z najbardziej ambitnych projektów wystawienniczych tego roku. “OŚWIECENIE” to pierwsza w Polsce monograficzna wystawa tej skali poświęcona Markowi Bimerowi - artyście multidyscyplinarnemu, uznawanego za jednego z najważniejszych polskich twórców działających na styku współczesnej rzeźby i designu kolekcjonerskiego.
encoded: Ekspozycja prezentuje szerokie spektrum twórczości artysty - od najnowszych, monumentalnych realizacji powstałych w ostatnich latach, po wcześniejsze prace, które ewoluowały na przestrzeni ponad czterech dekad jego działalności. W centrum znajdą się rozbudowane instalacje świetlne oraz charakterystyczne obiekty, w których rzeźbiarska forma spotyka się ze światłem wewnętrznym, nadając dziełom nowy wymiar percepcyjny. Twórcze eksperymenty “Jestem rzeźbiarzem. W dziedzinie, która porusza się na granicy sztuki i funkcji użytkowej, moim punktem wyjścia zawsze była sztuka czysta. Obiekty świetlne są odnogą, którą zbudowałem, wychodząc z formy rzeźbiarskiej.” – mówi Marek Bimer. W swoich najnowszych realizacjach Bimer intensywnie eksperymentuje z materią i patyną, wydobywając z materiałów bogactwo barw, faktur i struktur. Podświetlona żywica, zestawiana z elementami patynowanego brązu, kamienia, aluminium, drewna czy stali, tworzy sugestywne, niemal organiczne formy. Artysta buduje instalacje przywodzące na myśl ławice ryb czy skłębione chmury, operując światłem i cieniem w sposób, który redefiniuje doświadczenie odbiorcy. ”To nie będzie wystawa artysty działającego konsekwentnie, według planu, ale takiego, który ciągle szuka nowych kierunków i wrażeń. I absolutnie niczego nie podsumowuje” - dodaje artysta, podkreślając, że jeszcze wiele możemy się od niego spodziewać. Wyjątkowe miejsce Wystawa zajmie ponad 1200 m2 postindustrialnej przestrzeni dawnej hurtowni farmaceutycznej przy ulicy Barskiej. Cztery kondygnacje pomieszczą ponad 100 obiektów, tworząc wielowarstwową narrację, w której architektura, światło i scenografia stanowią integralną całość. Surowy, industrialny charakter miejsca staje się naturalnym tłem dla prezentowanych prac, umożliwiając zarówno intymny kontakt z pojedynczymi obiektami, jak i doświadczenie spektakularnych, wielowymiarowych instalacji. Ekspozycja została zaprojektowana jako immersyjne doświadczenie, angażujące zmysły i emocje odbiorców. Różnoro…

https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/64/2026/05/C8226E55-61A9-4768-B7D5-C948DB6CD58C-140c1b6.jpg
width: 2356
height: 2381

Karim Rashid o premierze dla polskiej marki LOOPE. Projektant wyjaśnia, jak stworzył meble o nieskończonym cyklu życia
type: item
date: 2026-05-18T10:55:52.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: karim rashid
description: To nie jest zwykła targowa prezentacja, a manifest przyszłości projektowania. Podczas mediolańskich targów Salone del Mobile odbywa się oficjalna premiera trzech kolekcji marki LOOPE stworzonych we współpracy z Karimem Rashidem – jednym z najbardziej rozpoznawalnych projektantów na świecie.
encoded: Te organiczne, zmysłowe formy udowadniają, że meble zero waste mogą być wyrafinowane, uwodzicielskie i pozbawione jakichkolwiek kompromisów estetycznych. W wywiadzie dla Elle Decoration Karim Rashid opowiada o kulisach tej wyjątkowej współpracy, rezygnacji z tymczasowości oraz o meblach z „duszą”, które dzięki nieskończonemu cyklowi życia materiału nigdy nie staną się odpadem. Świat designu stoi u progu wielkiej zmiany – szukamy materiałów, które będą odpowiedzią na wyzwania klimatyczne, nie rezygnując przy tym z wysokiej estetyki. Twoja kolekcja dla LOOPE udowadnia, że nowoczesne tworzywa mogą posiadać 'animę', duszę. Czy uważasz, że przyszłość ekologicznego projektowania leży w materiałach, które dzięki swojej plastyczności pozwalają projektantowi na niemal biologiczną, rzeźbiarską ekspresję, pozostając jednocześnie w nieskończonym obiegu? KR: Tak. Wierzę, że przyszłość zrównoważonego designu musi być emocjonalna, zmysłowa i inteligentna. Zrównoważony rozwój nie może wyglądać jak wyrzeczenie. W LOOPE materiał ma „animę”, nie jest martwą materią. Jest żywy, bo może się odradzać, być przekształcany i kształtowany na nowo w nieskończoność. Jako twórcy daje mi wolność kreowania biologicznych, rzeźbiarskich, ludzkich form, przy jednoczesnej świadomości, że materiał trwa w cyrkulacyjnym obiegu. To jest właśnie przyszłość: piękno, technologia, odpowiedzialność i emocja jako jeden spójny system. Hasłem LOOPE jest Endless circular craft. W świecie zdominowanym przez tymczasowość, Ty proponujesz obiekty, których życie nigdy się nie kończy, bo materiał po prostu zmienia swoją formę. Co w Twojej osobistej hierarchii wartości projektowych jest najważniejsze w idei obiegu zamkniętego? Czy to poczucie odpowiedzialności za przyszłość produktu, czy może wolność, jaką daje świadomość, że materiał jest wieczny? KR: Dla mnie cyrkularność to jednocześnie odpowiedzialność i wolność. Odpowiedzialność oznacza, że muszę myśleć o pełnym procesie życia przedmiotu, nie tylko o momencie jego …

LOOPE-x-Karim-RashidANIMA-collection-4-ee62377-e1779101494159.jpg
width: 3493
height: 3938

AGD może być dziełem sztuki! ASKO na Milan Design Week z wystawą w Brera i stoiskiem na EuroCucina
type: item
date: 2026-05-15T10:32:33.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: design
subject: kuchnia
subject: łazienka
subject: mediolan
description: W dniach 20–26 kwietnia Mediolan stał się sceną dla opowieści o tym, jak może wyglądać współczesny dom: świadomy, piękny i zaprojektowany z niezwykłą precyzją. Bohaterem tej historii była bez wątpienia marka ASKO!
encoded: Skandynawska marka AGD zajęła dwa adresy jednocześnie. Były to pop-up showroom w Brera Design District oraz stoisko na EuroCucina 2026 w Salone del Mobile, i w obu miejscach konsekwentnie trzymała się tej samej idei: precyzja, trwałość oraz skandynawskie rzemiosło w wydaniu premium. Spójna wizja marki premium ASKO, marka o ponad 75-letniej historii, konsekwentnie rozwija swoje portfolio w oparciu o skandynawskie dziedzictwo projektowe, łącząc minimalizm, funkcjonalność i trwałość. Obecność podczas Milan Design Week 2026 podkreśla jej pozycję w segmencie premium oraz zdolność do tworzenia rozwiązań odpowiadających na potrzeby współczesnego użytkownika. Sami zobaczcie, jak marka zaprezentowała się na najważniejszych targach designu w Europie. Gdy pralka staje się eksponatem Przy Via A. Manzoni 39 marka ASKO otworzyła tymczasowy showroom, w którym przez cały tydzień Fuorisalone gościła wystawa „Art, Inside Out.". Projekt powstał we współpracy z duetem projektowym Draga & Aurel. Wystawa łączyła funkcjonalność z artystyczną ekspresją, ukazując, jak techniczna precyzja urządzeń AGD może współgrać z głębią sztuki. Draga & Aurel wykorzystali żywicę do transformacji urządzeń, w tym nagrodzony system Scandinavian Laundry Care 2.0, w ponadczasowe dzieła. Dzięki temu domowa przestrzeń zamieniła się w galerię. W tym samym miejscu odbyły się dwa panele dyskusyjne w ramach cyklu Design Talks. Rozmowy skupiły się na dwóch tematach: relacji między sztuką a technologią w projektowaniu oraz ponadczasowych zasadach skandynawskiego wzornictwa. W dyskusjach wzięli udział m.in. Draga Obradović, Aurel Basedow, Lara Bohinc i Chen Min. EuroCucina 2026 w praktyce Z kolei podczas EuroCucina 2026 ASKO zaprezentowało swoją ofertę pod hasłem „Precision Matters”. W tym ujęciu precyzja stanowi kluczowy element wpływający na trwałość produktów, efektywność energetyczną oraz komfort użytkowania. Ma to odzwierciedlenie w kluczowych innowacjach ASKO w kuchni i pralni, a ich rezultatem są piekarniki Cel…

ASKO-x-Draga-Aurel-Showroom-3-Refrigeration-f592617.jpg
width: 6000
height: 4000

Wystawa "Złoty Szept" w Warszawie. Malarstwo olejne Joanny Sarapaty połączone z porcelanową biżuterią Romany Bieleckiej
type: item
date: 2026-05-15T05:33:49.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: wystawy
description: W Maison d'Art Gallery przy Wilczej 60 w Warszawie trwa właśnie wystawa, która trzeba koniecznie zobaczyć. "Złoty Szept" to kolekcja prac, w której malarstwo olejne spotyka się z porcelanową biżuterią pokrytą złotem i platyną. To twórczy dialog dwóch artystek: Joanny Sarapaty oraz Romany Bieleckiej.
encoded: To nie tylko kadry zatrzymane na płótnie. Wystarczy podejść bliżej i przyjrzeć się, by zobaczyć że na powierzchni malarskiego dzieła jest coś więcej. To drobny, przestrzenny detal, który wyrasta z obrazu jak szept, który ktoś zostawił w połowie zdania. Porcelanowa forma pokryta 24-karatowym złotem lub platyną jest integralną częścią twórczego dialogu dwóch artystek. Dwie artystki, jeden język Joanna Sarapata, malarka od lat badająca granice między figurą a emocją, prezentuje swoją najnowszą kolekcję prac, po raz pierwszy wprowadzając do swoich płócien elementy rzeczywistej biżuterii. Ich autorką jest Romana Bielecka - artystka, której porcelanowe formy łączą precyzję rzemiosła z wrażliwością rzeźby. W spotkaniu tych dwóch światów przestrzenne detale żyją w symbiozie. Są niczym delikatny szept, który przyciąga uwagę i nadaje obrazowi tajemniczy, hipnotyzujący charakter. Twórczy dialog Kolekcja "Złoty Szept" to rozmowa prowadzona na kilku poziomach jednocześnie. Między materią płótna a blaskiem złota. Między gestem malarki a ciszą, którą ten gest pozostawia. Między tym, co widzi oko, a tym, co czuje się dopiero po chwili. Artystki zapraszają do świata, w którym kobiecość nie jest tematem obrazu. Jest jego językiem.

GoldenWhisperCollage-0b79d67-e1778672138207.jpeg
width: 10426
height: 8420

Next Design Summit 2026 ogłasza program i prelegentów. Konferencja dla architektów i projektantów już w maju
type: item
date: 2026-05-13T11:30:09.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: design
subject: wydarzenia
description: Znamy program i patronów majowego Next Design Summit – biletowanej konferencji dla projektantów. Połowa biletów jest już sprzedana.
encoded: Druga edycja konferencji Next Design Summit, zaplanowana na 29 maja 2026 w Muzeum Historii Polski w Warszawie, w tym roku odbywa się z bardziej rozbudowanym programem merytorycznym, mocnymi nazwiskami prelegentów oraz rozszerzoną, wieczorną częścią networkingową, w tym wydłużonym wieczornym spotkaniem branży. Ogłoszono program i listę prelegentów, a agenda - wypracowana przez Radę Programową złożoną z praktyków rynku - odpowiada na wyzwania, z jakimi mierzą się dziś architekci. Branża projektowania wnętrz nie potrzebuje kolejnej rozmowy o trendach. Potrzebuje rozmowy o pieniądzach, standardach i szacunku do pracy projektanta. View Gallery on the source website Drugą edycję Next Design Summit wspierają partnerzy biznesowi z branży wyposażenia wnętrz oraz czołowe media, w tym partner strategiczny GQ Poland, co potwierdza rangę wydarzenia jako jednego z najważniejszych spotkań branży w Polsce. To ostatni moment na zakup biletów przez projektantów. Skala i środowisko, które definiuje rozmowę Next Design Summit od początku budowany jest jako wydarzenie dla osób decyzyjnych - właścicieli pracowni, liderów zespołów i projektantów, którzy odpowiadają nie tylko za estetykę, ale również za wynik finansowy, zespół i rozwój swoich firm. W pierwszej edycji udział wzięli przedstawiciele czołowych polskich pracowni, m.in.: NOKE Architects, Tremend, MIXED, Bajer Sokół, Sikora Interiors, Kres Architekci, Dash Interiors, Hanna Pietras Architects, Naboo Studio, Studio Anna Koszela, Artewizjon, Zajdel Interiors oraz wielu innych projektantów aktywnie działających w segmencie residential, hospitality i commercial. Struktura uczestników edycji 2025 pokazała dojrzałość rynku – 30% stanowiły osoby z doświadczeniem 10–20 lat, 37% z doświadczeniem 6–10 lat, a 19% z doświadczeniem 3–6 lat. Znaczną część uczestników stanowili właściciele i założyciele biur projektowych. W grupie dominowali architekci wnętrz (80%), natomiast architekci kubaturowi stanowili 20%. Program odpowiadający na wyzwania…

Next-Design-Summit-Muzeum-Historii-Polski-db01d4d.jpg
width: 2500
height: 1932

Polka współtworzy jedną z najbardziej kultowych kolekcji IKEA PS 2026. Te produkty znikną ze sklepów błyskawicznie!
type: item
date: 2026-05-13T10:59:53.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: ikea
description: IKEA oficjalnie prezentuje dziś dziesiątą edycję kolekcji IKEA PS 2026. Trzydzieści jeden lat po debiucie w Mediolanie kultowa linia wraca z trzema projektami, które trudno zignorować.
encoded: Zaprezentowane nowości to już nie tylko funkcjonalne meble w skandynawskim stylu. Tym razem chodzi o coś więcej: o emocje, lekkość i odrobinę zaskoczenia. W rolach głównych: dmuchany fotel, obrotowa lampa i bujana ławka polskiej projektantki. IKEA PS 2026 Czy kolekcja IKEA PS 2026 stanie się hitem? Wszystko na to wskazuje. IKEA PS 2026 już teraz wzbudza emocje, bo pokazuje coś świeżego i nieoczywistego. To propozycja dla tych, którzy szukają we wnętrzach czegoś więcej niż tylko funkcji; chcą też odrobiny charakteru, luzu i kreatywności. Dziesiąta edycja koncentruje się wokół „zabawnej funkcjonalności", której rezultatem są przedmioty użyteczne i dobrze zaprojektowane, ale z nieoczekiwanym elementem, który sprawia, że trudno przejść obok nich obojętnie. W serii IKEA PS 2026 znajdują się dmuchany fotel Mikaela Axelssona, bujana ławka Marty Krupińskiej oraz trójkierunkowa lampa od projektanta Lexa Potta . Produkty trafią do sklepów stacjonarnych już jutro, 14 maja. W pozostałych kanałach sprzedaży od 12 czerwca. Dmuchany fotel Hitem kolekcji jest fotel. Solidny, wygodny i… dmuchany! IKEA próbowała zaprojektować mebel tego typu już latach 90., ale wszystkie próby kończyły się fiaskiem. Do teraz. Mikael Axelsson przetestował 20 prototypów, używając nawet opony od traktora, by finalnie twórczy eksperyment zakończył się sukcesem. Bo dwie oddzielne, regulowane komory powietrzne otulone soczystą, zieloną tkaniną i zamknięte w chromowanej, rurowej ramie nie tylko wyglądają atrakcyjne, ale i gwarantują komfort siedzenia. Fotel ma zwartą sylwetkę, przeszedł wszystkie standardowe testy wytrzymałościowe IKEA (nawet pazurki czworonożnych pupilów mu nie straszne! i dostarczany jest w płaskim opakowaniu z pompką nożną w zestawie. Brzmi nieprawdopodobnie? A jednak! Przetestowałyśmy to na własne oczy. Pobujaj się! Wśród projektów zaprezentowanych w kolekcji IKEA PS 2026 znajduje się też bujana ławka polskiej projektantki. Pomysł jest prosty, ale radość, jaką daje ogromna! Sosnowa, sol…

PH208171-88b5b4a.jpg
width: 6198
height: 7749

Tajemnica ściętej głowy. Co naprawdę kryje się za najsłynniejszym ceramicznym symbolem Sycylii?
type: item
date: 2026-05-12T11:49:13.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: porcelana
subject: sycylia
description: Andrzej Kareński-Tschurl kontynuuje swoją podróż po porcelanowym świecie. Tym razem zatrzymuje się na sycylijskim balkonie, gdzie od wieków stoi głowa Maura. Czy wiecie, co naprawdę kryje się za najsłynniejszą legendą Sycylii?
encoded: Tekst: Andrzej Kareński-Tschurl Wiele zachwycających artystycznych wytworów powstało w wyniku cierpienia, obsesji czy tragicznych wydarzeń. Piękno bowiem często niestety skrywa mroczne historie. Mroczne sekrety Ciemne lochy bez dopływu świeżego powietrza i katorżnicza praca przy rozżarzonych piecach, a co najgorsze, brak najmniejszych perspektyw na poprawę losu. Robotników traktowano jak niewolników i pilnowano z obawy o zdradę tajemnic pozwalających na produkcję „białego złota”. To obraz daleko odbiegający od opowieści o subtelnych figurkach tancerek, biskwitowych aniołkach czy filiżankach z cienkiej porcelany. Recepturę na produkcję tej cennej materii odkryto w Europie ponad 300 lat temu w Miśni. Niebawem powstały konkurencyjne manufaktury w Wiedniu, Sèvres pod Paryżem, Berlinie i Kopenhadze, a rywalizacja między nimi to opowieść o szpiegostwie, zdradach i ludzkim cierpieniu. Sycylijskie legendy Historie o kruchym pięknie często budzą grozę, podobnie jak opowieść związana z sycylijską ceramiką, która przybiera formę głowy Maura. Jest wiele wersji legendy opowiadającej o romansie pięknej mieszkanki Palermo, która podobno zakochała się w obcym, ciemnoskórym przybyszu. Wybuchł skandal i oboje zostali ścięci, a ich głowy wystawiono jako donice na balkonie domu jej arystokratycznej rodziny. Inna wersja mówi o zemście zdradzonej Sycylijki, która nie zamierzała darować swemu kochankowi porzucenia jej i decyzji o powrocie do rodzinnego domu oraz żony i dzieci. Postanowiła zatrzymać go na zawsze, ścinając mu głowę, a w niej jak w donicy posadziła bazylię rosnącą najbujniej na całej wyspie. Niezależnie od wersji tej historii, która wciąż fascynuje rzemieślników i artystów, Testa di Moro jest symbolem namiętności, zemsty oraz wiecznej pamięci o ukochanej osobie i nieodzownym elementem sycylijskiego dziedzictwa. Głowy Maura i Kobiety to jedne z najbardziej popularnych pamiątek przywożonych z włoskiej wyspy. Ich tajemnicze piękno wciąż odmienia balkony, ogrody i tarasy w różny…

Sycylijskie-glowy-3adc967.jpg
width: 1755
height: 1241

Polscy artyści, którzy podbili Paryż. Wystawa „École de Paris" w Warszawie tylko do 14 maja
type: item
date: 2026-05-11T14:06:34.000Z
creator: Beata Gniewosz
subject: Design
subject: wystawy
description: Tylko do 14 maja w DESA Unicum będzie można zobaczyć wystawę „École de Paris". To ekspozycja poświęcona polskim artystom, którzy na przełomie XIX i XX wieku tworzyli w Paryżu obok największych mistrzów swoich czasów. Na zwiedzających czeka 54 dzieł. Wstęp bezpłatny.
encoded: École de Paris nie była instytucją w tradycyjnym rozumieniu. To nieformalne środowisko artystów, którzy przybyli do Paryża z Europy Środkowo-Wschodniej i znaleźli w nim przestrzeń do tworzenia na własnych zasadach. Stolica Francji przyciągała malarzy, rzeźbiarzy i poetów, dając im wolność, kontakt z awangardą i możliwość wystawiania obok Picassa czy Chagalla. W tym kręgu znaczącą rolę odegrali także Polacy. Okrągłe jubileusze Tegoroczna wystawa powstała z okazji trzech ważnych rocznic. W 2025 roku przypada 150. rocznica urodzin Meli Muter, 130. rocznica urodzin Zygmunta Menkesa oraz 100 lat od śmierci Eugeniusza Zaka. Każde z nich to osobna, fascynująca historia. Mela Muter – właściwie Maria Melania Mutermilch – była jedną z niewielu kobiet, które zdobyły w ówczesnym Paryżu prawdziwe uznanie. Wynajęła pracownię na Montparnassie tuż obok atelier Olgi Boznańskiej, kształciła się w Académie de la Grande Chaumière i wypracowała własny, rozpoznawalny styl. Malowała bezpośrednio na surowym, niezagruntowanym płótnie, często sięgając po tematy macierzyństwa i portretu. Na wystawie można zobaczyć trzy jej prace, w tym dwa obrazy dwustronne. Zygmunt Menkes przybył do Paryża w 1923 roku ze Lwowa, gdzie jako student zarabiał na życie, odnawiając kościoły. W stolicy Francji szybko zwrócił na siebie uwagę krytyka E. Tériade'a – tego samego, który promował Chagalla. Przed wybuchem II wojny światowej wyjechał do Nowego Jorku, gdzie wszedł w krąg polskiej emigracji i zaprzyjaźnił się z Tuwimem, Lechoniem i Wierzyńskim. Jego prace trafiły ostatecznie do Metropolitan Museum of Art i Whitney Museum. Na wystawie prezentowane są cztery jego dzieła. Eugeniusz Zak przyjechał do Paryża mając zaledwie 17 lat. Dziesięć lat później miał już za sobą indywidualną wystawę w prestiżowej Galerie Drouet. Przyjaźnił się z Muter, mieszkał z Menkesem i Chagallem, należał do Stowarzyszenia Artystów Polskich „Rytm". Jego malarstwo – spokojne, zamyślone, balansujące między rzeczywistością a marzeniem – pr…

DESA-UnicumMaria-Melania-MutermilchKobieta-w-rozowej-sukiencelata-40.-XX-wiekuest.300000-400000zl-433eef9-e1778497746634.jpeg
width: 997
height: 1124