Wystawa „Regeneracja” w Domu Noti. Design jako przestrzeń dialogu
Wystawa „Regeneracja” zorganizowana w Domu Noti została zainspirowana prezentacją designu, która odbyła się w budynkach Rady Unii Europejskiej i Parlamentu Europejskiego w Brukseli oraz w Parlamencie Europejskim w Strasburgu.
Wydarzenia te zorganizowane zostały przez Instytut Adama Mickiewicza w ramach zagranicznego programu kulturalnego polskiej Prezydencji w Radzie Unii Europejskiej finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego. „Regeneracja”, będąca częścią pierwotnej ekspozycji, będzie dostępna dla odwiedzających w Domu Noti do końca listopada. „Regeneracja” w Domu Noti Prezentowana za granicą „Regeneracja” stanowiła twórczy głos Polski w dialogu europejskim. Kuratorką oraz autorką hasła „Regeneracja” jest Aleksandra Kędziorek, zaś za projekt aranżacji odpowiadała architektka wnętrz Katarzyna Baumiller. Będąca częścią pierwotnej ekspozycji wystawa zaprezentowana jest w warszawskim Domu Noti, gdzie polski design zawsze pozostaje w centrum spotkań, prezentacji i dyskusji. Zorganizowanie tutaj wystawy pozwoliło przenieść ekspozycję ze Strasburga, uzupełnioną o obiekty twórców obecnych na wystawie w Brukseli. - Co ciekawe, układ pomieszczeń w Domu Noti na warszawskiej Sadybie okazał się niemal identyczny jak w siedzibie Europarlamentu. Dzięki temu aranżacja przestrzeni konferencyjnej i przylegającego do niej minisalonu mogła zostać wiernie przeniesiona do tej lokalizacji. Efektem jest wyjątkowa instalacja, zapraszająca do refleksji nad rolą designu we współczesnym świecie – komentuje Katarzyna Baumiller, kuratorka wystawy w Domu Noti Artyści i projektanci Wśród artystów i projektantów wystawy znaleźli się: AS Ćmielów / Fabryka Porcelany, BAAURA, Bimer light, BY HUMANS SPACE, DERIVE, FORMATE, Maciej Gąsienica Giewont, Gwiazda Studio, Malwina Konopacka, Piotr Kuchciński, Lines and Lines, MOST, Motyw Print, Mozi Studio, Pani Jurek, Alicja Patanowska, Monika Patuszyńska, Pawlak&Stawarski, Mati Sipora, Filomena Smoła, Speculo Studio, Magdalena Szmydtke, Arkadiusz Szwed, The Good Living & Co., Totem Studio, UAU Project, Paweł Zajiczek, Wanda Zawidzka-Manteuffel, Aleksandra Zawistowska. Wystawa jest otwarta od 11 września do 30 listopada br., od poniedziałku do piątku w godzinach 10:00–18:00.
O drewnie, które staje się sztuką. Kolejna odsłona cyklu "Mistrzowie materii" w ELLE Decoration
Nie ma dwóch identycznych drzew i nie ma dwóch takich samych kawałków drewna. Nie ma też dwóch artystów rzemieślników tak samo pracujących z tym materiałem.
W kolejnej odsłonie naszego jubileuszowego cyklu „Mistrzowie materii” prezentujemy pięcioro różnych twórców. Łączy ich talent i pasja. Do drewna podchodzą z wielką miłością i tworzą z niego wyjątkowe rzeczy CYRYL ZAKRZEWSKI Pierwsze krzesło, które stworzył, wciąż jest mu szczególnie bliskie. Model Dune, o którym mowa, powstał w trakcie współpracy Cyryla Zakrzewskiego z fundacją Nowy Model w technice, której twórca używa do dziś. Skleja ze sobą odpowiednio wycięte warstwy drewna i sklejki, a później rzeźbi. I nie ma tu zaskoczenia, jeśli się wie, że Zakrzewski studiował rzeźbę. Drewno zawsze go fascynowało jako materiał naturalny, a jednocześnie stwarzający ogromne możliwości nadawania mu wyjątkowych kształtów. Formy, które tworzy, łączą dizajn, naturę i sztukę. W niezwykły sposób wydają się splatać nawiązania do przeszłości i wyobrażenia przyszłości z inspiracjami fantastycznych kształtów, jakie można napotkać w przyrodzie. Zanim jednak powstaną te biomorficzne, kunsztowne meble i przedmioty, Cyryl Zakrzewski rysuje starannie swoje pomysły. Jego idee materializują się po wielu dniach intensywnej pracy z materiałem. Stale rozwija się i doskonali warsztat, w każdym nowym projekcie osiągając kolejny poziom mistrzostwa. Jego talent i kunszt zostały docenione w kraju i za granicą. Można je znależć w słynnej galerii Rossany Orlandi. AGNIESZKA ŚNIADEWICZ-ŚWICA Tato Agnieszki pracował jako snycerz przy rekonstrukcji Zamku Królewskiego. Później rodzice założyli pracownię konserwatorską, której tradycje dziś kontynuuje Agnieszka. Oprócz konserwacji cennych mebli i dzieł sztuki Square Drop współpracuje z projektantami i pomaga im zrealizować pomysły wymagające kunsztownego rzemiosła. Manufaktura tworzy też własne, oryginalne projekty w duchu idei „Future Antiques”. Splatają się w nich współczesne trendy ze świata dizajnu z najznakomitszymi tradycjami rzemiosła artystycznego. To rzeczy o niepowtarzalnych, niebanalnych formach, wykonane tak misternie, że nie ma wątpliwości, iż przetrwają długie dziesięciolecia. Goszczą na wystawach i targach w Polsce i za granicą, czasem nie wracając już z cudzoziemskich wojaży. Ławka Minimal Empire autorstwa Agnieszki prezentowana podczas paryskich targów Maison&Objet trafiła do apartamentu nieopodal katedry Notre-Dame, meble z kolekcji Oddity do Londynu i Nowego Jorku. Warto też dodać, że prestiżowy przewodnik Homo Faber Guide, poleca Square Drop, a my mu wtórujemy! TOM BENSARI Gdy jego dzieci były małe, zaczął tworzyć dla nich meble i zabawki z drewna. Jego kariera zawodowa rozwijała się świetnie (pracował jako CEO w dużych firmach), ale najpierw hobbystycznie, a jednak bardzo sumiennie i metodycznie, zaczął zgłębiać tajniki stolarstwa. Zapragnął tworzyć finezyjne, eleganckie meble wymagające rzemiosła niezwykle wysokiej jakości. Pomysł na markę i manufakturę Bensari Ébénistes zrodził się naturalnie. Każdy obiekt o eleganckich proporcjach, który opuszcza pracownię, jest niczym hołd złożony kunsztownemu rzemiosłu i materiałom – wielka miłość do drewna jest tu widoczna i w ogóle, i w szczególe. „Dostrzegam melancholijną naturę drewna” – mówi Tom Bensari. Meble z manufaktury trafiają do różnych zakątków świata także dzięki temu, że Bensari Ébénistes jest reprezentowane przez prestiżową galerię StudioTwentySeven. Sukces dodał Tomowi skrzydeł. Jego plany zaczęły wykraczać poza tworzenie wyjątkowych mebli. Tom powołał bowiem do życia Bensari Workshop, aby szkolić w mistrzowskim rzemiośle, które jest fundamentem istnienia jego manufaktury. A to dopiero początek, bo w planach jest także założenie pierwszej w Polsce profesjonalnej szkoły Designer-Maker o profilu stolarskim. ALEKSANDER ONISZH Jego przygoda z drewnem zaczęła się kilkanaście lat temu od stworzenia prostej szafy na potrzeby scenografii teatralnej. Studiował architekturę, ale wtedy w teatrze zrozumiał, że praca z drewnem, przy projektach o skali, jaką mają meble, a nie budynki, daje mu więcej satysfakcji. Dziś tworzy autorskie meble. Działa organicznie – z impulsów, intuicji, obserwacji i refleksji rodzą się pomysły. Rysuje je szybko, ale czasem odkłada na dłużej, by dojrzały. Pracuje w technice, którą ktoś nazwał „szkicowaniem w drewnie”. W istocie jego praca – na wielu etapach czasochłonna i wymagająca – bliższa jest rzeźbieniu. Najpierw starannie buduje z desek bryłę, a później, używając piły taśmowej, odejmuje zeń tyle, ile trzeba. Z tego spotkania człowieka z maszyną – z rozumienia przez twórcę jej tempa, mocy, nacisku, drgań – powstają rzeczy niepowtarzalne. Nawiązują subtelnie do przeszłości, ale są realizowane w sposób nowoczesny i z nowatorskim zacięciem. Z większej odległości sylwetki mebli Olka Oniszha wydają się proste, niemal pierwotne. Te pozory znikają przy bliższym spotkaniu i dotknięciu. Przyciągają fakturą, ukazują zamknięte w nich liczne idee i odkrywają wielki kunszt, uważność i wrażliwość autora na każdy detal. MACIEJ GĄSIENICA-GIEWONT Pochodzi z Zakopanego, w jego rodzinie tradycje stolarskie sięgają kilku pokoleń. On też wybrał drewno, ale obrał inną drogę. Pragnął mieć własną pracownię i wpływ na cały proces twórczy. Miał 18 lat, gdy obejrzał katalog wystawy amerykańskich tokarzy, i wiedział już, że tą ścieżką chce podążać. Ale w Polsce nie było nikogo, kto robiłby to, co go zafascynowało, w sposób, na jakim mu zależało. Uczył się sam, swój warsztat szlifował eksperymentując i tak dochodził do najlepszych rozwiązań. Pracuje na tokarce i używa ręcznych narzędzi. Do fascynujących wizualnie efektów, które Maciej Gąsienica-Giewont osiąga w swych pracach, prowadzi długa droga. Najwięcej czasu zajmuje wytaczanie środka i nacinanie cienkich rowków. Za najprzyjemniejszy moment twórca uważa ten, w którym nadaje drewnu kształt. Od 15 lat mieszka i tworzy w Warszawie. Od 30 jest wierny obranej drodze. Praca jest jego wielką pasją, a natura największą inspiracją. Oddaje jej część praw autorskich, nazywając współautorką. „To kawałek drewna podpowiada mi, jaka będzie ostateczna forma” – mówi Maciej Gąsienica-Giewont. O tym, że rozumie podszepty natury, świadczą misterne, oryginalne i fascynujące formy, które tworzy.
25 lat i Wielka 25-tka. Poznaj nominowanych w plebiscycie z okazji jubileuszu ELLE Decoration
Od 25 lat razem z nimi odkrywamy siłę, znaczenie i potencjał polskiego wzornictwa. Dlatego z dumą prezentujemy 25 projektantów i studiów projektowych, których praca i wizje ukształtowały krajobraz rodzimego designu.
Z okazji naszego jubileuszu ogłaszamy plebiscyt na Projektanta 25-lecia ELLE Decoration – wyjątkowe wyróżnienie dla twórców, którzy w ciągu ostatniego ćwierćwiecza mieli realny wpływ na rozwój polskiego designu i nadali mu międzynarodowy wymiar. Każdy z nominowanych twórców mówi własnym językiem formy, myślenia i wyobraźni. Inspiruje kolejne pokolenia i łączy piękno z funkcją. Do 16 listopada możecie oddawać głosy na swojego kandydata - do czego Was gorąco zachęcamy. Jan Ankiersztajn Jan Ankiersztajn, projektant, rzeźbiarz, który przyciągnął światową uwagę dzięki swojemu surowemu, minimalistycznemu podejściu do aluminium i niezwykle manualnemu warsztatowi. Surowe, ręcznie formowane meble i obiekty tworzone są jego autorską techniką, łącząc brutalizm z czułością na dźwięk i detal. Jego kolekcje pokazywano w Mediolanie w galerii Rossana Orlandi, a wystawa Body of Work w Galerii Objekt utwierdziła go jako twórcę balansującego między dizajnem a rzeźbą. Skupia się na własnej pracy, unikając związków z wielkimi koncernami, choć zdarzyło mu się projektować dla firmy Electrolux. Obecnie działa niezależnie w Poznaniu, tworząc limitowane serie kolekcjonerskie. Tomasz Augustyniak Tomasz Augustyniak, jeden z najważniejszych polskich projektantów wzornictwa przemysłowego, od ponad dwóch dekad współpracujący z markami takimi jak Noti, Profim, Marbet Style czy Balma. Tworzy meble do domu, biur i przestrzeni publicznych, łącząc estetykę z funkcjonalnością – jego projekty trafiły m.in. do stałej ekspozycji Galerii Wzornictwa Polskiego w Muzeum Narodowym w Warszawie. Jako założyciel Tomasz Augustyniak Studio, znany jest z kompleksowego podejścia do projektowania, od pojedynczych mebli po całe kolekcje i strategie marek – a jego doświadczenie czyni go jedną z najbardziej wpływowych postaci współczesnego polskiego dizajnu. Marek Cecuła Marek Cecuła to mistrz ceramiki, który potrafi sprawić, że codzienność nabiera artystycznego smaku, który łączy ceramiczną sztukę z codzienną elegancją. Jego projekty nie są tylko piękną zastawą — to emocje i opowieści zaklęte w porcelanie. Jego kolekcje, takie jak geometryczny Qubus, dynamiczny zestaw Ergo czy elegancka seria Touch of Blue dla Ćmielów Dizajn Studio, pokazują, że codzienne przedmioty mogą mieć rzeźbiarski charakter i głębię. Projektował dla DESA Home i Modus Dizajn, a świat docenił za harmonijne połączenie użytkowej porcelany ze sztuką, pełne konceptualnego ładunku i refleksji nad pamięcią kulturową i formą przedmiotu użytkowego oraz umiejętność dodania sztuce użytkowej prawdziwego charakteru. Maja Ganszyniec Maja Ganszyniec, najbardziej utytułowana polska projektantka, założycielka Studio Ganszyniec, która od 2020 pełni też funkcję dyrektorki kreatywnej producenta Profim. Kieruje się zasadą „do no harm”, tworzy meble i akcesoria przyjazne zarówno użytkownikom, jak i środowisku naturalnemu. Zasłynęła wieloma kultowymi projektami, m.in. modułową kolekcją SONA, ekologicznym krzesłem Normo, ceramicznymi stołami Oka, czy realizacjami dla IKEA. Z jej portfolio pochodzi także ceramiczna kolekcja Modernizm, która łączy rzeźbiarską formę z cyrkularnymi rozwiązaniami. Współpracuje z takimi markami jak Duka, Comforty, Noti, Paradyż, a także prowadzi własną markę Nurt. Paweł Grobelny Paweł Grobelny, projektant, który zamienia miejskie przestrzenie w miejsca odpoczynku, spotkań i dobrego nastroju. Jego realizacje takie jak skwer na Chwaliszewie w Poznaniu, panoramiczna promenada nad Jeziorem Słupeckim, czy miejskie platformy w paryskiej La Défense zdobywają międzynarodowe nagrody i uznanie za subtelność, funkcjonalność i wyjątkowe wyczucie kontekstu. Współpracował z wieloma firmami m.in. z Balmą i Noti, a jego znakiem rozpoznawczym jest minimalistyczna forma, która nie dominuje, lecz zaprasza do odpoczynku, refleksji oraz bycia tu i teraz. Grobelny projektuje przestrzeń miejską jak dobrą scenografię do życia. Nie jest nachalnie nowoczesny, nie rzuca się w oczy, ale sprawia, że miejskie chwile wśród natury smakują lepiej. Marta Niemywska Grynasz i Dawid Grynasz/Grynasz Studio Marta Niemywska-Grynasz i Dawid Grynasz to założyciele multidyscyplinarnego Grynasz Studio. Ten duet łączy produktowe wzornictwo, scenografię i instalacje miejskie. Znani z realizacji m.in.: modułowego zestawu Modulor, interaktywnego Sieciiska czy praktycznego mebla‑zabawki Ssstolik. Ich realizacje często wykorzystują naturalne lub materiały z recyklingu i trafiają do przestrzeni publicznych, festiwali oraz wystaw. Studio współpracuje z markami i instytucjami takimi, jak Kaspa, Bizzarto, Instytut Wzornictwa Przemysłowego, Narodowy Instytut Audiowizualny, Polska Akcja Humanitarna oraz Wrocław Dizajn Festival, co sprawia, że ich projekty funkcjonują na pograniczu dizajnu, architektury i społecznej interwencji. Szymon Hanczar Szymon Hanczar, mistrz prostoty, który udowadnia, że mniej naprawdę znaczy więcej. Jego lekkie, funkcjonalne i minimalne projekty idealnie wpisują się w styl życia oparty na harmonii i wygodzie. Tworzy proste, acz sprytne i pełne wdzięku przedmioty, w których każdy detal ma swoją funkcję i cel. Współpracuje z markami takimi jak take me HOME (krzesła Honza), Barlinek czy Geberit, a jego wnętrza – od slow mieszkań po nowoczesne przychodnie – zawsze łączą estetykę z codziennym komfortem. Hańczar potrafi z pozornie zwyczajnych elementów stworzyć przestrzenie, w których po prostu dobrze się żyje w codziennym komforcie bez zbędnego przepychu. Jadwiga Husarska-Sobina Jadwiga Husarska-Sobina, projektantka i założycielka krakowskiego studia Husarska Dizajn, znana łączenia nowoczesnego wzornictwa z odpowiedzialnością środowiskową. Do jej najważniejszych projektów należą krzesło ALDO, lekkie, gięte z jednego kawałka drewna i prezentowane w Mediolanie, kolekcja dziecięcych mebli Hoppa oraz eksperymentalny materiał ze słomy konopnej, który ma szansę zastąpić drewno w produkcji. Świat dostrzegł w jej pracy odwagę innowacji i realne zaangażowanie w zrównoważony rozwój. Współpracuje z polskimi markami takimi jak Paged Meble, Bellamy, Nowy Styl, Sanswiss czy EgzoTech. Projektuje rzeczy ładne, funkcjonalne i przyszłościowe, z myślą o tym, jak naprawdę żyjemy. Maria Jeglińska-Adamczewska Urodzona we Francji Maria Jeglińska-Adamczewska to kolejna ważna postać polskiego dizajnu. Dziś pracuje w Warszawie, tworząc projekty, które łączą rzemieślniczą precyzję z lekką, graficzną ekspresją. Jej najważniejsze realizacje to kolekcja porcelany Nathalie & George, mobilny zestaw donic i siedzisk The Portable Landscape oraz stół Circles i siedzisko Goodie. Świat docenił jej wyczucie formy i materiału oraz połączenie skandynawskiej prostoty z emocją rysunku. Jeglińską wyróżnia subtelność, dbałość o materiały i wyraziste wzornictwo pozbawione zbędnego ornamentu. W Polsce współpracuje z markami Kristoff i MDD, dla których stworzyła porcelanowe i miejskie kolekcje – zawsze dopracowane w detalu, a przy tym pełne lekkości i charakteru. Kabo & Pydo Studio KABO & PYDO to duet Katarzyny Borkowskiej i Tomasza Pydo, który za cel postawił sobie rozwiązywanie codziennych niedogodności z kreatywną lekkością. Projektują ceramikę (kubki Twiggy, Modern, Woody, Flux dla AVANT), funkcjonalne doniczki OXY dla Opeko, narzędzia ogrodnicze dla Cellfast i eleganckie meble we współpracy z Nobonobo/Miloni – wszystko zawsze z myślą o tym, żeby było pięknie i praktycznie. Ich projekty charakteryzują się minimalistyczną formą, innowacyjną ergonomią (np. kabel-regulator lampy Owijka czy modułowe naczynia i talerze jak puzzle) oraz ogromną dbałością o detale. Swoimi projektami Studio KABO & PYDO starają się trafić w sedno potrzeb użytkownika, promując jednocześnie harmonię i prostotę w życiu. Jan Kochański Jan Kochański to polski projektant, którego pasja do projektowania sięga dzieciństwa spędzonego w pracowni ojca rzeźbiarza i matki architektki. Absolwent ASP w Warszawie i Politecnico di Milano, ma także za sobą doświadczenia w pracowni Karima Rashida. W swoich realizacjach łączy matematyczną precyzję z elegancką prostotą form. Jego projekty to m.in. innowacyjna szczotka i szufelka, kolekcji szkła Primitivo dla Krosno D’sign, czy systema modułowych sof i stolików dla Comforty. Współpracuje z takimi polskimi markami jak Comforty, BanQ, Krosno D’Sign i Menu, tworząc przedmioty codziennego użytku, które zachwycają funkcjonalnością, estetyką i świadomością materiału. Malwina Konopacka Malwina Konopacka, warszawska projektantka i ilustratorka , która stworzyła kultową ceramiczną kolekcję OKO, czyli ręcznie malowane wazony, które balansują pomiędzy sztuką a dizajnem. Do jej najważniejszych projektów należą inspirowane roślinnością serie oraz rzeźbiarskie formy jak instalacja Fontanna, czy totemiczne wazony z kolekcji POP, stanowiące pomost między użytkowym wzornictwem a sztuką. Jej prace wyróżnia ilustracyjna lekkość, wyrazisty kolor i autorski styl, który zamienia użytkowe naczynia w artystyczne manifesty. Malwina współpracuje z polskimi markami i instytucjami, takimi jak Porcelanowa, MAMSAM, Slavia Kolektiv, Puro Hotels, a także tworzy autorskie limitowane kolekcje i instalacje we współpracy z instytucjami kultury i markami premium. Zawsze projektuje z humorem, lekkością i charakterem, nadając przedmiotom codziennego użytku artystyczny impuls. Krystian Kowalski Krystian Kowalski to uznany polski projektant produktów, wykształcony w Royal College of Art i na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dziś prowadzi własną pracownię Krystian Kowalski Industrial Dizajn. Znany przede wszystkim z organicznych, rzeźbiarskich foteli takich jak Woo dla IWC Home czy Loop dla Bizzarto, które wyróżnione były prestiżową nagrodą Red Dot w 2025 roku. Współpracuje z polskimi i zagranicznymi markami, takimi jak Noti (Prism, Nordic), Comforty (Anvil), MDD (Grace, Fat Frank), Tylko (Type 02) tworząc przemyślane kolekcje łączące estetykę, komfort i innowacyjne technologie. Dorota Koziara Dorota Koziara to projektantka i kuratorka, która swoją karierę rozpoczęła od stażu u legendy włoskiego dizajnu, Alessandro Mendiniego. Z jego atelier czerpała inspiracje przez blisko dekadę, zanim założyła własne studio w Mediolanie. Najbardziej znana jest z realizacji takich projektów jak instalacja „12 Angeli”, świeczniki Wind of Salento (zamówione przez Diora), oraz stylowe wnętrza dla marek Alessi, Swatch, Bisazza i Comforty. W Polsce współpracowała m.in. z Grupą Tubądzin (kolekcja „Kolory Polski”, Cielo e Terra), Manufakturą w Bolesławcu i marką Comforty, a także z Tatuum, kiedy połączyła ludowe inspiracje z nowoczesnym minimalizmem w kolekcji NeoFolk. Piotr Kuchciński Piotr Kuchciński, wybitny polski projektant o architektonicznym wykształceniu, znany przede wszystkim z mebli-kameleonów, które dopasowują się do różnych wnętrz, zachowując przy tym czystą, geometryczną formę i uniwersalny charakter. Współpracuje od lat z czołowymi markami takimi jak NOTI (kolekcje Clapp, Trefle, Manta, Rotor), VOX (4 YOU) i Balma (H2), zbierając prestiżowe nagrody, na przykład tytuł Dizajnera Roku 2012 przyznany przez Instytut Wzornictwa Przemysłowego. Jego projekty wyróżniają się nowatorską funkcjonalnością i ponadczasowym minimalizmem, to użytkowe wzornictwo, które idealnie wpasowuje się w nowoczesny styl życia. Robert Majkut Robert Majkut to jeden z najbardziej wyrazistych polskich twórców, którego styl można rozpozbać po zmysłowych formach, odważnym stosowaniu barw i typowym futurystycznym sznycie. Projektował dla Alior Banku, Moliera 2 czy Tonsilu, tworząc przestrzenie, które łączą technologiczne rozwiązania z organicznymi formami, przez co jego projekty są żywe i zmysłowe, pełne dramaturgii, co wywołuje zaskakujące emocje, ale zawsze z myślą o komforcie i emocjach użytkownika. W jego dorobku są zarówno spektakularne wnętrza Multikina w Złotych Tarasach, jak i luksusowa rezydencja Oasis House, każdy z tych projektów pokazuje, że wnętrza mogą być jednocześnie funkcjonalne, odważne i po prostu piękne. Alicja Patanowska Alicja Patanowska to wrocławska artystka ceramiczka, garncarka i projektantka, która łączy tradycyjne rzemiosło z ekologicznym podejściem do tworzenia. Najbardziej znana jest z instalacji Plantacja, która powstała z zebranego z ulicy szkła, które wykorzystała jako naczynia do hydroponicznej uprawy roślin i skłania do refleksji nad nadmierną konsumpcją i dystrybucją zasobów. Warto też wspomnieć o kolekcji Stratum, łączącej ręcznie formowane szkło i porcelanę, czy cyklu Infinity, z abstrakcyjnymi formami powstałymi na kole garncarskim. Jej prace wielokrotnie zdobywały nagrody (Must Have, Mazda Dizajn Award) oraz trafiały do takich kolekcji placówek takich jak Muzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Regionalne w Stalowej Woli oraz w kolekcji sztuki Hotelu Europejskiego w Warszawie. Jest pierwszą Polką, której instalacja trafiła do Victoria and Albert Museum („The Ripple Effect” z 2025 roku). W ramach London Design Festival. Pawlak & Stawarski Studio Pawlak & Stawarski to dynamiczne, poznańskie duo projektantów, Bartłomieja Pawlaka i Łukasza Stawarskiego, które łączy artystyczną wrażliwość z funkcjonalnym, ponadczasowym podejściem do wzornictwa, z lekkością tworząc eleganckie projekty w nowoczesnym wydaniu. Ich krzesła Arch dla Fameg zachwyciły precyzją i miękką geometrią, ceramika Otok dla Bolesławca wniosła świeżość do tradycji, a modułowa lampa Star dla Eugenius to ukłon w stronę elastycznego dizajnu biurowego. Projektowali m.in. dla Fameg, Noti, Omnires i Zakładów Ceramicznych „Bolesławiec”, a wyróżnia ich dbałość o detal i umiejętność nadawania codziennym przedmiotom wyjątkowego nastroju. Marcin Rusak Marcin Rusak, projektant, który z lekkością i subtelnością wprowadza naturę do sztuki użytkowej. Jego flagowa seria Flora to meble, lampy i komody z żywicy, w której zatapia spęczniałe kwiaty. Jego prace to gotowa koncepcja zmienności natury i upływu czasu, która w efekcie przypomina holenderskie pejzaże kwiatowe, ale opowiedziane współczesnym językiem. Autorska technika przyniosła Rusakowi międzynarodowe uznanie, a w 2022 roku został pierwszym Polakiem wyróżnionym prestiżową nagrodą EDIDA jako Young Dizajn Talent of the Year przyznane przez redakcje całego Elle Decoration świata. Dziś współpracuje z Carpenters Workshop Gallery, tworząc projekty, które są jednocześnie piękne, nostalgiczne i pełne refleksji nad naturą i przemijaniem. Tomek Rygalik Tomek Rygalik to jeden z najbardziej rozpoznawalnych polskich projektantów – znany z realizacji, które są funkcjonalne, racjonalne i ponadczasowe. Współpracuje z takimi markami jak Comforty, Noti czy Paged, a jego projekty, przykładowo kultowe siedzisko Circula czy meble dla marki LOOPE wykonane z materiałów z recyklingu, podbijają nie tylko polską scenę, ale i międzynarodowe gusta. Rygalik, twórca Studio Rygalik oraz wykładowca, aktywnie współtworzy współczesną scenę polskiego dizajnu. Magdalena Hubka, Piotr Grzybowski / Swallow’s Tail Marka Swallow’s Tail Furniture została założona przez dwoje projektantów związanych z Wrocławską Akademią Sztuk Pięknych: Magdalenę Hubkę, absolwentkę wydziału Grafiki artystycznej i Piotra Grzybowskiego, który ukończył Architekturę wnętrz. Choć projektowaniem mebli zajmują się już od 1999 roku, to dopiero w 2012 roku rozpoczęli budowę własnego studia i manufaktury. Ich działalność łączy rzemiosło z projektowaniem — stawiają na wysoką jakość wykonania, autorskie wzornictwo oraz szlachetne materiały, tworząc meble o wyrazistym, ale ponadczasowym charakterze. Atutem studia atutem jest fakt, iż sami tworzą kolekcją i je produkują. Są odpowiedzialni za cały proces – od projektu po finalny wyrób, dzięki czemu sygnowane Swallow’s Tail Furniture produkty cechuje wysoka jakość, solidne wykonanie i dopracowane wzornictwo. Nikodem Szpunar Nikodem Szpunar to jeden z najciekawszych projektantów młodego pokolenia w Polsce. Poprzez odważne eksperymenty łączy lekką, minimalistyczną estetykę z praktyczną wielofunkcyjnością. Ma w sobie wrażliwość artysty, ale z funkcjonalnym podejściem do przedmiotów codziennego użytku. Tworzy dla marek takich jak Paged, Noti, Befame, Tylko czy Balagan, a jego projekty takie jak krzesła ICHO, kolekcja PROP czy lampa Mosquito zaskakują lekkością formy i dbałością o detal. Szpunar wyróżnia się umiejętnością balansowania pomiędzy wzornictwem użytkowym a konceptualnym, wyczuciem materiału i współczesnej estetyki. Tabanda Tabanda to gdańskie trio projektantów – Małgorzata Malinowska, Filip Ludka i Tomek Kempa – którzy z pasją łączą architektoniczne podejście z dziecięcą radością formy. Z zamiłowaniem do sklejki, stali i prostych form tworzą meble lekkie, pełne radości i charakteru. Ich krzesło Diago, inspirowane origami oraz modułowa półka Dynks pokazywane były na DMY Berlin i Milan Dizajn Week, zdobywając uznanie za funkcjonalność i świeże spojrzenie na dizajn. Projektowali dla Noti, VOX i LIKO-S, a wyróżnia ich swobodny, organiczny styl z nutą zabawy, lokalnym sznytem i dużą dawką sympatii do naturalnych materiałów. Każdy ich projekt kryje nutę organiczności: zakręt w formie, ukryty detal roślinny czy niebanalny kolor, jakby natura pukała do drzwi dizajnu. Oskar Zięta Samozwańczy projektant procesów i kowal własnego losu. Zięta to wizjoner i wynalazca, który całkowicie zmienił podejście do metalu. Jego autorska technologia FiDU, czyli formowanie stali pod wysokim ciśnieniem, jak sam mówi, narodziła się… z błędu produkcyjnego. Pozwala ona tworzyć formy, które są jednocześnie meblem, rzeźbą i… ikoną wzornictwa. Kultowy Plopp, pozornie lekki niczym balon, trwały jest jak stal. To on dał początek całej serii bestsellerów: od wersji mini do oryginalnego mebla, porzez ultralekkie krzesło Superlegger, po lustrzane „pączki z dziurą”, czyli efektowne Rondo. Zięta z finezją łączy świat sztuki, dizajnu i inżynierii, udowadniając, że metal może być zaskakująco lekki, funkcjonalny i pełen poezji formy. Aleksandra Żeromska Aleksandra Żeromska to polska projektantka i założycielka Studio w Walencji, znana z mistrzowskiego łączenia sztuki i dizajnu przez pryzmat emocji, marzeń i słowiańskich korzeni. Jej najbardziej rozpoznawalnym dziełem jest ceramiczny serwis Kawki dla hiszpańskiej marki Lladró; filiżanki, dzbanek i cukiernica w formie ptaków, które angażują wszystkie pięć zmysłów i tworzą baśniowy rytuał picia kawy. Wielkim sukcesem Żeromskiej była także kolekcja The Forest Spirits dla włoskiej marki Bosa: pełne uroku ceramiczne duchy lasu, które żyją w świecie folkloru i magii natury. Polka współpracuje z takimi markami jak Kaflarnia Karny, a dla marki Królik, gdzie pełni funkcję dyrektora kreatywnego. Jej prace znalazły się w międzynarodowych wystawach i prestiżowej liście AD100.
To już kolejna piątka w cyklu „25 na 25-lecie”. Tym razem przedstawiamy mistrzów metalu!
Metale są silnie przywiązane do swej formy i nie poddają się bez walki. Oni jednak nadają im niespotykane kształty – subtelne, rzeźbiarskie, bliskie naturze albo geometryczne i rytmiczne.
To kolejna już odsłona naszego jubileuszowego cyklu “25 na 25-lecie ELLE Decoration”, w której przedstawiamy utalentowanych twórców. Tym razem tych, którzy swoje sukcesy wykuwają w metalu. OSKAR ZIĘTA Jego sukcesu nie byłoby, gdyby nie błąd. On w błędzie dostrzegł potencjał. Tak powstała nowatorska i autorska technologia FIDU. To skrót od niemieckich słów oznaczających swobodne odkształcanie ciśnieniem wewnętrznym. Odpowiedź materiału, przez wielu specjalistów uważana za błąd produkcyjny, stała się fundamentem nowych kierunków rozwoju inżynierii. Zięta w nowej technologii FIDU stworzył stołek Plopp. Lekki, rzeźbiarski obiekt nie przypominał niczego, co dotąd powstało. Projekt przykuł uwagę świata wzornictwa i rozsławił swojego autora. Od premiery Ploppa minęło 17 lat, a w tym czasie Oskar Zięta stał się gwiazdą. Nie zatracił świeżości spojrzenia, a jednocześnie dysponuje dziś ogromną wiedzą i doświadczeniem. Z wielką swobodą splata światy: sztuki, dizajnu i inżynierii. Jest twórcą licznych mebli, lamp, rzeźb i instalacji. Jest autorem jednego z najlżejszych krzeseł na Ziemi – modelu Superleggera i wizualnie lekkich, a jednak gigantycznych „pączków” z dziurką – Rondo, które podbiły świat luksusowych wnętrz. Wydaje się, że wszystko przychodzi mu z lekkością. Jest bez wątpienia utalentowany, ale swój sukces wykuł w metalu tytaniczną pracą. Jest, o czym często wspomina, kowalem własnego losu. Z metalowych metafor nadalibyśmy mu jeszcze przydomek „złotousty”. Od lat z niesłabnącą pasją opowiada o swoich projektach. JAN GARNCAREK Jest absolwentem warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, studiował także na mediolańskiej politechnice. Pracował dla Towarzystwa Projektowego, a w 2017 roku otworzył własną pracownię. Dziś jego studio DyeHause mieści się w postindustrialnej przestrzeni byłej żyrardowskiej farbiarni tkanin. To właśnie tu powstają niezwykłe projekty, w których można odnaleźć dyskretne nawiązania do art déco, ale i niemal kosmiczne, futurystyczne formy. To przedmioty subtelne, a jednocześnie wyraźnie zaznaczające swą obecność w przestrzeni – rzeczy niczym rzeźby. Projektanta fascynują japońskie ogrody, dzieła Anselma Kiefera i Anisha Kapoora. W pracach Eweliny Mąkosy docenia jej postrzeganie relacji między człowiekiem a obiektem. Projektant przyznaje, że w swojej twórczości czerpie także z pasji do strzelectwa sportowego. Ta dyscyplina, tak jak i praca z metalem, wymaga ogromnej precyzji. Metal oznacza dla niego trwałość i jakość. To przekonanie wyniósł z rodzinnego domu, w którym metalowe przedmioty były synonimem luksusu i solidnego rzemiosła. On sam szczególnie ceni mosiądz, a my doceniamy nie tylko mosiężne, ale wszystkie jego projekty. JAN ANKIERSZTAJN Studiował na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu oraz na Design Academy Eindhoven. To tam wybrał metal i pozostaje mu wierny. Formy, które tworzy z aluminium, zachwycają rozmachem, ale i subtelną fakturą. Projektant do mistrzostwa doprowadził swój warsztat i technikę. Długo gromadził narzędzia, eksperymentował, zgłębiając różne techniki. Dziś używa szerokiego instrumentarium i autorskich metod. Młotkuje, kurczy i rozciąga aluminium. Perfekcyjnie opanował technikę spawania arkuszy tego metalu. Czyni – stawiający przecież opór – materiał plastycznym. „Moje projekty wydają się proste, ale stoi za nimi rozbudowany proces technologiczny, wymagający umiejętności. Doskonalenie techniki to jest moja główna inspiracja do działania” – powiedział w jednym z wywiadów. Jego aluminiowe obiekty są masywne, lecz zarazem mają pewną łagodność i wizualną miękkość. Są bez wątpienia efektowne, choć nigdy nie efekciarskie. Wszystkie spełniają swe funkcje, a w przestrzeni wyglądają niczym rzeźby. Meble i przedmioty jego autorstwa brały udział w prestiżowych wystawach w kraju i za granicą. Można je znaleźć w słynnej mediolańskiej galerii Rossany Orlandi i warszawskiej Objekt. MATI SIPIORA Z metalem zna się dobrze od dzieciństwa. Spędził mnóstwo czasu w zakładzie wyrobów metalowych swojego taty. Po studiach z projektowania zaczął łączyć tradycyjne rzemiosło z nowoczesnym myśleniem projektowym. Okazało się, że potrafi z metalu wykreować świetne meble, lampy i praktyczne drobiazgi o oryginalnych formach. Ale po kolei. Najpierw bowiem Mati Sipiora rysuje. Tak zaczyna się dla niego każda idea projektowa. A rysować uwielbia – to dla niego forma medytacji. Z rozrysowanym pomysłem przenosi się do zakładu i zaczyna pracę z metalem. Na etapie prototypowania weryfikuje i ulepsza, a sam materiał często podszeptuje mu rozwiązania. O tym, że okazują się doskonałe, przekonują dojrzałe projekty Sipiory. Gdy pokazał efekty pracy w social mediach, natychmiast wzbudziły duże zainteresowanie, a na żywo robią jeszcze większe wrażenie. Krzesło Poodle to nasz ulubieniec, ale dobrych i ciekawych rzeczy autorstwa Matiego Sipiory jest coraz więcej. Szybko założył autorską markę. Dziś ją rozwija i cieszy się, że jego projekty towarzyszą w codzienności ludziom z różnych zakątków świata. FORMSOPHY Są absolwentami krakowskiej ASP – Alicja Prussakowska ukończyła wzornictwo, a Jakub Kijowski rzeźbę. Aluminium fascynuje ich swoją plastycznością. Nie traktują go jednak jako materiału, który chcą w pełni kontrolować. Znają i cenią wartość tradycyjnych technik rzemieślniczych, ale najchętniej eksperymentują. „Srebrna, lustrzana tafla rozgrzanego aluminium to surrealistyczny widok. Możemy nadać jej dowolną formę i wyraz. A gdy zastygnie, staje się czymś nowym, określonym przez nas” – mówią, nie kryjąc pasji. Od niedawna mieszkają na wsi i czują się coraz silniej związani z ziemią. Rzeczne kamienie i meandrujące rzeki, skały smagane wiatrem i deszczem – ciekawi ich to, jak czas powoli je zmienia. Natura nadaje kierunek ich pracy – sięgają po kamienie czy minerały i łączą je z metalem. Tak kreują obiekty o surowym, niemal szorstkim rysie, a jednocześnie organiczne w wyrazie. Świadomie korzystają z naturalnych właściwości używanych surowców, nie próbując ich przekształcać wbrew naturze. I trzeba przyznać, że to podejście przynosi w ich wykonaniu zjawiskowe efekty. Choć duet Formsophy zadebiutował zaledwie dwa lata temu, jego rzeźbiarski stół Taru i ławka Runi od razu przykuły uwagę. O projektantach z Krakowa jest coraz głośniej. Warto im się przyglądać!
MOVE IN jako idealna przestrzeń dla inwestora i mieszkańca
WITA 77 w Gdańsku to inwestycja, która redefiniuje pojęcie komfortu. Mieszkania wykończone w standardzie move in oferują coś więcej niż gotowe wnętrza – to przestrzenie stworzone z myślą o ludziach, ich stylu życia i czasie, który dziś liczy się najbardziej.
Na gdańskiej Strzyży, w jednej z najbardziej poszukiwanych dzielnic miasta, powstaje inwestycja, która odpowiada na realne potrzeby mieszkańców. WITA77 to nie tylko budynek – to gotowe miejsce do życia. Inwestycja Invest Komfort została zaprojektowana tak, by od pierwszego dnia po odebraniu kluczy można było zacząć nowy rozdział swojego życia – bez stresu czy remontów. Standard move in oznacza, że każde mieszkanie jest już w pełni wykończone – od drzwi i podłóg po kuchnię, łazienkę oraz zabudowy meblowe. Wszystko zostało dokładnie przemyślane i dopracowane tak, by od razu można było się wprowadzić. To rozwiązanie, które oszczędza czas, pieniądze i nerwy, a przede wszystkim daje poczucie spełnienia. Ta przestrzeń od razu staje się domem Decydując się na mieszkanie w standardzie move in, nie trzeba zaczynać od pustych ścian i listy wydatków. Przestrzeń, którą zapewnia Invest Komfort, to wnętrze gotowe do codziennego życia. W standardzie znajdują się m.in.: dębowe deski podłogowe marki Kaczkan, włoskie płytki Casalgrande Padana, armatura Grohe, sprzęt AGD Bosch, Siemens i Samsung, blaty ze spieku kamiennego, zabudowy meblowe wykonane na wymiar. Każdy materiał wybrano nie tylko ze względu na estetykę, lecz także trwałość i wygodę użytkowania. Dzięki temu mieszkanie już od progu daje poczucie harmonii i dobrze zaprojektowanej całości. To idealna propozycja dla tych, którzy cenią elegancki design, ale nie chcą tracić czasu na remont. Komfort, w który warto zainwestować Standard move in to także realne korzyści – zarówno dla osób, które kupują mieszkanie na własny użytek, jak i dla inwestorów. Całość realizowana jest przez zespół doświadczonych projektantów i wykonawców, którzy od lat pracują dla Invest Komfort. Oznacza to, że cały proces, od koncepcji po realizację, przebiega płynnie i starannie. Tu liczy się każdy detal. Dla inwestorów move in to gotowy lokal usługowy, który może natychmiast trafić na rynek najmu. Bez konieczności dodatkowego wykończenia czy doposażenia. Wysoki standard wnętrz i prestiżowa lokalizacja WITA77 sprawiają, że mieszkania te są nie tylko funkcjonalne, ale także atrakcyjne dla potencjalnych najemców. To propozycja, która nie wymaga kompromisów. Uniwersalny styl i wolność aranżacji Jedną z największych zalet mieszkań move in jest ich stylistyczna uniwersalność. Invest Komfort zadbał o to, by wnętrza stanowiły solidną i estetyczną bazę, którą łatwo dopasować do własnego gustu. Przygotowano dwie propozycje aranżacji wnętrz: KUOO Tamizo Architects – wnętrza spokojne i przytulne, idealne do wprowadzenia własnych akcentów. Together Studio – aranżacja pełna kontrastów i nowoczesnych form, dająca nieograniczone możliwości twórczej adaptacji. Oba projekty pokazują, że mieszkania move in mogą być zarówno minimalistycznym tłem dla osób szukających spokojnego życia, jak i inspiracją do twórczej ekspresji. Obejrzyj, przemyśl, podejmij decyzję Invest Komfort daje przyszłym mieszkańcom i inwestorom możliwość osobistego doświadczenia jakości move in. W mieszkaniu pokazowym można zobaczyć, jak prezentują się na żywo materiały, detale wykończenia i ogólna atmosfera wnętrz. To więcej niż prezentacja – to okazja, by poczuć, jak mieszka się w miejscu zaprojektowanym z myślą o codziennym komforcie. Spotkania odbywają się w kameralnej atmosferze, co pozwala skupić się na tym, co najważniejsze – jakości i spójności całości. To także doskonały moment, by porozmawiać o możliwościach personalizacji i zobaczyć, jak przestrzeń może zmieniać się w zależności od potrzeb i stylu życia. WITA77 dziś, kolejne projekty jutro Invest Komfort zrealizowało już wiele inwestycji, takie jak Nowe Orłowo, Nadmorski Park, Okrzei czy Portova. Obecnie standard move in dostępny jest w inwestycji WITA77, ale Invest Komfort już zapowiada jego rozszerzenie na kolejne projekty. To jasny kierunek rozwoju – oferowanie mieszkań, które są gotowe nie tylko do zamieszkania, ale też do życia w pełnym tego słowa znaczeniu. Move in to coś więcej niż udogodnienie. To nowa definicja jakości, estetyki i komfortu. To rozwiązanie dla tych, którzy wiedzą, że czas i przestrzeń to cenne wartości. Korzystając z Invest Komfort można po prostu otworzyć drzwi – i zacząć mieszkać. Materiał promocyjny Invest Komfort
Aleksandra Stasik i żakard „Włókniarki”. Rozmawiamy z laureatką w konkursie MŁODZI NA START 2024
Miesiące pracy, setki szkiców, a potem obrady jury dowiodły, iż mimo lat doświadczeń i obserwacji wciąż się uczymy. 13. edycja konkursu ELLE Decoration pokazała, jak zdolnych twórców kształcą rodzime uczelnie i jak bliskie ich sercu są naturalne środowisko, lokalne wytwórstwo i warsztat rzemieślniczy. Tym razem przedstawiamy Wam laureatkę II nagrody: Aleksandrę Stasik i jej „Włókniarki”.
II nagrodę ex aequo wręczono Aleksandrze Stasik za projekt tkaniny żakardowej „Włókniarki” oraz Idze Staszczak i Antoninie Wolskiej za kolekcję ZBIÓR. Żakard „Włókniarki” to manifest. Hołd złożony rzemiosłu. O projekcie w wywiadzie z redaktorką Ksenią Kaniewską-Jurczyszyn mówiła sama autorka. Ksenia Kaniewska-Jurczyszyn: Skąd pomysł na tkaninę, żakard, zabytkowe krosna? Aleksandra Stasik: Z krwi i kości jestem góralką; tradycyjne rzemiosło zawsze było mi bliskie. Ukończyłam zakopiańskie liceum im. Kenara. W klasie dyplomowej, pół roku przed obroną, zmieniłam grafikę na tkaninę. Później trafiłam na łódzką ASP. Ksenia Kaniewska-Jurczyszyn: Czy nagrodzony żakard to część Twojego dyplomu? Aleksandra Stasik: Takie było założenie, lecz ze względu na wydłużony czas jego realizacji praca ta powstała już po dyplomie, a broni- łam się z druku na tkaninie. Dyplomową historię włókniarek opowiedziałam w innym medium. Poprzez kolaż, mocne barwy, krzykliwość druku chciałam przekazać zaczerpnię- tą z książki „Aleja Włókniarek” historię anonimowych kobiet, która łączy moje Zakopane, Łódź, ale przede wszystkim losy zapomnianych robotnic i tkaczek. Ich milczenie sta- ło się nieodłączną częścią nigdy niespisanej historii. Ksenia Kaniewska-Jurczyszyn: Często w swoich projektach nawiązujesz do tradycji? Aleksandra Stasik: Rzeczywiście, na przykład praca „Powrót do korzeni” powstała w technice druku na tkaninie inspirowana jest moim regionem. Zależało mi, żeby była wykonana w bardziej korzystnej dla środowiska technice sitodruku, sam wzór natomiast to współczesna interpretacja tradycyjnej ornamentyki, ubiorów i kultury góralskiej. Sylwetki tańczących górali i gó- ralek przeplatają się tu z motywami roślinności tatrzańskiej. Ksenia Kaniewska-Jurczyszyn: A skąd pomysł na wykorzystanie przędzy z odzysku? Aleksandra Stasik: Uczelnia miała ogromne zapasy materiału, m.in. z upadają- cych zakładów. Zdecydowałam się wykorzystać przędzę na osnowę z tkalni, co jednak bardzo ograniczało kolorystykę. A że zależało mi na mięsistości żakardu, wątek zakupi- łam już we własnym zakresie. Ksenia Kaniewska-Jurczyszyn: I pracowałaś na XIX-wiecznych krosnach? Aleksandra Stasik: Tak. Najpierw trzeba było stworzyć tzw. kratkówkę. Każdy kwadracik zamalowywałam ręcznie, sprawdzałam, liczy- łam przewiązania, by zgadzały się parametry. Potem wybija się karty – na ten raport trzeba było stworzyć ich koło 500, co trwało pół roku! Potem już zostaje proces tkania, wykonywany przez kierownika tkalni na ASP. Wyjątkowo mozolna praca. Zniechęca czy zachęca? Z pewnością jest to wyzwanie, bo nawet sama umiejętność przygotowania krosna jest bardzo trudna. Ale tkanina i tradycyjne rzemiosło się odradzają. A kiedy zasiadasz przed XIX-wiecznymi krosnami, emocje są nie do przecenienia W tym roku tematem konkursu Młodzi na start jest: „Uczeń kontra mistrz. Dialog z ikonami XX wieku”. Na Wasze prace czekamy do 21 września! Wszystkie szczegóły i formularz zgłoszeniowy znajdują się tutaj: https://www.elle.pl/decoration-landingpage/mlodzi-na-start-2025
Domowe spa zaczyna się od wody. Ten system zamienia codzienną pielęgnację w zmysłowy rytuał
Łazienka przestała być tylko miejscem codziennej rutyny – dziś to przestrzeń intymna, która koi i regeneruje. Właśnie w taką filozofię wpisuje się prysznic GROHE Rainshower Aqua Pure, który sam filtruje wodę. Łączy piękno designu z ideą spa i świadomej pielęgnacji.
Cisza poranka. Unoszący się w powietrzu zapach ulubionego balsamu. Miękki szlafrok, ciepłe światło i woda spływająca po ciele jak letni deszcz. To nie obrazek z luksusowego resortu, lecz wizja współczesnej łazienki – prywatnego azylu dla zmysłów, w którym każdy element wnętrza ma znaczenie. Zmieniające się podejście do życia, zwrot ku uważności i trosce o siebie wpływa na sposób, w jaki projektujemy nasze domy. Tu nie chodzi już tylko o estetykę, lecz o świadome przeżywanie codzienności. Łazienka staje się strefą osobistego resetu, a woda – narzędziem odnowy. Właśnie w tym duchu powstał nowy system prysznicowy GROHE Rainshower Aqua Pure, który dzięki funkcji filtracji wody wprowadza nowe standardy i redefiniuje znaczenie słów „codzienny prysznic”. Prysznic jako rytuał W świecie designu coraz silniej obecna jest koncepcja well-being. Marka GROHE szuka odpowiedzi na nasze rosnące potrzeby estetycznego i funkcjonalnego komfortu. Prysznic nie jest już bowiem tylko czynnością higieniczną – staje się ważnym codziennym rytuałem. Pozwala zmyć z siebie zmęczenie i złe emocje oraz zregenerować ciało i umysł. GROHE Rainshower Aqua Pure wpisuje się w ten trend, oferując użytkownikom nie tylko wygodę, ale i emocjonalne ukojenie. Starannie „zaprojektowany” strumień wody, minimalistyczna forma i zaawansowana technologia tworzą warunki do prawdziwego odpoczynku – zarówno fizycznego, jak i mentalnego. Pielęgnacja zaczyna się od wody Codzienny kontakt z wodą może stać się kluczowym elementem pielęgnacji – pod warunkiem, że jej jakość dorównuje pięknu formy. Tak właśnie jest w przypadku GROHE Rainshower Aqua Pure. Został on wyposażony w zintegrowany filtr Aqua Pure, który usuwa chlor i nieprzyjemne zapachy, poprawiając jakość wody. To rozwiązanie, które ma realny wpływ na kondycję skóry, włosów i na samopoczucie. Delikatniejsza woda sprzyja codziennej pielęgnacji. Filtrowana woda wypływa bezpośrednio ze słuchawki prysznicowej, co czyni system GROHE idealnym wyborem dla projektów wellness i osób stawiających na świadomą regenerację. Przestrzeń łazienki zamienia się w centrum równowagi – miejsce, w którym ciało i umysł odzyskują harmonię. Technologia w służbie zdrowiu GROHE Rainshower Aqua Pure to nie tylko komfort, ale też inteligentne rozwiązania, które pozwalają dostosować doświadczenia prysznicowe do własnych potrzeb. Deszczownica, dostępna w dwóch eleganckich formach – okrągłej (średnica 360 mm) i prostokątnej (400 × 230 mm) – wręcz otula ciało wodą. Strumień Rain relaksuje ciało i zmysły, a ActiveRain doskonale sprawdza się do spłukiwania i masażu skóry. Równie wielozadaniowa jest słuchawka prysznicowa, która oferuje trzy tryby: Rain, Active Massage i Rain+ (delikatny strumień wzbogacony powietrzem). Technologia GROHE SmartControl pozwala na pełną personalizację intensywności strumienia i temperatury wody. System zapamiętuje preferowane ustawienia, co oznacza, że każdy prysznic rozpoczyna się od idealnych parametrów. Pokrętła o metalicznym wykończeniu są nie tylko piękne, ale również funkcjonalne. Umożliwiają regulację intensywności strumienia od pełnego do ekologicznego, z dbałością o każdy detal ergonomii. Forma inspirowana architekturą GROHE Rainshower Aqua Pure stanowi również manifest stylu – jego minimalistyczna forma zachwyca czystością linii i elegancją detalu. Wzornictwo inspirowane architekturą łączy metal, szkło i technologię, tworząc z prysznica centralny punkt łazienki. System nie przypomina urządzenia technicznego, lecz subtelnie wkomponowaną w przestrzeń rzeźbę. Różne warianty kolorystyczne i materiałowe pozwalają na dopasowanie produktu do wybranej stylistyki. Powłoki PVD w odcieniach grafitu, miedzi i złota oraz białe lub czarne szkło akrylowe idealnie wpisują się w estetykę minimalizmu, japandi czy modern spa. Rainshower Aqua Pure tworzy harmonijną całość z armaturą z kolekcji GROHE Allure, umożliwiając spójną aranżację całej łazienki. Ergonomiczne, metalowe przyciski typu „naciśnij-przekręć” są subtelnie ukryte w korpusie armatury, a ich radełkowana struktura sprawia, że korzystanie z systemu jest wyjątkowo intuicyjne. Półka wykonana z bezpiecznego szkła i metalu jest regulowana na wysokość, zapewniając przestrzeń dla kosmetyków bez zaburzania estetyki wnętrza. Zaproszenie do zmiany perspektywy Nowoczesna łazienka to dziś manifest stylu życia – zrównoważonego, uważnego i świadomego. GROHE Rainshower Aqua Pure idealnie wpisuje się w trendy slow living, home SPA i neuroarchitektury, w których przestrzeń projektowana jest, aby jej doświadczać. Każdy element tego systemu wspiera tę ideę – od precyzyjnie dobranych materiałów, przez technologię SmartControl, aż po wyrafinowane detale wzornictwa. GROHE Rainshower Aqua Pure to coś więcej niż nowoczesny system prysznicowy – to zaproszenie do zmiany perspektywy. W świecie pełnym bodźców łazienka może być miejscem odpoczynku. Prysznic staje się chwilą tylko dla siebie – czystą, piękną i harmonijną. Materiał promocyjny marki GROHE
Wnętrza z duszą. Skandynawskie dziedzictwo marki ASKO ma już 75 lat
Trwałość, ergonomia i minimalistyczny design inspirowany naturą – wyposażenie kuchni i łazienek powinno być nie tylko intuicyjne, ale również przyjemne dla oka. Marka ASKO, szwedzki producent sprzętów AGD konsekwentnie stawia na zrównoważony rozwój, nie rezygnując z funkcjonalności. W ramach jubileuszu przygotowano unikalną ekspozycję.
Skandynawski minimalizm to coś więcej niż tylko styl – to sposób myślenia o przestrzeni i codzienności. Wnętrza inspirowane północą emanują spokojem, światłem i uporządkowaną prostotą, która nie narzuca się formą, ale zachwyca funkcją. Tu każdy detal ma znaczenie, a puste przestrzenie nie są brakiem, lecz świadomym wyborem. Jasne ściany, naturalne tkaniny i ciepłe drewno tworzą tło dla życia, które płynie w rytmie harmonii i równowagi. Inspired by Scandinavia W filozofii prostoty mniej znaczy więcej. W praktyce chodzi o to, by przedmioty, które posiadamy, naprawdę nam służyły, a przy okazji wyglądały estetycznie. To podejście widać także w kuchni czy łazience, gdzie sprzęty AGD stają się integralną częścią wnętrza. Nowoczesne płyty indukcyjne, piekarniki czy pralki są nie tylko dyskretne i eleganckie, lecz także intuicyjne. Mają za zadanie ułatwiać codzienne czynności, ale i subtelnie wpisywać się w otoczenie. To właśnie w tym duchu powstają urządzenia marki ASKO – zaprojektowane w oparciu o skandynawski minimalizm, gdzie design spotyka się z funkcjonalnością najwyższej klasy. W tym roku ASKO obchodzi swój 75. jubileusz, podkreślając wierność skandynawskim wartościom takim jak prostota, wysoka jakość, a także odpowiedzialność ekologiczna. To jedna z firm, które konsekwentnie stawiają na zrównoważony rozwój, wyznaczając nowy kierunek w branży. Od początku swojej działalności ASKO skupia się na funkcjonalnym, prostym i ponadczasowym designie. Produkty marki to nie tylko urządzenia codziennego użytku – to przemyślane rozwiązania, które odzwierciedlają styl życia oparty na szacunku dla natury i dążeniu do trwałości. Design i jakość ponad wszystko Historia marki ASKO rozpoczęła się w latach 50. Pewien wynalazca nie mógł dłużej patrzeć, jak jego matka z trudem pierze ręcznie w lodowatej wodzie. Zdeterminowany, by odciążyć ją w codziennych obowiązkach, zaprojektował solidną i niezawodną pralkę, wykorzystując trwałe materiały: żeliwo i stal nierdzewną. ASKO stworzyła prawdziwa i czysta miłość. Tak z potrzeby serca i szacunku do codziennej pracy powstało urządzenie, które dało początek marce ASKO – do dziś będącej symbolem jakości i ponadczasowego wzornictwa. ASKO wykorzystuje do produkcji wyłącznie stal nierdzewną najwyższej jakości – materiał trwały, higieniczny i bardziej przyjazny środowisku niż tworzywa sztuczne. Innowacyjne rozwiązania, takie jak system Steel Seal™, eliminują konieczność stosowania tradycyjnych gumowych uszczelek w pralkach, co ułatwia utrzymanie urządzeń w czystości i zwiększa ich trwałość. Marka świadomie ogranicza wykorzystanie plastiku na rzecz surowców nadających się do recyklingu – to podejście, które nie tylko zmniejsza ilość elektrośmieci, ale również wydłuża cykl życia produktów. Każdy sprzęt ASKO przechodzi rygorystyczne testy przewidujące 20 lat użytkowania. Taka trwałość pozwala uniknąć częstych wymian urządzeń, co przekłada się na oszczędności w domowym budżecie oraz mniejsze obciążenie dla środowiska. Dodatkowo, produkty marki cechują się wysoką efektywnością energetyczną i oszczędnym gospodarowaniem wodą – są więc idealnym wyborem dla osób dbających o planetę i jakość życia. Pralki, suszarki i urządzenia kuchenne ASKO nie ogranicza się do jednej kategorii produktów – w jej ofercie znajdują się zarówno urządzenia wolnostojące, jak i do zabudowy. Pralki i suszarki bębnowe, szafy suszące, piekarniki, chłodziarki, a także nowoczesne systemy do gotowania parowego i z kontrolą temperatury. Pralki i suszarki ASKO są wyjątkowo intuicyjne, łatwe w obsłudze i zapewniają niezmiennie wysoką wydajność przy zachowaniu doskonałej stabilności, oraz niskim zużyciu wody i energii. Wyróżniają się tym, że są delikatne dla ubrań, wygodne i łatwe w obsłudze, a do tego zaprojektowano je z myślą o jak najdłuższym okresie eksploatacji. Eleganckie linie i wyważona kolorystyka idą w parze z innowacyjnymi panelami sterowania. Zmywarki i piekarniki ASKO to ponadczasowy klasyk stworzony z myślą o codziennym komforcie. Ciekawym rozwiązaniem są również okapy w płytach grzewczych – płyty gazowe są wyposażone w palnik do woka Volcano, a płyty indukcyjne umożliwiają łączenie pól grzewczych. Mało tego, w portfolio marki znajdziemy chłodziarki do wina, które odtwarzają warunki panujące w piwniczkach. Wszystkie te rozwiązania łączy ponadczasowa estetyka oraz funkcjonalność zaprojektowana z myślą o przyszłości. Marka nie podąża wyłącznie za trendami – ona je kreuje. Prestiżowe nagrody i showroom w Polsce Rok jubileuszowy przyniósł ASKO aż cztery nagrody iF DESIGN AWARD 2025, co tylko potwierdza światowy poziom innowacyjności. Wśród docenionych rozwiązań znalazły się piekarniki Celsius NYACraft w wariancie Frame – urządzenia, które łączą precyzję działania z estetyką i funkcjonalnością na poziomie profesjonalnym. Oferowane w trzech wersjach kolorystycznych, wyposażone w dotykowy ekran i pokrętło jog dial, wpisują się w potrzeby najbardziej wymagających użytkowników. Uznanie zdobyła również nowa linia chłodnicza Nordic Fresh BI 5-series z systemem DuraFresh, która wyróżnia się stylowymi akcesoriami z drewna oraz możliwością zdalnego sterowania przez aplikację ConnectLife. Z kolei wersja Glass, wykonana z eleganckiego szkła to ponadczasowy wygląd, który doskonale współgra z nowoczesnym wystrojem kuchni. Wśród nagrodzonych produktów znalazła się też linia Style – znajdziemy w niej pralki i suszarki, które łączą technologię Steel Seal™ z inteligentnym sterowaniem. Przyznane nagrody to zaledwie przedsmak. ASKO oficjalnie otworzył swój pierwszy showroom w Polsce, tworząc wyjątkową przestrzeń pełną piękna. To nie tylko ważny krok w rozwoju obecności marki na polskim rynku, ale i nowe miejsce spotkań dla miłośników skandynawskiego minimalizmu. ASKO Experience Center zlokalizowany przy ul. Kasprzaka 6 to nie tylko inspirujące miejsce dla entuzjastów nowoczesnych technologii, projektantów i wymagających użytkowników, ale także wyraźny sygnał, że ASKO zamierza dynamicznie rozwijać swoją obecność na polskim rynku, stawiając na połączenie jakości, designu i innowacyjnych rozwiązań. Starannie dopracowane detale oddają ducha marki i podkreślają jej skandynawskie dziedzictwo. Materiał promocyjny marki ASKO
Żegnajcie, białe ściany! Architektki ogłaszają: teraz ten kolor jest hitem
Historia lubi zataczać koło i panujący przez lata kolor szary, jako świetna baza we wnętrzach, ustąpił miejsca beżom. Beżom, które kiedyś kojarzyły się wyłącznie z aranżacyjną nudą!
Te piękne tonacje, w nowej odsłonie, już na dobre goszczą w naszych mieszkaniach. Tak jak w przypadku szarości, są fantastycznym tłem do wykreowania niezwykle ciekawych przestrzeni przyjaznych do życia. O tym, jak stworzyć beżowe wnętrza radzą architektki z FUGA Architektura Wnętrz – Katarzyna Burak i Antonina Sadurska. W połączeniu z ciepłym kolorem drewna stworzą przytulną krainę łagodności. Z wyrazistymi dodatkami zbudują dynamiczną kompozycję, a z pastelami spotęgują harmonię. Jedno jest pewne: w towarzystwie beżów, czyli kolorów ciepła, każdy poczuje się przyjemnie i miło! Beżowy monochromatyzm Nawet jeśli beżowy we wnętrzach wykorzystywany jest solo, nie miejsca na nudę! Monochromatyczne beżowe aranżacje, dzięki różnym fakturom i materiałom, nigdy nie będą pozbawione wyrazu. Jak łączyć beż z… beżem? View Burdaffi on the source website Katarzyna Burak i Antonina Sadurska mają kilka pomysłów: po pierwsze: mieszanka wykończenia połysku i głębokiego matu – taka kombinacja sprawi, że wnętrze zrobi się ciekawsze. I tutaj można pomyśleć o takich zastosowaniach w płytkach w łazience – matowe płytki na podłodze, a na ścianie połysk w postaci drobnej mozaiki. Na kuchennym podwórku schemat działa jest podobny: blat matowy, a rękaw roboczy połyskujący. I voila: doskonały efekt gwarantowany! Kolejnym ważnym elementem we wnętrzu są tkaniny, które nie tylko działają akustycznie czy dodają komfortu. Beżowe bogactwo odcieni, splotów, gramatury pozwala na tworzenie wnętrza, które wzbogaca przestrzeń, powoduje, że chce się dotknąć faktury czy poznać jej miękkość. – podkreśla Katarzyna Burak Beżowe tynki strukturalne na ścianę Obecnie panuje silny trend na wykończenie ścian w tynkach strukturalnych, które proponują pełen wachlarz głównie odcieni beżów. Antonina Sadurska wyjaśnia, że mikrocement również przoduje w tym kolorze, a dodatkowo ciekawym rozwiązaniem są tapety o rysunku tkanin, które pięknie się prezentują w łagodnych barwach kawy z mlekiem czy Koloru Roku 2025: Mocha Mousse. View Burdaffi on the source website Beże kontra style wnętrzarskie Beże są ciekawym kolorem, jeśli chodzi o zastosowanie w kontekście stylów wnętrzarskich. W zasadzie w każdym kierunku stylistycznym znajdą dla siebie zastosowanie, dzięki temu, że tak dobrze współgrają z innymi kolorami. Beż króluje w estetyce boho, japandi, nurtach rustykalnym, modern classic czy klasycznym. Sprawdza się także w takich stylach jak hampton, vintage czy również w nieoczywistym loftowym kierunku, który jest dosyć zimny. Beżowy akcent złagodzi jego chłodny charakter. O czym pamiętać, gdy urządzasz beżowe wnętrza? Czy istnieją jakieś beżowe pułapki? Katarzyna Burak wyjaśnia, że nie jest to łatwy kolor, ponieważ, inaczej niż szarość, nie jest rozbieloną barwą czerni. Dodaje, że „to mieszanka różnych pigmentów. Znajdują się w nim żółcie, pomarańcze, brązy, czy też, jak w przypadku chłodniejszych odcieni beżu, domieszki fioletów czy szarości. To dlatego kluczem do sukcesu beżowego wnętrza jest praca na próbkach.” Dwa różne kolory beżu mogą na siebie oddziaływać z niepożądanym efektem. To oznacza, że jeden dominujący wariant może negatywnie wpłynąć na odbiór drugiego. Dlatego też przed wyborem odpowiedniej tonacji, najlepiej sprawdzić ją w docelowych płaszczyznach, przy różnym oświetleniu. W ten sposób uda się uniknąć kosztownych pomyłek. – radzi architektka Antonina Sadurska. View Burdaffi on the source website
Nie chcieli wielkiej rezydencji. Wybrali niewielki i przytulny dom w stylu farmhouse
Styl farmhouse ma wiejskie korzenie, ale nie jest przaśny. To mieszanka sielskości i przytulności, która powoduje, że we wnętrzach urządzonych pod jego dyktando chce się po prostu zostać dłużej. Jest w nim nieco rustykalnej prostoty i szczypta nowoczesności. Taką kombinację wybrali właściciele małego domku na pograniczy miasta i wsi. Urządzili go dla nich Małgorzata i Andrzej Bacikowie z MM Architekci.
Dom inwestorów jest nieduży. Ma zaledwie 100 m2. Jednak właściciele wymarzyli sobie przesyconą przestrzeń wypełnioną światłem i połączeniem nowoczesności z elegancją. Zadanie było trudne, ale dzięki sprytnym zabiegom wnętrzarskim udało się je osiągnąć. Parterowa przestrzeń ma wysokie prawie sześć metrów, otwarty po sam dach salon, klimatyczną kuchnię, której daleko do „babcinej” oraz stylowo wyposażone wnętrza. Dom w stylu farmhouse i materiały Jak wspomina architekt budżet był ograniczony. Mimo tego baza musiała być solidna, bo przecież domek miał posłużyć właścicielom przez lata. Dobre materiały wykończeniowe w postaci eleganckiej, drewnianej podłogi nie tylko będą oznaczały trwałość, lecz także dzięki szlachetnym rysunkom i sękom nadadzą wnętrzu upragniony wiejski klimat. Część mebli i dekoracji, jak antyczna szafeczka, kandelabr czy zegar na kominku, to rodzinne pamiątki właścicieli. Towarzyszą im wyszperane w antykwariacie rozwiązania, takie jak stolik ze szklanym blatem na metalowej podstawie. View Burdaffi on the source website View Burdaffi on the source website Ciekawym elektem wystroju jest kominek, a właściwie jego obudowa. Białe płytki o subtelnym, reliefowym wzorze to zaprojektowana przez Patricię Urquiolę kolekcja “Déchirer” Muttiny. Kuchnia rustykalna Kuchnia zaplanowana jest w kształcie litry L, a jej dodatkowym elementem jest półwysep. By uniknąć wrażenie „babcinej” stylizacji, architektka wzbogaciła przestrzeń o nowoczesne akcenty w czarnym odcieniu. Tuby okapu i lamp nad wyspą, ramki frontu witryny, stylizowany piekarnik Smeg “Coloniale” czy nogi hokerów specjalizującego się w art déco antykwariusza z Mińska Mazowieckiego dodają przestrzeni wyrazistości. W klimacie art. déco utrzymany jest te stół. Przyjechał z antykwariatu w Chorzowie. Architektka uzupełniła go o biedermeierowskie krzesła, zmieniając jedynie typową dla tego stylu tapicerkę w złoto-zielone pasy na bardziej współczesną w odcieniu ciepłej szarości. View Burdaffi on the source website Wnętrza i klimat mix&match W części prywatnej domu znajdują się trzy pokoje i łazienka, które wypełnia eklektyczny miks wpływów uhonorowanym pięknem przedmiotów z historią. W sypialni mowa o floralnym motywie na tapecie szwedzkiej marki Boras Tapeter czy thonetowski regalik. W gabinecie bohaterem jest artdekowskie biurko, a jego tłem jest zaprojektowany przez Małgorzatę biblioteczny regał. View Burdaffi on the source website Punktem wyjścia do aranżacji salonu stały się wiszące pomiędzy nimi dwa olejne obrazy nieżyjącego już tarnowskiego malarza Stanisława Westwalewicza. Mają piękną kolorystykę, zieleń, brąz, ametystowy fiolet – mówi Małgorzata